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Blog que dejara disponible discos y grabaciones de música chilena, registros realizados en Chile o ediciones chilenas de música grabada en el mundo, en ediciones que estén descatalogados, fuera de venta o inéditas en Chile. El material publicado esta disponible previamente en Internet. Si alguien desea que saquemos el post de algún material, nos lo solicita y procederemos. Sitio de difusión artístico y cultural, sin fines de lucro.
Antiguamente a este día se le llamaba “el día de la raza”, posteriormente el día en que se conmemoraba “el encuentro de dos mundos”, como una forma de buscar el lado amable de todo lo que pasó. En resumen, y después de todos estos años, habitamos esta Latinoamérica de una u otra forma, y eso es lo que se plasma en este disco doble que comprime una selección de un poco mas de 2 horas de la segunda versión del Festival “Todas las Voces Todas” realizado en Ecuador en Noviembre de 2003. El primer festival ha permanecido con mayor generosidad en el tiempo. Se editaron unos CDs en variadas ediciones, que fueron generosamente distribuidos con el tiempo. Este segundo festival, con este CD doble tuvo una edición mas limitada, y ahora buscando en internet casi no hay nada información de él.
Al revisar la prensa ecuatoriana de la segunda quincena de Octubre de 2003 se indica lo sgte: “En el recital Todas las voces, todas, participarán 27 artistas, entre solistas y agrupaciones nacionales e internacionales. El espectáculo se efectuará del 13 a 15 de noviembre próximos en el coliseo Rumiñahui, en Quito.
De Ecuador se presentarán: Tanya López, Juan Fernando Velasco, Patricia González, Juan Diego Alarcón, Sebastián García, Margarita Laso, los grupos Quimera, Tercer Mundo y Pueblo Nuevo, los humoristas Carlos Michelena y David Reinoso y el changarista Manolo Criollo. De otros países intervendrán: Cabas, de Colombia; Alberto Plaza, Pablo Herrera, las agrupaciones Illapu y Quilapayún y el humorista Coco Legrand, de Chile; Tania Libertad, de Perú; Braulio López, de Uruguay; Alberto Cortez, Piero, Víctor Heredia y César Isella, de Argentina; Omara Portuondo, Ibrahim Ferrer y el grupo Van Van, de Cuba.”
Según lo que indica e-mol en una nota de la época “El objetivo del festival es recaudar dinero para construir la segunda fase de "La Capilla del Hombre", un proyecto arquitectónico ideado por el fallecido pintor ecuatoriano Osvaldo Guayasamín. (…)el ciclo de conciertos será un "punto de arranque significativo" para la construcción de la segunda etapa de la "Capilla del Hombre" que necesita una financiación de 2.500 millones a 3.000 millones de dólares.”.
A principios de Noviembre confirmó su presencia León Gieco, quedando el cartel cerrado para el evento.
El diario “ El Universo” (de derecha y neoliberal) indicaba a principios de Noviembre de 2003 lo sgte:.
“El concierto Todas las voces, todas, que se realizará en Quito el 13, 14 y 15 de noviembre próximos, se anuncia como la segunda versión del que se realizó en junio de 1996 para recaudar fondos a favor de la construcción de la Capilla del Hombre, proyecto del fallecido maestro Oswaldo Guayasamín, un fuerte argumento con el que los organizadores esperan una respuesta positiva del público.
Cierto, pero en siete años ocurren cosas, las sensibilidades cambian, los proyectos se cuestionan, las personas mueren, los gobiernos caen, las figuras se afianzan, pero también se desdibujan. Es decir, existen muchos elementos para poner en balanza ya que son los que finalmente determinarán la acogida que logre este espectáculo en el público.
Para comenzar, esta vez ya no habrá la presencia física del pintor (muerto en 1999) cuya figura aglutinaba apoyos por sí misma, pero en contrapartida la Capilla del Hombre ya no es un proyecto como entonces, sino que está en marcha.
Hace dos años apareció el libro Una luz sin sombras, de Luce Deperon, ex esposa de Guayasamín, en el que narra vivencias desagradables de su vida junto al artista. Eso no ha impedido que se sigan haciendo exposiciones con su obra y que su proyecto reciba nuevos apoyos. También está de por medio la disputa legal entre los herederos (los Guayasamín-Monteverde contra los Guayasamín-Deperon) por la herencia, lo que llevó a personalidades del arte, y hasta la política, a tomar posiciones.”
También el periódico hace una mención especial a la cantidad de músicos ligados al canto social que estarán presentes en el evento, pero también indica que “ya no se le canta a la toma del poder por parte de los obreros, pero sí a la libertad, a la paz y al amor, cuya defensa también es un acto político. Quienes hacen canción social ahora ya no están vinculados de manera orgánica a grupos políticos. En ese sentido, se debe esperar de ellos menos consigna y más arte.”
No está demás considerar que la presencia de artistas en este festival se explica por la valorización de la obra de Oswaldo Guayasamín y como esta se encarna en “La Capilla del Hombre”: no necesariamente por los detalles a los cuales hace mención el libro de su exesposa mencionado mas arriba. Para mas detalles de este libro pueden revisar este link: (https://www.abc.es/cultura/abci-caso-luce-deperon-contra-pintor-oswaldo-guayasamin-200201190300-73028_noticia.html)
Como indican las notas de mas arriba la presencia de artistas chilenos estuvo representada por Coco Legrand, Alberto Plaza, Pablo Herrera, Illapu y Quilapayún.
¿Cómo fueron a dar Alberto Plaza y Pablo Herrera a ese festival?, Alberto Plaza ya había estado presente en la primera versión del festival; y en esa época no estaba tan marcadamente ligado a sectores de derecha; lo mismo que Pablo Herrera.
En el caso de Illapu en esa época estaba viviendo su residencia en México, tratando de ampliar su proyección internacional, que finalmente no dio resultado, generando los quiebres que ya hemos comentado anteriormente.
En el caso de Quilapayún, recién se estaba rearmando la agrupación bajo la dirección de Carrasco, haciendo las presentaciones de septiembre del 2003 que fueron su “debut”, y para esta presentación en Quito la formación fue la sgte: Eduardo Carrasco, Rubén Escudero, Guillermo García, Ricardo Venegas, Ismael Oddó y Héctor "Tito" Delgado que venía desde el “Preludio”, el grupo “tributo” al Quila que se formó en la década de 1990 bajo la dirección de Venegas.
Si el grupo rejuntado de septiembre de 2003 en vivo sonaba regular, en Noviembre las cosas parece que no habían mejorado mucho, principalmente considerando que la formación carecía de la parte fuerte del grupo que estaba en Europa como Lagos, Gómez y Quezada. Pero ahí viene lo curioso (y que refuerza lo “regular” del sonido en vivo), en la versión que acá se incluye de “Que dirá el Santo Padre” se escucha claramente a Lagos y Quezada. Por lo tanto la grabación de ese tema corresponde a una de las tomas en vivo realizadas en septiembre de 2003 en Chile. El tema “El Pueblo Unido” si corresponde al registro en el festival de Quito. La diferencia en ecualización entre ambos temas refuerza la teoría que los dos temas corresponden a presentaciones y formaciones distintas.
Este disco mirado a la distancia resulta valioso, un concierto latinoamericano desde Ecuador, con una mayoría de artistas ecuatorianos, con granados representantes de la música del resto del continente, con valiosos registros en vivo. ¿ Como no apreciar las interpretaciones de Alberto Cortez, ahí cantando casi sin micrófono al inicios del registro?, ¿ o como no valorar el par de temas interpretados por Ibrahim Ferrer y Omara Portuondo que cierran el disco?. También es curioso como los músicos chilenos (Plaza, Illapu, Herrera), sobreestiman lo conocido que es su repertorio por el público ecuatoriano, invitándolos a cantar cuando no necesariamente el público se sabe sus canciones.
Y como no es bueno escuchar una vez más a Piero, sintiéndolo eterno por siempre.
CD 1:
00:01 1. Cuando un amigo se va (A. Cortez). Intérprete: Alberto Cortez (Argentina)
03:37 2. En un rincón del alma (A. Cortez). Intérprete: Alberto Cortez (Argentina)
06:41 3. Pedro Canoero (T. Parodi). Intérprete: Quimera (Ecuador)
52:08 14. Hasta siempre Comandante (C. Puebla). Intérprete: Pueblo Nuevo (Ecuador)
56:20 15. A mi lindo Ecuador (R. Barba). Intérprete: Pueblo Nuevo (Ecuador)
1:01:20 16. Que dirá el Santo Padre (V. Parra). Intérprete: Quilapayún (Chile) (Formación: Eduardo Carrasco, Carlos Quezada, Hernán Gómez, Hugo Lagos, Rubén Escudero, Guillermo García, Ricardo Venegas, Ismael Oddó. Grabado en Septiembre de 2003 en Chile)
1:04:07 17. El Pueblo Unido jamás será vencido (Sergio Ortega). Intérprete: Quilapayún (Chile) (Formación: Eduardo Carrasco, Rubén Escudero, Guillermo García, Ricardo Venegas, Ismael Oddó y Héctor "Tito" Delgado. Registrado en vivo en este Festival)
A fines del año 1967, Quilapayún y Víctor Jara comienzan a grabar los primeros temas de lo que vendría a ser un disco completamente dedicado a la música infantil latinoamericana, pero la falta de tiempo de ambos llevó a que se comenzaran a incorporar temas latinoamericanos sin necesidad de estar ligados a la música infantil, para finalmente ir más allá de esos límites e incorporar temas españoles y uno israelí.
El disco fue lanzado a principios de 1968, justo cuando Víctor Jara comenzaba un largo viaje al extranjero que duró todo el primer semestre de ese año, ligado principalmente a su carrera como director teatral. Por lo tanto, este LP no tuvo un lanzamiento propiamente tal ni presentaciones en vivo, siendo su alcance limitado.
Este disco marca el retorno de Patricio Castillo al grupo, después de la exigencia que hizo Víctor Jara al conjunto, y luego del viaje de Castillo por el altiplano, lo que lo llevó a recoger repertorio que se iría incorporando paulatinamente en los discos del conjunto hasta el disco Quilapayún 4. También en este regreso, Castillo comienza a ser el responsable del charango, alcanzando un nivel solista virtuoso, dejando como charanguista de soporte a Julio Carrasco, quien tocaba este instrumento en los orígenes del grupo.
Hace poco
tiempo, un disco de excelente contenido —“El cóndor pasa / Quilapayún”
(OP-80219)— marcó el debut en Japón del grupo Quilapayún. Debido a la
gran acogida que tuvo, ahora se presenta su segundo álbum.
El
magnífico grupo juvenil chileno Quilapayún, como ya se mencionó al
presentar su disco debut, es un conjunto de música folclórica formado
exclusivamente por estudiantes universitarios (en el año 1970). Sus integrantes
son: el tenor Carlos Quezada, Rodolfo Parada; los barítonos Patricio Castillo y
Willy Oddó; el bajo-barítono Hernán Gómez; y el bajo Eduardo Carrasco. Todos
ellos tocan guitarra u otros instrumentos folclóricos similares (como el
charango), y algunos también interpretan la quena andina, una flauta de
profundo carácter emocional. Junto con sus frescas armonías vocales, poseen una
capacidad interpretativa de altísimo nivel.
Por
supuesto, estudian profundamente el folclore de su país, Chile (canciones
populares y música tradicional), adquiriendo un conocimiento sólido. Pero al
mismo tiempo, también han mostrado un interés constante por la música popular
de otros países del mundo, especialmente de América Latina y España, con
quienes comparten idioma. Incluso en estas tendencias internacionales, las
composiciones e interpretaciones de Quilapayún siempre transmiten un
sentimiento de solidaridad con todas las personas. Se percibe que mantienen
siempre una clara conciencia de su misión como grupo con ideales.
El disco
que aquí presentamos resalta especialmente ese carácter internacional de Quilapayún.
Incluye no solo canciones de América del Sur y España, sino también de Israel y
Norteamérica. Además, no se limita a lo que tradicionalmente se entiende como
“folclore”, sino que incorpora también lo que podría llamarse “nuevo folclore”:
canciones modernas con autores y compositores claramente identificados. El
resultado es un LP variado, accesible y lleno de riqueza.
Este
disco tiene, además, otro aspecto importante. En él no solo participan los
miembros oficiales actuales de Quilapayún, sino también el destacado
cantante de música folclórica chilena Víctor Jara. Cantante, guitarrista y
poeta, Víctor Jara posee una voz suave y una interpretación llena de humanidad.
Aunque aún puede considerarse joven, en los últimos años se ha convertido en
una figura de gran popularidad. Cabe señalar que anteriormente formó parte del
excelente grupo folclórico chileno Cuncumén, y también colaboró en la
fundación de Quilapayún (1965). Actualmente desarrolla su actividad como
solista independiente.
Lado A
1.
Hushabye (ハッシャバイ)
En primer
lugar, se trata de una canción en inglés poco habitual dentro del repertorio de
Quilapayún, un tema perteneciente al folclore de los Estados Unidos.
Existe otra canción conocida con el mismo título, pero desde hace mucho tiempo;
sin embargo, la palabra “Hushabye” significa algo así como “duérmete” o
“arrullo”, por lo que es un título apropiado para una canción de cuna.
La
versión que aquí se interpreta, “Hushabye”, figura acreditada en el sello
discográfico a Yarrow y Stookey (Peter, Paul & Mary). No obstante,
originalmente es una canción tradicional que cantaban las madres
afroamericanas. Desde hace bastante tiempo ha sido interpretada por diversos
cantantes de folk, comenzando por Pete Seeger.
(3’50”)
2.
Bailecito (バイレシート)
El
término bailecito proviene de “baile” (danza) con un sufijo diminutivo,
lo que expresa algo así como una forma cariñosa o afectuosa de decirlo. En
regiones que abarcan desde Bolivia hasta el noroeste de Argentina, esta palabra
también se utiliza como nombre de un tipo específico de danza.
Se trata
de un baile sencillo y encantador, en el que una pareja (hombre y mujer) danza
agitando pañuelos. Su ritmo combina compases de 6/8 y 3/4, característicos del
folclore sudamericano, y presenta además vestigios de escalas pentatónicas de
estilo incaico. La melodía, aunque ligera, contiene también un matiz
melancólico.
El sonido
de la quena y del charango (un pequeño instrumento de cuerda originario de los
Andes, hecho antiguamente con el caparazón de un armadillo) crea una resonancia
particular que, una vez escuchada, resulta inolvidable y evoca intensamente el
paisaje andino. También es interesante el grito inicial que introduce la
canción.
(2’24”)
3. Paloma del palomar (鳩小舎の鳩)
Esta es
una canción popular que llegó al continente europeo y se relaciona con la idea
de “Madre España”, como llaman a veces los pueblos de América Latina a la
tierra de sus antepasados. Es un canto tradicional que se ha transmitido desde
hace mucho tiempo en la región de Asturias, al norte de España.
Al igual
que ocurre con muchas canciones populares antiguas japonesas, la letra no sigue
necesariamente una lógica estricta, y expresiones como “レ・レメ・レメンデ” parecen no tener un significado concreto,
funcionando más bien como recursos fonéticos.
(1’09”)
4. Duerme, negrita (ドゥルメ・ネグリータ)
Esta obra
pertenece a uno de los compositores más destacados nacidos en Cuba, en el
Caribe: Eliseo Grenet (fallecido en 1951). Es una canción de cuna en la que,
con ternura, se invita a una niña que no quiere dormirse a que descanse.
En esta
grabación se puede escuchar como interpretación solista de Víctor Jara.
(3’36”)
5. Lágrimas de mi madre (わが母の涙)
Esta
melodía profundamente emotiva es una yaraví de Bolivia. El yaraví suele
caracterizarse por un tempo lento y una expresión melancólica, y se dice que su
origen se remonta al harawi, un canto lírico del Imperio Inca.
En países
que formaron parte de ese imperio, como Perú y Bolivia, el yaraví sigue interpretándose
hoy en día. En muchos casos, como en esta pieza, se ejecuta con instrumentos
como la quena y el charango.
(2’41”)
6. El arriero (牛車の御者)
Esta es
una canción de estilo campestre compuesta por el cantante folclórico uruguayo
Daniel Viglietti. Aunque todavía joven (nacido en 1939), recientemente ha
publicado discos LP incluso en París, destacándose como compositor, cantante y
guitarrista comprometido con su país.
La forma
musical corresponde a la huella, aunque difiere de la huella tradicional
argentina, por lo que puede considerarse una composición libre dentro de ese
estilo.
(2’01”)
Lado B
1. Mare,
mare (マレ，マレ)
“Mare,
mare” es una de las formas de danza tradicional transmitidas en Venezuela. Los
investigadores suelen clasificarla como representativa de las danzas de origen
indígena, pero en la versión aquí interpretada predominan más bien elementos de
tradición europea.
El ritmo
también responde a patrones comunes en las sociedades mestizas de América
Latina, combinando compases de 6/8 y 3/4, sin que se perciba claramente un
carácter puramente indígena.
(Continuación
de “Mare, mare”)
Según algunos estudios, el término podría referirse originalmente a un tipo de
flauta utilizada por los pueblos indígenas, pero en esta letra parece emplearse
más bien como si fuera el nombre de un jefe o figura imaginaria.
(2’26”)
2. Noche de rosas (薔薇の夜)
En este
LP, Quilapayún continúa su “viaje internacional”, y en esta ocasión nos
lleva hasta Israel, en el Medio Oriente. Este país cuenta con muchas canciones
hermosas, cargadas de misterio y una melancolía particular.
“Noche de
rosas” (Erev shel shoshanim), compuesta por M. Dor y J. Hadar, es una de
las más populares y encantadoras. Se canta en su idioma original, el hebreo, y
su significado general es:
“Noche de
rosas, salgamos al jardín. El aroma de la mirra llena el aire, y la noche
desciende suavemente. Sopla una leve brisa entre las rosas. Ven hacia mí en
silencio, es un canto de amor. La paloma alza su voz, y en tus cabellos
florecen las rosas. Mi noche de rosas, quisiera recogerte.”
(2’36”)
3. Tres bailecitos (3つのバイレシート)
Escuchemos
nuevamente un bailecito de Bolivia. En esta pieza se enlazan tres
melodías diferentes en forma de medley. Se utilizan dos charangos (o quizás
pequeñas guitarras), creando un efecto sonoro original, intenso y hermoso.
Este tipo
de riqueza expresiva es una muestra de la profundidad artística de Quilapayún.
(2’26”)
4. Girasol marchito (枯れひまわり)
Una obra
original de Víctor Jara, tanto en letra como en música. Es una canción que
parece evocar recuerdos fragmentarios de la infancia, con un tono casi onírico.
Resulta
especialmente interesante el equilibrio entre modernidad y sensibilidad que se
percibe en la composición, incluyendo su introducción y pasajes instrumentales.
(2’55”)
5. El campo de mandioca (マンディオカの畑)
La
mandioca (también llamada yuca) es un tubérculo cultivado en partes de América
del Sur. De ella se obtiene una harina conocida como tapioca, que en el norte
de Brasil constituye un alimento básico.
Esta
canción, que expresa simpatía hacia un joven que trabaja en un campo de
mandioca, está interpretada en español, aunque se cree que su origen podría ser
brasileño (el autor del texto aclara que no lo ha confirmado completamente).
(2’18”)
6. El turururú (エル・トゥルルル)
Volvemos
a España con una canción popular muy conocida, incluso utilizada como canción
de cuna. Se dice que proviene de la región de Salamanca (noroeste de España), y
en ocasiones también se le da el título de “El marido se murió”.
Aunque la
letra tiene un trasfondo algo oscuro o incluso macabro, la canción transmite al
mismo tiempo un cierto tono humorístico.
(2’19”)
7. Conejito (コネヒー)
Presentada
como una “pieza humorística”, es una canción muy alegre, típica de un bis o
cierre. El título parece referirse a un “conejito”.
En la
letra, las últimas sílabas de cada verso se “tragan” y no se pronuncian
claramente, lo que aumenta el efecto cómico de la canción. Como acompañamiento,
se escuchan sonidos que recuerdan a animales alrededor de una conejera, lo que
refuerza su carácter juguetón.
El año 1976 el Quilapayún realiza su primera gira Japón, en un escenario completamente distinto a cuando se editaron originalmente en Japón a inicios de esa década. Con motivo de esa visita se reedita este disco. De esa edición les dejo con las palabras iniciales de la contraportada:
● Introducción
A través de este disco, se puede conocer con claridad cómo el grupo folclórico
Quilapayún y el cantante solista Víctor Jara, quienes representaban la “nueva
canción folclórica” de Chile, desarrollaban en su momento una actividad
vigorosa, llena de sueños y riqueza artística.
Como es sabido, el golpe de Estado del 11 de septiembre de 1973, llevado a
cabo por las fuerzas de extrema derecha del ejército chileno, infligió a estos
artistas —que aspiraban a realizar una sociedad ideal a través de la canción—
un golpe brutal y vil.
Víctor Jara, pocos días después del inicio del golpe, fue encontrado como un
cadáver acribillado, con ambas manos destrozadas hasta el punto de no poder
volver a tocar la guitarra. Su “delito” fue intentar animar con sus canciones a
las personas detenidas en el Estadio de Boxeo de Santiago…
Por su parte, los integrantes de Quilapayún, que en ese momento se
encontraban de gira por Europa como enviados culturales del gobierno de
Allende, lograron evitar ese destino, pero ya no pudieron regresar a su país.
Desde entonces, han recorrido el mundo sin descanso, transmitiendo el dolor y
la indignación del pueblo chileno frente a la violencia fascista.
En la primavera de 1976 se programó su primera presentación en Japón, y este
LP —originalmente producido en 1968— fue reeditado con motivo de esa visita. A
continuación, se reproduce sin modificaciones un texto explicativo escrito
algunos años antes: (y se incluyen los textos que les compartimos mas arriba de la edición original japonesa)
Este disco se encuentra descatalogado en la actualidad, y cuando Quilapayún publicó (a la mala) su discografía, pirateando material para subirlo a plataformas, reconstruyeron este disco a partir de distintas fuentes: cassettes en regular estado, CDs, lo que dio como resultado un sonido disparejo y poco profesional para uno de los discos más importantes de su discografía.
Este traspaso de la edición japonesa lo hice hace bastantes años, y al escucharlo con el tiempo, no está mal. Por lo menos se oye más parejo que lo que está en Spotify.
El traspaso lo dejé respaldado en un CD, y curiosamente, al reproducirlo en el computador, este lo reconoce y muestra todos sus textos en japonés en Windows Media Player. ¿Cómo hace eso? No tengo idea.
Listado de temas:
Lado A
1.Husch-a-bye (Peter Yarrow - Paul Stockey)- Víctor Jara + Quilapayún
2.Bailecito (Popular)- Quilapayún
3.Remendé o [Paloma del palomar] (Popular española)-Quilapayún
4.Drume negrita (Eliseo Grenet)- Víctor Jara + Quilapayún
5.El llanto de mi madre (Popular boliviana - Edgar "Yayo" Jofré)- Quilapayún
6.El carrero (Juan Capagorry - Daniel Viglietti)- Quilapayún
Lado B
7.Mare Mare (Popular venezolana)-Quilapayún
8.Noche de rosas o [Erev shel shoshanim] (Moshe Dor - Yosef Hadar)-Quilapayún
9.Tres bailecitos (Ernesto Cavour)- Quilapayún
10.Gira, gira, girasol (Víctor Jara)- Víctor Jara + Quilapayún
11.Peoncito del mandiocal (Aníbal Sampayo)- Quilapayún
12.Ya se murió el burro o [El tururururú] (Popular española)- Víctor Jara + Quilapayún
Este disco es un caso único en su especie. Canciones creadas en Chile por Eduardo Yáñez, entre 1974 y 1976 bajo el seudónimo de Juan Pueblo, que salieron en un cassette a Europa, y bajo la dirección de la JJCC y la DICAP en el exilio, fueron arreglados e interpretados por los cantantes de la Nueva Canción Chilena que también estaban exiliados.
¿Cuándo fue la fecha de salida de este cassette de Chile?, es un dato que no está claro hasta este momento. Una de estas canciones, “cuando sales de tu casa” que en este disco lo interpreta Patricio Manns, el conjunto Quilapayún lo incluyó en el disco “La Marcha y la Bandera” de 1977 indicando que había sido grabado en 1975; pero uno de los temas de este disco “En la playa, el amor”, está dedicado a Marta Ugarte cuyo cuerpo apareció en el mar en septiembre de 1976; por lo tanto el cassette no pudo salir antes de esa fecha desde Chile, excepto que se hubieran hecho envíos en varias partes.
Como dice el arte del disco, las canciones del Quilapayún fueron grabadas en 1976 y con arreglos sencillos para ser emitidos por la señal de onda corta de Radio Moscú, y creo que la versión que ellos graban de “Cuando sales de tu casa” corresponde a la misma sesión de grabación por el tipo de arreglo que se utiliza; es decir no es de 1975 sino que de 1976.
Cada uno de estos temas de este disco no fueron incluidos dentro del repertorio normal de los artistas, y tampoco los incluyeron posteriormente en su discografía, por lo cual estos temas solo existen en este LP.
Eduardo Yáñez se enteró unos años después de la existencia de este disco con sus canciones, en un viaje que hizo a Europa a fines de los 70’s principios de los 80’s
Dice el interior del disco:
Si escuchan con atención, debajo de los surcos de este disco oirán crecer la vida, como se oye crecer la hierba en el silencio del campo: lenta pero implacable. Porque debajo de Pinochet sólo hay silencio; los dictadores no tienen poetas que les canten, a lo más mercenarios que envían telegramas de felicitación; en cambio, el canto del pueblo es irreprimible, se puede silenciar un día, un año, pero sabiendo que incluso entonces en las cárceles, en las fábricas, en las tabernas, entre dientes se tararean las canciones.
A veces podría pensarse, como lo hizo León Felipe, que los que se marchan se llevan la canción, pero es mentira; porque no hay dentro y fuera, interior y exilio, hay tan solo dictadura y pueblo, opresores y oprimidos: los opresores callan y el pueblo canta; dentro y fuera, en voz baja o a gritos, como las circunstancias lo permitan, el pueblo canta, y este disco es una buena muestra de ello.
En él, que inicia una serie titulada «Desde Chile: Resistimos», los artistas chilenos en el exilio, obligados a vivir fuera de su patria, pero entrañablemente ligados a ella por el anhelo común de la libertad, son los intérpretes insustituibles – únicos capacitados, por otro lado – para dar vida discográfica a estas canciones que, en el interior de Chile, han sido compuestas por el pueblo, como testimonio irrevocable en sus luchas cotidianas, del dolor de las cárceles y los muertos, de la soledad del reprimido o del torturado, y sobre todo de su amor a la vida.
Los españoles que, desgraciadamente, tanto sabemos de clandestinidad y exilio, sabemos también que los tiranos mueren y las dictaduras terminan, y que la obligación de los hombres es empujar la historia para así aproximar la hora de la libertad. La edición de estas canciones cumple también una función solidaria: al mostrar que el pueblo chileno no permanece callado en medio de la noche se está recordando a todo el mundo la obligación de luchar por su liberación.
Antonio Gómez
Lado A:
1. No me has querido decir – Quilapayún (Voces solistas: Guillermo García y Hugo Lagos)
2. Cuando salen de su casa – Patricio Manns
3. Igual que tú - Quilapayún
4. Ay, patria, dulce muchacha – Ángel Parra
Lado B:
1. En la playa, el amor - Isabel Parra
2. Estrella rota – Marta Contreras
3. A usted, señor, me dirijo – Quilapayún (Voz Solista: Willy Oddó)
4. Por ti vamos a vencer – Inti Illimani
Bonus Track:
Cuando Sales de tu casa – Quilapayún (Voz solista: Guillermo García)
Autor de todos los temas: Eduardo Yáñez
Todos los temas de Quilapayún fueron grabados en 1976
Quilapayún cumple hoy 60 años de existencia, y alcanzó su máxima madurez creativa y propositiva entre los 20 y 25 años de vida. Posteriormente, su aporte a la música popular chilena se ha ido reduciendo drásticamente con el paso de los años.
La importancia del conjunto se basa principalmente en su trabajo entre 1965 y 1970, etapa en la que produjeron discos fundamentales para la historia de la música popular chilena. A ello se suma la creación de himnos de lucha durante el período de la Unidad Popular, que se difundieron ampliamente en todo el mundo. También destacan sus esfuerzos por desarrollar una obra propia durante el exilio —aunque con escasa repercusión— y la exploración de una vanguardia artística y musical en los años ochenta, cuyo impulso, siendo generosos, se mantuvo hasta fines de los noventa. Desde entonces, el grupo entró en un período de declive.
O, mejor dicho, tras el quiebre y la separación en dos formaciones —una en Francia y otra en Chile—, surgieron nuevas propuestas que no lograron aportar de manera significativa al desarrollo de la música popular chilena, en contraste con el impacto que había tenido el grupo en décadas anteriores.
El tránsito hacia una nueva estética
En 1984, Quilapayún continuaba en una senda de búsqueda artística. Ya en 1982 habían editado La revolución y las estrellas, un disco que proponía una mirada donde el arte y la poesía prevalecían sobre la contingencia política. Faltaba, sin embargo, consolidar ese cambio discursivo con una renovación musical más profunda. Es en este contexto donde surge el disco Tralalí Tralalá, que encarna esa nueva dimensión estética y sonora que el grupo buscaba reflejar tanto en sus discos como en sus presentaciones en vivo.
Durante los primeros años de los ochenta, la situación del conjunto en el exilio no era la más favorable. Aunque Quilapayún era un grupo reconocido en Francia, no había alcanzado el nivel de éxito masivo que sí logró Inti-Illimani en Italia. Con el paso del tiempo y el descenso del fervor internacional por la causa del retorno a la democracia en Chile, el grupo se vio obligado a replantear su discurso para mantener vigencia en un entorno cultural con intereses más globales y menos coyunturales.
Este giro comenzó con Umbral (1979), y se consolidó con la ruptura del conjunto con el Partido Comunista en 1980. Esta decisión les dio mayor libertad creativa, pero también implicó perder el respaldo organizacional que el partido ofrecía para la difusión de su música. En 1982, Quilapayún editó por primera vez un disco bajo el sello Pathé Marconi, dejando atrás el alero de DICAP en el exilio. En 1983 lanzaron una antología dedicada a Pablo Neruda y regresaron a Latinoamérica para ofrecer una serie de recitales, especialmente en México y Argentina, este último publicado más tarde en dos LPs.
El proyecto Tralalí Tralalá y su estreno en el Olimpia
Quilapayún quiso que esta nueva etapa artística se reflejara también en una propuesta escénica innovadora. Para el estreno de Tralalí Tralalá en Francia, el grupo realizó una serie de conciertos en el mítico teatro Olimpia, bajo la dirección escénica de Daniel Mesguich. Este trabajo potenció las capacidades escénicas individuales de los integrantes, dando lugar a una performance coherente, continua y profunda en su planteamiento.
Como alguna vez expresó Eduardo Carrasco, director del grupo por ese entonces, se buscaba retomar y profundizar el trabajo escénico desarrollado junto a Víctor Jara, quien había influido decisivamente en los primeros años del conjunto gracias a su experiencia en dirección teatral. En palabras del propio Carrasco: “El Quilapayún es un conjunto de teatros”; es en ese tipo de escenarios donde puede desplegar todo su potencial artístico.
Con un discurso renovado, una propuesta musical arriesgada y una puesta en escena de vanguardia, Tralalí Tralalá marcó el inicio de una etapa distinta para Quilapayún. Los conciertos en el Olimpia de París comenzaron el 12 de junio de 1984, y hoy comparto un fragmento de ese momento.
Este disco representa también una búsqueda de nuevas sonoridades y una ruptura con la línea estética del trabajo anterior. No todos los públicos, sin embargo, comprendieron este viraje. Por ejemplo, el público argentino que recibió con entusiasmo al grupo en 1983, se mostró desconcertado cuando un año después Quilapayún presentó una cantata sobre Galileo de diez minutos, acompañada de puestas en escena teatrales y sketches que no tenían relación directa con su presentación anterior. Tal vez la propuesta resultó demasiado revolucionaria para el público latinoamericano, pues había sido concebida en función del medio europeo.
La polémica con el sindicato francés
Esta serie de conciertos no estuvo exenta de conflictos. En la misma semana del estreno de Tralalí Tralalá, el Sindicato Francés de Artistas e Intérpretes (SFA-CGT) convocó a una huelga general del sector artístico, el 13 de junio de 1984. A pesar del llamado, Quilapayún decidió presentarse igualmente en el Olimpia, lo que generó duras críticas de parte del sindicato, que emitió una carta abierta en su contra. A continuación, la nota publicada por la agencia AFP:
PARÍS, 22 de junio (AFP) – El Sindicato Francés de Artistas-Intérpretes (SFA-CGT) criticó hoy en una carta abierta al grupo musical chileno Quilapayún, actualmente en gira por París, por haberse negado a participar en una huelga general celebrada el 13 de junio por el sector artístico en Francia.
Aunque reconoce que los chilenos tenían pleno derecho legal a no sumarse al movimiento, la SFA declara: “Lo que nos resulta imposible aceptar, la impostura que debemos denunciar, es que ustedes sigan haciéndose pasar por militantes”.
El sindicato recuerda que los integrantes de Quilapayún, exiliados en Francia, trabajan en el país desde hace diez años gracias a permisos gestionados por la SFA, lo que les ha permitido gozar de todos los derechos sociales que justamente se buscaba defender con la huelga.
Finalmente, la SFA les exige: “Dejen de enarbolar su estatuto de refugiados políticos para pedir la ayuda de comités de empresas, sindicatos, partidos y asociaciones de izquierda... Tengan un poco de pudor”.
Este registro previamente había sido compartido por mi
hermano en youtube pero en aquella oportunidad no conocíamos el orden original,
y en ese archivo no venía el Oficio de Tinieblas, que viene al final de este
audio.
A escuchar
1. Dos Sonetos (Pablo Neruda- Eduardo Carrasco)
2. Sencillo (Eduardo Carrasco)
3. Luz Negra (Eduardo Carrasco)
4. Caminante sigue (Eduardo Carrasco - Guillermo García)
5. Canción del llamado (Eduardo Carrasco - Hugo Lagos)
6. Trompe (Hugo Lagos)
7. La Muralla (Nicolás Guillén - Quilapayún)
8. Rondó de Bach (J. S. Bach. Arreglo: Eduardo Carrasco)
- Es una compilación de registros de diversos artistas que se presentaron en el Festival de la Canción Política en la década de 1970; festival que se realizaba en la por aquel entonces República Democrática Alemana (RDA).
¿Por qué aparece este CD en este blog?
Porque en el CD aparecen un par de registros de músicos chilenos. Uno de Quilapayún y otro de Inti Illimani. Aunque el registro que se comparte del Quilapayún no corresponde a alguna grabación realizada en ese festival, sino que fue extraído de una presentación realizada por el grupo en la otra Alemania, la por aquella época conocida como República Federal Alemana, de un concierto en homenaje a Víctor Jara en 1974 y que anteriormente ya he publicado en este blog (ver aquí: https://discotecanacionalchile.blogspot.com/2018/03/konzert-fur-chile-89005-plane-1974-1998.html)
Para saber de que se trataba este festival, los dejo con la traducción de una parte del folleto interno de este CD:
El Festival de la Canción Política se celebró anualmente en Berlín desde 1970 hasta 1990. Fue uno de los eventos musicales más grandes de la RDA y una 'institución internacional' (Mikis Theodorakis, 1983) de los cantautores, la música folk y la música mundial. Cada año, entre 50 y 80 artistas/grupos de aproximadamente 30 países se presentaban en entre 50 y 60 eventos ante decenas de miles de espectadores. El festival era un encuentro político, un taller y una fiesta popular, y se caracterizaba por una atmósfera muy comunicativa y solidaria. El espectro artístico abarcaba desde presentaciones en las que la música solo era un medio para transmitir mensajes políticos, hasta arte político de altísimo nivel profesional, desde los estilos tradicionales de la canción política hasta lo experimental y obras más grandes.
Para la RDA (público, artistas y organizadores), el festival fue una ventana al mundo. El interés y el entusiasmo no eran 'impuestos desde arriba', sino genuinos y, hasta finales de los 80, muy grandes, lo cual también se debía a que no existía nada comparable en la vida musical de la RDA durante mucho tiempo.
El festival surgió de los conciertos de aniversario del Oktoberklub. Inicialmente, la dirección del distrito de la FDJ de Berlín fue la principal organizadora, y a partir de 1975 lo hizo el Comité Central de la FDJ. En 1980, se formó una oficina a tiempo completo del 'Festival de la Canción Política'. Sin embargo, la organización del festival fue en gran parte voluntaria. Así nació una estética que se diferenciaba del estilo habitual de las celebraciones de la FDJ. Pero el festival también era un evento de representación oficialmente apoyado con muchas ritualizaciones, intervenciones y prohibiciones. La apertura al mundo y la estrechez provincial, el compromiso y la instrumentalización, el fomento y la represión coexistían de cerca.
Con la caída de la RDA, el festival perdió su función anterior y la infraestructura cultural en la que se basaba. Se fundó una asociación de apoyo, que entre 1991 y 1994 organizó el Festival 'Entre el Mundo' como un 'nuevo Festival de la Canción Política'. En 1995, la asociación se disolvió debido a problemas conceptuales y financieros.
En este CD son contadas las expresiones musicales que están en español, las ya anteriormente nombradas intervenciones chilenas, a la que se suma un registro de Daniel Viglietti; siendo la mayoría de los artistas desconocidos para nuestros oídos; sin embargo la propuesta musical es amplia, desde música de autor, otra mas ligada al folclore, hasta música de vanguardia, o rock; todo unido a letras comprometidas políticamente, en un mundo dominado por la guerra fría y en un país dominado por el Partido Comunista.
Los dejo con el texto de Reinhold Andert que presenta este CD:
En este CD se encuentran canciones maravillosas, una más hermosa que la otra. Es una lástima que no esté incluida la canción de Degenhardt 'Joß Fritz', la canción sobre el astuto líder campesino. Él fue valiente y luchó por una buena causa. Sin embargo, no tuvo éxito, porque a pesar de su advertencia, lo correcto se hizo en el momento equivocado. '¡Lanza la pica, al ataque!' cantaban los campesinos, '¡Pongan el gallo rojo en el techo del monasterio!' Joß Fritz (Degenhardt), por su parte, advierte: '¡No dejen que los gallos rojos canten antes de tiempo!' Muy cierto, solo que un poco tarde, quinientos años tarde. Tal vez la revolución burguesa temprana hubiera podido tener éxito si en ese entonces ya hubiera existido esta canción, o tal vez no, porque Friedrich Engels escribió sobre la guerra campesina (Obras, vol. 127, p. 12, párrafo 7): 'El momento aún no estaba maduro.' También es cierto, el tiempo es como una pera, hay que esperar a que madure, y justo antes de que caiga, hay que recogerla. En octubre de 1917, el tiempo ya estaba maduro, no cabe duda, aún más maduro en los años setenta. Se escucha en las canciones: '¡Arriba, socialistas, a la lucha, fuera todos los cercos, venceremos, o preferiría usted una taza de té?
Pero, aun así, no funcionó de nuevo. ¿Acaso nuestras canciones eran incorrectas, nos faltaban algunas? ¿Y si se debía a algo completamente diferente? En 1972, un año antes de los Juegos Mundiales, el inolvidable Paul Dessau compuso una melodía para la FDJ. Jens Gerlach escribió una letra adecuada, es decir, terriblemente banal. Dessau dedicó esta canción al patrocinador de los juegos, el Secretario General y Presidente Erich Honecker, y le envió las partituras. Honecker, tamborilero de la banda de Schalmeien de Wiebelskirchen, no entendía de partituras: deseaba escuchar la canción. Como responsable del grupo de canciones del Comité Organizador, recibí el honorable encargo de grabar la canción en una cinta para él. Debido a un error técnico mío, hoy quisiera interpretarlo más como si fuera intencional, Honecker recibió una cinta vacía. No había nada, absolutamente nada, Honecker quedó decepcionado. Lo que me ocurrió a continuación personalmente, lo omito, después de todo, aún vivo. Pero la FDJ reaccionó con fuerza: '¡Una ofensa al Secretario General y al Partido, una vergüenza enorme para toda la organización juvenil, hay que remediar este desliz!' y literalmente: '¡Esta canción será cantada!' Fue el 'himno' de los Juegos Mundiales. Cien veces al día sonaba en la radio: 'La juventud mundial está de visita en Berlín...'. En el Consejo Central de la FDJ, se andaba durante semanas con el sudor en la frente, un papel en la mano, murmurando una y otra vez las estrofas, preguntándose entre ellos durante el almuerzo: '¿Cómo se dice aquí?' Aprender esta canción fue un trabajo duro. Los lugares comunes de la letra se fijaban con dificultad, y como faltaba una lógica interna, se confundían constantemente las estrofas. Sobre la melodía, ya los musicólogos decían en ese entonces que Dessau quería burlarse de la FDJ. Todos los coros y clubes de canto de la RDA tuvieron que aprenderla, nadie podía participar en los Juegos si faltaba en su repertorio. Las caras ofendidas al cantar esta obra en el escenario y en la sala aún las recuerdo claramente.
Por supuesto, también había otras canciones, conmovedoras, divertidas, inteligentes y combativas. Según lo investigaron los sociólogos, fueron cantadas por primera vez, de manera voluntaria y entusiasta, por la juventud en una reunión política. Eran cánticos religiosos, nos reforzaban en nuestra creencia en un mundo mejor. Y como se escuchaban en muchos idiomas, nos sentíamos fuertes y seguros de la victoria.
Pero pocos días después de agosto de 1973, cuando aún cientos de miles gritaban entusiastas en la Plaza Marx-Engels "El pueblo unido", ardió la Moneda. Un polaco se convirtió en Papa y las estrellas deberían ser equipadas con cohetes. La rueda de la historia... etc.
Seguro llegará el día en que uno de nuestros tataranietos, una persona amable, nos pedirá disculpas con la excusa de que el tiempo aún no estaba maduro. Y otro sabiondo escribirá una canción sobre nosotros: '¡No dejen que las banderas rojas ondeen antes de tiempo!' Estará en un CD con canciones maravillosas, una más hermosa que la otra."
00:00:00 01. Quilapayún (Chile): Plegaria a un labrador (Victor Jara) (1971) (Registro Extraído del Concierto Homenaje a Víctor Jara realizado el 31.05.1974 en Essen, República Federal Alemana)
Seis meses después de la victoria electoral de la Unidad Popular, los cinco chilenos llegaron por primera vez a Berlín en febrero de 1971 y fueron recibidos con un entusiasmo enorme. La canción de Victor Jara "Plegaria a un labrador" fue uno de los cantos conmovedores que hicieron que la Nueva Canción Chilena - y la Canción Latinoamericana - se convirtieran en un término conocido en la RDA y más allá: 'Levántate y mírate las manos, ... estréchala a tu hermano, ... hoy es el tiempo que puede ser mañana.'
"No hay amor sin justicia, no hay justicia sin lucha, no hay lucha sin un frente solidario." Con la canción "¿En qué filas estás?" los finlandeses lograron, en 1971 y en los años siguientes, dejar su huella en el festival. También musicalmente, se destacaron una y otra vez del resto de los participantes. Canciones como esta, "Spartakus" y "Kalliolle" pronto pasaron a formar parte del repertorio estándar de muchos grupos en la RDA.
Dieter Süverkrüp, compositor y diseñador gráfico, cofundador de la nueva canción política en la RFA, se presentó en varias ocasiones en el festival de Berlín entre 1972 y 1985. Su método de crítica satírica de la actualidad, su trabajo cabaretero, los juegos de palabras, adquirieron aquí un impacto adicional, ya que se destacaban agradablemente del lenguaje rígido de los medios políticos en la RDA. En su canción 'Cambio de poder' (Machtwechsel), Süverkrüp hacía referencia a la toma de posesión del gobierno de coalición SPD-FDP en octubre de 1969.
00:11:14 04. Oktoberklub (República Democrática Alemana): Lied vom Vaterland (Rainer Böhm / Reinhold Andert) (1972)
El Oktoberklub, grupo amateur de agitprop (termino que viene del ruso “агитация и пропаганда” y que se traduce como “agitación y propaganda”) de la FDJ y pionero del movimiento de la canción, fue el iniciador del Festival de la Canción Política. Al principio, las mismas personas eran tanto artistas como organizadores en una sola persona, pero más tarde se dividió el trabajo y se profesionalizó en parte. El OK se presentó en cada festival, presentó sus nuevas canciones y, a veces, todo un programa, como por ejemplo, en 1972, la cantata 'Manne Klein', cuyo final era el 'Canto de la Patria'.
00:15:13 05. Marek Grechuta & ANAWA (Polonia): Wichtig sind Tage, die unbekannt sind (Jan Kanty Pawlu skiewicz / Marek Grechuta - dt. Kurt Demmler) (1972)
Marek Grechuta & ANAWA participaron en el festival en 1972. Su primera actuación causó una fuerte irritación entre los participantes y el público; el festival tuvo su primer escándalo. Sin embargo, en su actuación al día siguiente ya fueron aclamados. El cantautor Kurt Demmler escribió inmediatamente versiones en alemán de los textos originales polacos para el grupo. La grabación presentada es una producción de estudio de 1972.
Kaláka designa en húngaro una costumbre rural: se reúnen para ayudar en la cosecha. El grupo compuso y tocó juntos desde 1969 y participó varias veces en el festival, siendo su primera vez en 1972. De este año proviene también la grabación presentada. En su música, el grupo cultivaba deliberadamente el tono popular húngaro, sin caer en un folklorismo empalagoso. Principalmente, musicalizaron los textos de sus poetas nacionales Attila József y Miklós Radnóti, en este caso de Károly Bary. En la canción, un gitano de 18 años insta a sus hermanos a actuar con autoconfianza y responsabilidad.
00:22:10 07. Dr. Bhupen Hazarika (India): Lang lebe Bangladesh (Bhupen Hazarika) (1972)
Aunque no hubo ninguna campaña oficial en la RDA sobre la lucha por la libertad del pueblo en el antiguo Pakistán Oriental, esta 'melodía pegajosa' se difundió rápidamente en el país en 1972. 'Te saludamos, Bangladesh, saludamos al estado sin cadenas, esta victoria pone fin a tanto sufrimiento de tu historia...' se dice en la versión alemana. Al año siguiente, cuando el Dr. Bhupen Hazarika volvió a Berlín, la mayoría de las esperanzas ya se habían desvanecido.
Cuando los 'Intis' vinieron por primera vez a Berlín para los Festivales Mundiales de 1973, la coalición de izquierda elegida, Unidad Popular en Chile, no tenía ni un mes más antes de ser derrocada. Su himno 'Venceremos' había acompañado las campañas electorales del socialista Salvador Allende y, con las palabras 'mil cadenas habrá que romper, la miseria sabremos vencer', despertó las esperanzas de muchos pequeños en el país. Sin embargo, el anuncio: 'el futuro será socialista', fue ahogado en sangre y lágrimas en septiembre de 1973.
00:26:50 09. Fasia Jansen (República Federal Alemana): Sacco und Vanzetti (Ennio Morricone, Joan Baez - dt. Franz Josef Degenhardt) (1973)
Fasia Jansen, nacida en 1929 como hija de un cónsul liberiano y perseguida racialmente durante el régimen nazi, fue políticamente y artísticamente activa desde joven. A principios de la década de 1960, llegó a la composición de canciones a través del movimiento de marchas de Pascua. Se comprometió en contra de la política armamentista, el neonazismo y las leyes de estado de emergencia. En 1973, participó en el X Festival Mundial en Berlín y se presentó junto a otros artistas de la RFA en el programa colectivo 'Diversión en Rojo'. De este evento proviene la grabación presentada. Franz Josef Degenhardt, autor de la versión alemana de 'Sacco y Vanzetti', recita el texto introductorio.
00:30:32 10. Daniel Viglietti (Uruguay): A desalambrar (Daniel Viglietti) (1974)
¡Fuera todas las vallas, fuera todas las vallas!" es el estribillo de esta canción en una versión alemana. Daniel Viglietti plantea a sus oyentes la pregunta de si alguna vez han pensado que el país les pertenece a ellos y no a aquellos que ya tienen tanto de él, o si han considerado que sus manos les pertenecen y que son dueños de lo que crean. La respuesta no es tan evidente como podría parecer en nuestras latitudes, porque en América Latina, solo hacer una pregunta como esa ya requiere coraje, incluso hoy en día. Daniel Viglietti vino a Berlín por primera vez en 1974. En esa ocasión, también visitó a Wolf Biermann, quien estaba vetado para presentarse en su país (https://es.wikipedia.org/wiki/Wolf_Biermann).
00:32:37 11. Miriam Makeba (Sudáfrica): Africa (trad.) (1974)
Miriam Makeba, también conocida como 'Mama África', dejó su hogar en Sudáfrica en 1959, cuando comenzó a hacerse internacionalmente conocida, y se exilió para luchar contra el apartheid desde allí. Ella vino al festival en Berlín en 1974 y 1985. Nadie imaginaba en ese entonces que, en 1991, después del fin del apartheid, regresaría a su patria y casi llegaría a ser ministra de Cultura.
00:39:19 12. Sands Family (Irlanda): The Winds Are Singing Freedom (Tommy Makem) (1974)
Las presentaciones de la Sands Family de Irlanda en 1974 dieron inicio al surgimiento de la escena folk en la RDA. En su canción 'Los vientos cantan sobre la libertad', se trata de la dominación extranjera británica, contra la cual los irlandeses han estado luchando durante ochocientos años. Pero al final dice: 'Hay un tiempo para amar a tu hermano, hay un tiempo para acabar con el odio. Si siembras la semilla de la justicia, cosecharás los frutos de la paz.'
00:43:46 13. José Afonso (Portugal): Grândola, vila morena (José Afonso) (1975)
José Afonso vino a Berlín en 1975, un año después de que el 'Movimiento de las Fuerzas Armadas' pusiera fin a la larga noche del fascismo en Portugal. Por supuesto, cantó, acompañado solo por el ritmo de su marcha, su famosa canción 'Grândola, Vila Morena', la pequeña ciudad en el sur, 'en cada esquina un amigo, en cada rostro coincidencia', que, transmitida por radio, sirvió como señal para los militares para el comienzo de su acción.
Schicht fue el primer grupo en la RDA que utilizó de manera equitativa música y letra, logrando una conexión entre la canción política y el teatro. 'La Canción Optimista' proviene de la revista didáctica 'Made in GDR'. El objetivo del grupo siempre fue representar el socialismo de la RDA con sus contradicciones, sin caer en oposición política o artística. Schicht se desarrolló a partir de la tradición folclórica y de los clubes de cantantes de la RDA, convirtiéndose en una troupe profesional de teatro político
00:49:26 15. Reinhold Andert (República Democrática Alemana): Sängerkrieg (Reinhold Andert)
Reinhold Andert, cantautor con la marca distintiva que él mismo acuñó como 'DDR-concreto', miembro del Oktoberklub hasta 1973 y cofundador del Festival de la Canción Política, se presentó casi todos los años en el festival hasta 1980. Después de su exclusión de la SED, se hizo más silencioso alrededor de él. Pero incluso entonces, no quería cuestionar radicalmente la RDA. 'Siempre tuvimos la esperanza de que algún día lo lograríamos, poner el sistema sobre bases razonables'. De 1978 proviene su canción sobre la 'Guerra de los Cantantes'.
Jahrgang 49 surgió en 1973 como un conjunto profesional del Oktoberklub y existió hasta 1982. El grupo intentó una síntesis entre la tradición de la canción de Eisler y la estética del rock. A menudo estuvo de gira como 'embajador cultural' de la RDA en el extranjero y se presentó regularmente en el Festival de la Canción Política, como en 1978 con el programa 'Lo que el pueblo ama' y en 1979 con la 'Cantata de Vietnam'.
00:54:33 17. Lok Kreuzberg (Berlín Occidental): Leise Sohlen (Andi Brauer)
Lokomotive Kreuzberg fue un grupo de rock político de Berlín Occidental, que existió desde 1972 hasta 1977 (de él surgieron Spliff y la Nina Hagen Band) y siguió un concepto similar al de los 'Flöhe' de Colonia: sensibilización, crítica social a través de los medios del rock y del cabaret. El grupo tocaba con frecuencia en eventos sindicales, así como ante aprendices y estudiantes. En el Festival de la Canción Política, se presentó en 1975 y 1976 con las obras de teatro rock 'Gente, ratones y dinero' y 'Countdown'.
Dante di Nanni era obrero en un molino en Turín, se defendió de más de cien fascistas. La canción fue dedicada a Roberto Francesco, Gianno Zibecchi, Claudio Varalli y Alberto Brasili, quienes fueron asesinados por fascistas y la policía entre 1969 y 1978. Las presentaciones de Macchina Maccheronica durante el 9° Festival causaron sensación. Con ellos, formas musicales vanguardistas entraron en el programa del festival. Las posiciones estéticas y políticas culturales del grupo enriquecieron los debates de 'Música y Política'.
01:02:18 19. Floh de Cologne (República Federal Alemana): Ich kenne ein Land (Floh de Cologne)
Floh de Cologne, inicialmente un cabaret estudiantil, luego un grupo de rock político, existió desde 1966 hasta 1983. Los 'Flöhe' de Colonia ejercían una dura crítica al capitalismo utilizando los medios del rock, el cabaret, el espectáculo y el cine. Se comprometieron de manera muy activa entre 1973 y 1981 en el Festival de la Canción Política, participaron en talleres y discusiones de diversa índole y presentaron sus programas multimedia como 'Sinfonía del Buitre' (1974), 'Momias' (1975) o 'Prima Libertad' (1979), de cuyo programa proviene el tema 'Conozco un país'
01:05:36 20. bots-(Países Bajos): Der lange Weg (Hans Sanders)
El grupo holandés bots (en alemán: Golpe, Impacto) participó varias veces en el festival a partir de 1976. Con sus canciones de rock directas y contundentes, se hicieron muy populares a principios de los años 80 también en la República Federal de Alemania. Diether Dehm, Wolf Biermann y otros escribieron letras en alemán para ellos. Algunas de las canciones del grupo se convirtieron en himnos del movimiento por la paz.
01:09:46 21. Karls Enkel (República Democrática Alemana): Meine Zeit (Hans-Eckhardt Wenzel)
Karls Enkel fue un grupo de teatro musical extraordinariamente productivo de Berlín, que existió desde 1976 hasta 1985. El grupo quería desarrollar un concepto artístico independiente y no dejarse instrumentalizar políticamente como muchos otros clubes de cantantes, pero también se presentó en eventos de la FDJ, como el Festival de la Canción Política. Desde 1979 hasta 1985 (excepto en 1983), presentó un nuevo programa cada año en el festival. El segundo programa del grupo se llamó 'Prioridad'. De allí proviene la canción 'Mi tiempo'. Esta canción se refiere al cuadro 'Pareja joven' de Jens Heller, que causó revuelo en la exposición de arte de Dresde. La grabación presentada es una de las pocas producciones de estudio del grupo.
