Sitio creado en 2010.
Blog que dejara disponible discos y grabaciones de música chilena, registros realizados en Chile o ediciones chilenas de música grabada en el mundo, en ediciones que estén descatalogados, fuera de venta o inéditas en Chile. El material publicado esta disponible previamente en Internet. Si alguien desea que saquemos el post de algún material, nos lo solicita y procederemos. Sitio de difusión artístico y cultural, sin fines de lucro.
Estamos en verano, tiempo de vacaciones, y siempre he querido postear algunos discos de música del mundo en sus ediciones chilenas. Aquí va un ejemplo de un disco que siempre quise reconstruir. Un clásico para quienes tenemos padres que fueron jóvenes en la década de 1960, que escucharon esta música y que, con el tiempo, la siguieron escuchando cuando a nosotros nos tocó crecer en sus casas.
Salvatore Adamo viene a ser, a estas alturas, un cantautor inmortal: siempre ha estado creando, cantando, activo, publicando discos y visitando regularmente Chile.
Pertenece a una camada de cantantes de baladas que hoy es raro encontrar: un autor de sus propias canciones que, en plena década de 1960, no encajaba del todo con los movimientos en boga, sino que se mantenía dentro de la tradición de la canción europea, con influencias de Charles Aznavour y Georges Brassens.
Estos registros son clásicos, pero extrañamente es muy difícil encontrarlos en buena calidad en sus versiones originales. Posteriormente, Adamo los regrabó y esas versiones son más fáciles de hallar. Los registros originales parecen haber quedado en manos de Warner Music Group, que ha hecho un buen trabajo subiendo a plataformas las grabaciones de esa época, aunque por alguna razón dejó fuera sus registros en español.
Según la revista Revista Ecran, este disco salió en Chile cerca de mayo de 1967 y recopilaba una serie de singles que ya se habían publicado con Adamo cantando en español. En esa misma fecha, la revista dedicó una extensa nota al cantante, reflejando cómo se seguía en el medio chileno a los músicos de distintas latitudes, nota que les dejaré en extenso mas abajo después de la música.
Las letras de las canciones fueron traducidas al español por Jorge Córcega. Por esos años, Raphael realizó también una versión en español de “Tenez-vous Bien”, utilizando una adaptación de Rafael de León que dio origen a “Mi Gran Noche”, distinta a la versión de Adamo incluida en este disco, tanto en el tono narrativo como en los arreglos, estos últimos a cargo del maestro Manuel Alejandro.
Este disco lo reconstruí a partir de un CD publicado por EMI Chile en 2006, y las imágenes fueron obtenidas de Internet.
Listado de Canciones:
00:00 Lado A:
00:00 1. Quiero (J'aime)
03:07 2. En Bandolera (En Bandoulière)
06:52 3. Nada Que Hacer (On N'a Plus Le Droit)
09:37 4. El Tiempo Se Detiene (Que Le Temps s'Arrête)
12:38 5. Mis Manos En Tu Cintura (Mes Mains Sur Tes Hanches)
15:37 6. Porque Yo Quiero (Car Je Veux)
18:17 Lado B
18:19 1. Un Mechón De Cabellos (Une Mèche De Cheveux)
21:25 2. Era Una Linda Flor (Elle Était Belle Pourtant)
25:05 3. La Noche (La Nuit)
28:24 4. Tu Nombre (Ton Nom)
30:58 5. Mi Gran Noche (Tenez-vous Bien)
34:01 6. Ella (Elle...)
Todos los temas compuestos por Salvatore Adamo y adaptados al español por Jorge Córcega.
Orquesta dirigida por Oscar Saintal.
Nota de Ecran, publicada en 1967:
La Romántica Historia de Adamo. Escrita por Ray Gardner
Cuando su rostro apareció portada de "Paris Match", Salvatore Adamo caminaba por el Barrio Latino de París.
Adquirió un ejemplar de la revista y sonrió. La información señalaba que a partir de 1967 la canción tendría un nuevo príncipe. Un pequeño príncipe consagrado en el Olympia, la sede donde se decide el triunfo de los ídolos.
Pero la crónica insistía: "En el reino de la canción, él tiene el mérito de un pequeño príncipe. Príncipe de la dulzura, de la modestia, de la gentileza ... Pero, sobre todo, un príncipe del talento".
En todo caso, Salvatore sabía que, desde hace dos años, él constituye un motivo noticioso de cada día. Evidentemente, sus canciones habían encontrado terreno fértil en el corazón de los franceses y, poco después, en el de todos los jóvenes del mundo.
Recordó, por ejemplo, que cuando debutó en el Olympia, con el teatro repleto de público, cantó 15 canciones. Pero ese mismo público que le aplaudió frenéticamente solicitó o exigió 15 canciones más. El los complació en parte. Estaba agotado, sudoroso, con la camisa adherida a su cuerpo y la corbata parecía ahorcarlo. Porque Adamo no es como Antoine o Johnny Hallyday (sus grandes rivales de la canción juvenil francesa actual): nunca sube a un escenario sin corbata.
-Lo más emocionante para mi esa noche era el hecho de que allí, en primera fila, estaba Maurice Chevalier, dice.
Adamo (que después de todo es un italiano que canta en francés) admira a los grandes cantantes franceses, desde Maurice Chevalier y Charles Trenet, hasta Gilbert Becaud y Charles Aznavour.
-También sentí un poco de tristeza por la ausencia de Aznavour, comenta. Me envió un mensaje excusando su inasistencia.
Precisamente, cuando el muchacho ganó el concurso radial que le permitió abrirse paso hacia la popularidad, había sido Charles Aznavour quien le había entregado el Primer Premio además de un cheque. Desde entonces, hace ya más de seis años, son amigos. Incluso no faltaron los cronistas que informaron que Adamo era una especie de discípulo de Aznavour y que eso podía apreciarse tanto en la manera de cantar como en la poesía de sus canciones.
Sin embargo, ahora se piensa de otro modo: Adamo, simplemente, "coincide" con los otros grandes intérpretes-autores franceses.
EL AÑO DE ADAMO
TODO indica que 1967 es el año de Adamo. El gran año. El intérprete de "Ella" y "Tu nombre" ha sido capaz de vender 6 millones de discos en un año. Le admiran tanto los jóvenes como los adultos. Se sabe que hasta el Presidente de Francia, General De Gaulle, siente predilección por este muchacho del cual habla la prensa cotidiana.
Aunque su triunfo tiene la apariencia de los impactos extraordinarios, en realidad la carrera de Salvatore Adamo es prolongada. Hizo sus primeras apariciones en público en 1961, es decir, cuando Los Beatles comenzaban a reinar entre los jóvenes del mundo, Elvis Presley estaba disfrutando de sus ganancias y Hallyday entusiasmaba a los fans franceses.
-Mi carrera ha sido lenta, sin gran-des saltos, sin agitación -confiesa. He avanzado poco a poco ...
Hasta podríamos decir que su carrera se inició cuando comenzó a revelar su vocación artística. Todavía era un niño. Vivía en Bélgica ... Pero es mejor retornar a esos años ya idos de su infancia. Ya idos, pero, como él dice: "siempre presentes en mi corazón".
EL NIÑO Y LA GUITARRA
LA HISTORIA de Salvatore comienza en su aldea natal, Marina de Regusa, en la isla de Sicilia. Era uno de los tantos hijos de una familia muy modesta. Su padre hizo entonces lo que hacían muchos italianos: emigró con toda la familia a Bélgica, en busca de mejores horizontes. Salvatore tenía entonces 3 años de edad. Papá Adamo se radicó en la región minera de Jemmapes.
-Pasé mi infancia entre rudos mineros. Gente sencilla y buena. Gente que trabajaba todo el día, pero que en las tardes se reunían en una hostería para charlar, recordar la patria lejana y, cuando ya habían bebido varias cervezas, cantar algunas antiguas melodías del sur de Italia ... Esas canciones me producían una intensa emoción.
Era también un buen alumno, y sus padres hacían planes futuros para él. Papá Adamo no quería que su hijo fuera también minero. La madre le educó de acuerdo a un criterio muy tradicional. Los días domingos y festivos, Salvatore andaba siempre con corbata. Precisamente, la imagen del joven amable y reservado, que ostenta ahora el artista, emana de esa formación familiar. Posteriormente, sus padres le hicieron seguir un curso de publicidad.
Fue un gran día para él cuando sus padres le regalaron la vieja guitarra de su abuelo. Salvatore aprendió a tocarla solo. Pronto pudo cantar las viejas canciones italianas ..., con letras en francés (el idioma que se habla en esa región de Bélgica), que él mismo inventaba. De la interpretación a la improvisación había un paso, y muy luego Salvatore estaba componiendo canciones propias. Canciones simples y emotivas, inspiradas en sus amigas belgas, y otras de origen francés e italiano ..
También desde entonces datan muchas canciones que después, más elaboradas, fueron triunfos en el mundo del disco. Entre éstas, "Dulce Paola", dedicada a la simpática princesa Paola de Saboya, casada con el príncipe Alberto de Lieja, hermano del rey Balduino de Bélgica. Cuando ocurrió la aventura francesa en 1961, Adamo ya tenía un crecido repertorio de canciones originales.
Cualquiera sabe que Salvatore debe mucho de su fama a "Sin ti, mi vida", y "La noche", pero mayor importancia sentimental se le atribuye a "Dulce Paola". ¿Una princesa inspirando a un hijo de mineros?... El hecho era demasiado interesante para no especular sobre él. Pero ha sido él mismo Adamo quien ha puesto las cosas en su lugar:
-Si, por supuesto, la canción me fue inspirada por la bella princesa Paola. Pero del mismo modo que me he inspirado en los viejos, en los niños, en las muchachas ... Allí están, por ejemplo, mi canción "El pequeño camarada", y otras por el estilo.
En todo caso, él también, como señala "Paris Match", es un príncipe. Un príncipe de la canción, pero con tanta fama o dinero como cualquier otro príncipe.
UNA NOVIA PARA EL IDOLO
ADAMO es actualmente un muchacho acosado. Después de cada aparición o gira debe acceder a las demandas de los fans: autógrafos, sonrisas, apretones de manos. Las admiradoras le rodean y le escriben más de 1.500 cartas semanales. Es obvio que tampoco ha podido escapar a las informaciones que le atribuyen una novia o varias novias. Una publicación señaló que "Adamo se inspiraba en una novia belga, una joven ex compañera de liceo ... "
-Sí, hay en Bélgica una muchacha a la cual quiero mucho -explicó Salvatore -. Pero se trata de Delizzia, una de mis hermanas, con la cual me escribo todas las semanas ...
Últimamente se le ha visto pasear por Paris acompañado por Isabelle de Funes, sobrina del conocido actor Louis de Funes. Salvatore conoció a Isabelle, una joven de cabellos largos y espíritu alegre, en un programa de TV. De inmediato se hicieron amigos, casi inseparables.
-Isabelle es una muchacha muy inteligente y sensible -comentó Salvatore -. Ella ha trabajado de modelo y en televisión, y tiene experiencia escénica ... , que me ha transmitido gentilmente.
Al debutar Salvatore en el cine en el film "Les Arnaud", Isabelle se presentó en los estudios para "animar a su amigo". Salvatore se sentía un poco confundido ante la nueva experiencia artística. Ahora todos están de acuerdo que la presencia de Isabelle le tranquilizó y le dio más seguridad en sí mismo.
No obstante, el film permitió a Salvatore conquistar otra amistad, la de Christine Delaroche, la protagonista de "Mundo joven", que se convirtió en su compañera de trabajo en "Les Arnaud".
Se sabe, o por lo menos se dice, que Christine tiene novio, pero la verdad es que varias publicaciones han mostrado gráficamente a los jóvenes "haciendo compras" por las calles de París. Es probable que se trate de una simple amistad, pero en el film, ambos tendrán la oportunidad de hacerse el amor con mucho entusiasmo.
El viejo realizador Leo Joannon eligió a Adamo para el papel principal, el de Andre Arnaud, "no porque Adamo fuera un cantante de éxito, sino porque su físico es el que corresponde al personaje". Esto significa que la responsabilidad dramática de Adamo es mayor.
ADAMO EN EL CINE
EN EL FILM, cuyas primeras escenas se rodaron en Aix-en-Provence, Salvatore interpreta a un modesto estudiante de Derecho que pasa sus días entre las audiencias de un tribunal de menores (especialidad que le interesa), el box (que es su deporte favorito), y su novia, Leticia (Christine Delaroche), una joven de Córcega, estudiante como él. Recibe la ayuda económica de su tío, pero cuando éste muere, queda sin recursos para proseguir sus estudios. Entonces recurre a un anticuario para subsistir, obteniendo un préstamo de éste. Las cosas se complican cuando el muchacho es sometido a un innoble chantaje por parte del prestamista. Poco después, el anticuario es muerto, y el conflicto se agudiza: el muchacho se halla complicado en el crimen. Entonces interviene el juez Henri Arnaud (interpretado por Bourvil), simple homónimo de André, al cual adopta y acompaña finalmente al banquillo de los acusados ...
"Una historia un poco simple -informó una publicación-, pero muy verdadera". Pero, simple o no, Salvatore ha tenido que seguir lecciones de arte dramático, y, lo que es un poco mas duro, clases de boxeo.
-Lo que no sé es si, después de este film, voy a convertirme en actor o en boxeador -comento Adamo.
En el film, aunque parezca increíble, Salvatore Adamo no canta.
ADAMO, EL JEFE
SALVATORE vive en una mansión blanca, cerca de Paris y su familia en Bruselas, la capital de Bélgica. Allí están su madre y gran parte de sus 11 hermanos. Su padre, que había dejado el trabajo de minero para convertirse en empresario de su hijo, y poco después en ¡banquero!, falleció trágicamente el año pasado. Papá Adamo pereció en las playas de su querida Sicilia.
El cantante voló a Sicilia, y con la serenidad que caracteriza a sus familiares, condujo los restos de su padre a Jemmapes, en la región minera, donde papá Adamo había vivido y sufrido, y de donde Salvatore partió un día a conquistar París ...
Ahora, Salvatore es el jefe de la familia. Sus hermanos menores se aprestan a seguir estudios superiores, costeados por el triunfador de la familia.
Gracias al aporte de Enrico, les comparto este material, que precisamente no es un disco, sino más bien un ejercicio de compilación de aquellas composiciones más significativas para charango compuestas en Chile. La selección se basa en una encuesta realizada por la Sociedad Chilena del Charango y publicada en el segundo número de su revista Vuelo de Pájaros, la cual pueden revisar aquí:
Quienes siguen este blog desde hace años sabrán que las primeras inclusiones del charango dentro de la industria musical chilena provinieron de las grabaciones de Raúl Shaw Moreno y Los Peregrinos en la década de 1950, las que tuvieron una difusión masiva y exitosa en nuestro país. A ello se suman los registros e investigaciones realizadas en esa misma época y durante la década de 1960 por Los de Ramón.
Posteriormente se produjo un segundo flujo de reutilización del charango, que en la actualidad es considerado el más reconocido. Este estuvo marcado por músicos chilenos que partieron a Europa entre las décadas de 1950 y 1960 y que se encontraron, especialmente en París, con una amplia comunidad de músicos latinoamericanos interpretando música fuertemente basada en ritmos y organología folclórica del continente. Así, durante la primera mitad de la década de 1960, Violeta, Isabel y Ángel Parra regresaron desde Europa con este y otros instrumentos sudamericanos, generando una fuerte influencia en los movimientos de vanguardia cultural de izquierda de la época, lo que terminó por vincular de manera definitiva en Chile a estos instrumentos con dichos sectores políticos.
Desde entonces, el charango comenzó a tener una inserción profunda en los grupos de música latinoamericana y de carácter social, y aparecieron además una serie de excelentes intérpretes del instrumento. Basta con mencionar que, ya a fines de la década de 1960, contábamos al menos con tres grandes charanguistas: Patricio Castillo (vinculado en ese entonces a Quilapayún), Horacio Durán de Inti-Illimani y Héctor Soto del grupo "Los del Pillán", quien posteriormente desarrolló una carrera solista centrada en el charango.
Patricio Castillo fue uno de los primeros en crear composiciones originales para charango solista en Chile ("Ñancahuazú", 1968), abriendo una puerta que ha perdurado y crecido con el paso del tiempo.
Esta selección realizada el año 2025 viene a ser una pequeña muestra de las composiciones que han nacido en Chile en los últimos 60 años y que constituyen, de alguna manera, la “voz” del charango desde estas latitudes.
En relación con las versiones que Enrico me envió, realicé algunas modificaciones. Quise incluir la versión de Ventolera interpretada por César Palacios, ya que él fue el principal responsable de la difusión de esta composición, más que Quilapayún propiamente tal, grupo que prácticamente no la interpretó en vivo durante cerca de 30 años, tal como lo indiqué en el texto que me solicitaron escribir para la revista (ante la imposibilidad de hacerlo por parte del invitado original, Manuel Vilches).
Asimismo, cambié la versión de La Partida. La que me compartió Enrico corresponde a la grabación realizada por Víctor Jara, ampliamente conocida, y la reemplacé por la versión de Inti-Illimani incorporada en la banda sonora de la película "Our Brand Is Crisis" (2015), la cual, hasta la fecha, no ha sido incluida en ningún disco.
Listado de Composiciones:
00:00 1. Ojito de Agua (Adrián Otarola) - Extraído de "Charango, autores chilenos vol. 1"
02:31 2. El Mercado de Testaccio (Horacio Salinas) – Inti Illimani
06:33 3. La Partida (Víctor Jara) – Inti Illimani (Versión 2015)
10:04 4. Khespiña (Héctor Soto) - Héctor Soto
13:48 5. Alturas (Horacio Salinas) – Inti Illimani
Este disco contiene una selección de los dos primeros discos de los Prisioneros: La voz de los 80 y Pateando Piedras, y contiene nuevas versiones para varios temas de esos discos que fueron grabados especialmente para esta edición.
La época de grabación de estas nuevas versiones corresponden a la misma época en que el conjunto estaba grabando su disco "La Cultura de la Basura". Por lo tanto ahí la EMI tiene versiones de algunos temas de la "La Voz de los Ochenta" que no están bajo el poder del sello "Fusión".
Este disco, que fue editado en la década de 1980 en vinilo, fue reeditado en CD en Colombia el año 2006. Y aquí se los dejo comenzando esta temporada 17 del juego de este blog en que recuperamos el sonidos de los discos desde Chile.
Mi hermano revisando algunas cosas en una oficina desocupada que dejaron los antiguos inquilinos del local donde trabaja encontró este par de CDs dedicados a la Navidad y que debería corresponder a una colección de 3 CD's que editó el Sello Alerce en la década de 1990-2000. Esta edición debió ser algo especial, algo ha pedido realizado por el sello ya que no tiene número de serie, y nada que haga referencia al sello, excepto la dirección de correo electrónico que aparece en uno de los ejemplares.
Esta edición no hace mención a quién es el interprete, cuando fue grabado, quienes son los compositores de cada uno de los temas, nada.
Ningún dato.
Después de buscar algunos minutos encontré los datos necesarios. El primer CD corresponde a este trabajo: Villancicos Latinoamericanos / Coro de los Niños Cantores de Viña del Mar (1996) y que pueden escuchar acá: https://www.youtube.com/watch?v=Lk2uYlDw37k
El segundo CD corresponde a este disco: Los Parralitos: Villancicos, editado el año 1999, y que se puede escuchar acá https://www.youtube.com/watch?v=2BCZfMuQTsM
Este par de CDs entrega un primer disco con las cuidadas interpretaciones de niños que cantan muy cerca del registro de música docta para esa edad, con un excelente acompañamiento musical. Y en el CD 2 escuchamos a los niños acercándose desde el canto natural, cerca de la música folclórica su acercamiento a las celebraciones de Navidad.
Un bonito ejercicio escuchar este par de CDs, uno tras otro para estas celebraciones de Navidad.
Listado de Temas:
CD1: Navidad en Latinoamérica (Villancicos Latinoamericanos / Coro de los Niños Cantores de Viña del Mar (1996))
1- En el Portal de Belén(Violeta Parra, Popular)
2- Dicen Que Ha Nacido un Niño (Pedro Núñez Navarrete)
3- En Lo Más Azul del Cielo (Popular argentino)
4- En los Brazos de la Luna (Alfonso Letelier Llona, Popular)
5- Del Norte Vengo Maruka (Angel Parra)
6- Hacia Belén Va la Burra (Popular ecuatoriano)
7- Chuyungen Pichi Wentru Felen- Ha Nacido un Niño en Belén (Abelino Cunaqueo Epuñan)
El año 2007 se cumplieron 100 años de la Matanza de la Escuela Santa María de Iquique, lo que generó una serie de proyectos en torno a la conmemoración de la fecha. En aquella época existían 2 Quilapayún, uno dirigido por Rodolfo Parada que seguía en sus filas con Patricio Wang y Patricio Castillo y que trataba de cubrir con una serie de distintos músicos los puestos de los integrantes que se habían retirado. Esta agrupación realizó una maratónica gira visitando cuanto ciudad o pueblo de Chile se le cruzara en el camino durante los meses de noviembre y diciembre.
Por otro lado el Quilapayún de Eduardo Carrasco que aunaba a todos los antiguos integrantes que se habían ido del grupo, y que se rejuntaron el año 2003, había realizado en Agosto una pequeña gira presentando el disco “Siempre” y también presentando la Cantata acompañado por Orquesta en un arreglo realizado por el maestro Guillermo Rifo, sobre el cual he escrito algo hace un tiempo.
Y también en el mes de diciembre de ese año se presentó otro proyecto: La Cantata Rock, la cual era una versión de la obra interpretado bajo el concepto de música de ese estilo, por músicos del grupo Chancho en Piedra más los músicos jóvenes del Quila Carrasco, como Ismael Oddó y Ricardo Venegas Santander, y por músicos jóvenes del Inti Histórico como eran Camilo Salinas y Fernando Julio.
Primero se hizo una presentación ante público reducido en las dependencias del Injuv el 12 de Diciembre a las 11.00 de la mañana, y unos días después se hizo una presentación en Vivo en el Paseo Bulnes con acceso gratuito el Jueves 20 de diciembre a las 20.00 hrs.
Y para allá partimos con mi hermano. ;
Ante tanto tiempo que ha pasado, cerca de 20 años, los dejo con algunos textos que se escribieron ese tiempo sobre esta presentación y que rescato del desaparecido sitio egroups del Quilapayún:
Chancho en Piedra se presentará el 20 de diciembre en ''Cantata Rock''
Trabajo ha sido preparado durante todo el año por la agrupación musical, que ha sumado a integrantes de Quilapayún y de Inti Illimani histórico.
Con el objetivo de realizar un homenaje a las víctimas de la matanza ocurrida en la Escuela Santa María de Iquique en 1907, el Instituto Nacional de la Juventud (Injuv) convocó a los jóvenes a participar de la "Cantata Rock", que ofrecerá el grupo Chancho en Piedra el próximo jueves 20 de diciembre.
La presentación de la "Cantata Rock Santa María de Iquique" a las 20 horas en el Paseo Bulnes, al llegar a Alonso Ovalle y su acceso es gratuito.
El trabajo ha sido preparado durante todo el año por la agrupación musical, que ha sumado a integrantes de Quilapayún y de Inti Illimani histórico y al actor Patricio Pimienta, quien estará a cargo del relato de la creación.
Según el director del Injuv, Juan Eduardo Faúndez, este evento “tiene por objetivo reunir a la juventud en torno al recuerdo de una tragedia de nuestra historia, para que creemos la conciencia que hechos como los ocurridos en Iquique hace 100 años, no vuelvan a suceder, queremos mantener la memoria histórica”.
“Optamos por hacer esta versión rock con los Chancho en Piedra, para atraer a la juventud pero para que también puedan concurrir adultos, para que en conjunto disfruten de este homenaje a las víctimas de la matanza, en recuerdo de los trabajadores y sus familias, que murieron luchando para que su voz fuera escuchada”, afirmó.
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Les dejo con el comentario publicado por esos días en el egroups por Esteban Troncoso, por aquella época webmaster de la página del quila:
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(…) puedo decir con propiedad que la Cantata Rock ofrecida por los Chancho en Piedra, Venegas Jr, Ismael Oddo, Camilo Salinas y Fernando Julio fue un buen espectáculo que esperamos se repita en forma más masiva.
El preámbulo estuvo marcado por Manuel García, quien acompañado por su guitarra y una violinista repaso temas de su disco "Pánico". Temas que no conocía pero que se me hicieron fácil de seguir.
Luego de un intermedio, a eso de las 21:00 hrs, el baterista de los Chancho subió al escenario y con el pedal del bombo comenzó a llamar al resto de los Chancho y compañía, quienes subieron al escenario, todos uniformados de mamelucos blancos, tomaron los instrumentos y no pararon más : 2 guitarras eléctricas, 1 guitarra acústica, 1 bajo, el teclado, el contrabajo y el bombo, a cargo de Ibeas, fueron suficiente para hacer saltar a los jóvenes congregados en el paseo Bulnes.
Un comienzo algo plano y nervioso de Pato Pimienta al relato, que se fue afirmando lentamente.
Hay que decir que no es una reproducción exacta de la Cantata en electrónico. Los músicos se tomaron respetuosamente algunas libertades, sobre todo en los preludios. El final, lejos lo más logrado.
El bis fue el acostumbrado "unámonos como hermanos", esta vez con Carrasco, Venegas, Escudero y Horacio Salinas sobre el escenario. Pasando el listón quizás, para que nuevas generaciones, en claves distintas, llamen la atención sobre este hecho. Claramente se abren otras formas de expresar la Cantata.
Ayer asistí a la presentación de la cantata rock y fue como el negativo de la cantata tradicional, si los interpretes originales vestían de negro, estos vestían de blanco, si los originales eran medios chascones, estos vestían con el pelo bastante corto o tomado, si los instrumentos originales eran acústicos sin ninguna conexión eléctrica, acá todo estaba enchufado y con efecto.
Excelente presentación. Esta versión tuvo ciertas libertades. Se notó a vuelo de pájaro que la dirección la llevó Ismael Oddó quien estaba al centro del escenario y al frente, dando tiempo, entradas y fade out con mano en alto. El recital fue transmitido en directo por la Radio Rock and pop. Con mi MP3 pude grabar algo de la transmisión radial (y me quedo más o menos no más con tanta interferencia), aunque espero que algún seguidor de los chancho la pueda dejar en algún lugar.
Dentro de los links que se compartieron en el egroups uno de los pocos que están vigentes es esta nota del sitio digital de El Mercurio , que copio a continuación:
"La Cantata tiene un alma súper rockera" - Por David Ponce
Son Chancho en Piedra y músicos jóvenes de Inti-Illimani Histórico y Quilapayún, y este jueves estrenan una versión con instrumentos de rock para el histórico disco Cantata Santa María de Iquique (1970), original de los propios Quilapayún. "La Cantata es conocida, pero no ha cruzado una generación que está des enterada de su propia historia", dicen.
El nombre es largo pero exacto, con un orden y un detalle establecidos. El bajista Felipe Ilabaca lo despliega: "El proyecto se llama Luis Advis, Cantata Rock Santa María de Iquique, cien años después, con Chancho en Piedra, Ismael Oddó y Caíto Venegas de Quilapayún, Camilo Salinas y Fernando Julio de Inti-Illimani Histórico", dice, con cuidado de no olvidar ni un elemento.,
-O Chanchintipayún -resume el mismo Ilabaca, en medio de uno de los ensayos con que ocho músicos y un actor preparan esta nueva versión para la Cantata Santa María de Iquique (1970), un disco inspirado en la matanza obrera iquiqueña de 1907 y grabado por el conjunto Quilapayún sobre una obra del compositor Luis Advis, que es uno de los emblemas del movimiento de la Nueva Canción Chilena.
El elenco estrenará el trabajo este jueves 20 a las 20 horas en la Plaza Bulnes de la capital, gratis y al aire libre. Son Ismael Oddó, Pablo Pablo IlabacaIlabaca y Ricardo Caíto Venegas (guitarras), Camilo Salinas (órgano y piano eléctrico), Eduardo Lalo Ibeas (teclados), Fernando Julio (contrabajo), Felipe Ilabaca (bajo), Marcelo Toño Corvalán (batería) y el actor Patricio Pimienta (relatos), de la compañía La Patogallina y del programa de TV "El club de la comedia".
Los cruces al interior de la formación son diversos. Toda la banda de funk y rock Chancho en Piedra está incluida. Oddó y Venegas son hijos de Willy Oddó y Ricardo Venegas, integrantes originales de Quilapayún. Y Salinas es hijo del director y fundador de Inti-Illimani Histórico, Horacio Salinas. Tal como todos se pasan la voz en la obra, hablan aquí a coro de esta nueva versión de la Cantata Santa María.
-Es una obra tan genial y completamente concebida que fue bien unánime la decisión de estudiarla tal como es, y orquestarla en 2007, con los instrumentos que nosotros utilizamos -dice Salinas-. Se agregó la batería, se profundizaron los ritmos un poco, pero armónicamente no hay nada que hacerle.
-No es una obra ultra conocida como para hacerle cambios -coincide Lalo-. Si fuera algo que todo el mundo conoce te das la libertad de transformar y hacerlo a tu manera. Pero la intención es rescatar la música original y acercarla al público nuevo, a la nueva generación.
-¿En los instrumentos sí está el cambio?
Venegas: No hay ningún instrumento folclórico.
Pablo Ilabaca: La obra (original) tiene dos quenas, y con Camilo y Caíto hacemos los sonidos de las quenas con guitarra eléctrica y (órgano) Hammond. Es entretenido porque cambia el timbre drásticamente, con harto criterio y la aprobación de todos.
Toño: La Cantata tiene un alma súper rockera.
La electrificamos completamente
Por separado y sin saberlo, Camilo Salinas y Pablo Ilabacatuvieron la misma idea el año pasado: hacer una nueva versión de la Cantata Santa María de Iquique. Fue Ismael Oddó quien hizo el puente entre ambos, y el grupo empezó en marzo un taller para aprender la obra.
-Después llegamos a la sala de ensayo y la electrificamos completamente -resume KVZon. "Pensamos que con la electricidad, los efectos, podemos subrayar ese ambiente pampino, desolado, desesperado, trágico y dramático", argumenta Felipe Ilabaca, su hermano. "Lo tenemos bien claro. Antes de ver qué había que hacer, nos fuimos dando cuenta de qué no había que hacer", agrega Salinas.
-¿Qué no había que hacer?
Felipe Ilabaca: No había que taquillizar lo que no es taquilla. Es fácil caer en el formato de banda de rock y en cosas muy poperas. Por eso nos agarramos de la partitura y respetamos la armonía. Y lo otro que no había que hacer era, por ser rockera, meterle speed metal a todo. Hay algunos detalles que cambiamos, pero que sólo van a notar los que son muy entendidos en la obra
Oddó: Los Quilapayún (risas).
-¿Se prestaba para poner batería en algunas canciones?
Toño: Algo que hablamos con Ismael es que no sonara tanto a Los Jaivas tampoco, porque el compás de 6/8, o 3/4, sin querer te llevaba para allá, a las baterías de Gabriel (Parra, baterista de Los Jaivas).
-¿Más si hay una guitarra a lo Gato Alquinta?
Salinas: Ese elemento también lo ocupamos con fundamento. Una quena tenía que ser tocada en la guitarra a lo Gato Alquinta, con ese estilo propio de él. Ahora, anda a saber si el Gato alguna vez se propuso imitar una quena con su guitarra. No le alcancé a hacer la pregunta. Pero en unos años más se lo voy a preguntar.
-¿Cómo resolvieron los relatos?
Oddó: Pato Pimienta se enamoró del proyecto a pesar de tener cincuenta mil compromisos y ahora está metido en el mismo cruce de una historia verdadera, contada hace cuarenta años, pero con una lectura nueva a través de una interpretación rockera.
-¿En las voces siguieron el patrón de Quilapayún en el original?
Oddó: Luis Advis diseñó la Cantata especialmente para el Quilapayún. Conocía al conjunto con exactitud, sabía que había dos guitarras, un charango, dos quenas, un bombo. Es una obra para esa orquesta.
Venegas: Sabía que algunos eran barítonos, otros eran tenores, el registro vocal de cada uno.
Pablo Ilabaca: ¿Cómo se las enseñó Luis Advis? ¿Se las pasó en partituras?
Oddó: No, ninguno leía (música). Fueron a la casa de mis abuelos, que era la única que tenía piano, y ahí se las mostró. Después, en el departamento de Luis Advis, como era pequeño, entraban de a uno para que él les enseñara a cada uno sus voces, y así se montó. En dos semanas.
-¿En cambio en este grupo hay más gente que lee música?
Oddó: Todos leen.
Pablo Ilabaca: Pero luego viene la contraparte de aprender esta obra por partituras, que es dejar los pañales, interpretar y soltarte al aire, en el espacio donde se mueve la música.
Salinas: Aquí hay cantantes, unos más, unos menos quizás, aunque no tenemos esos registros vocales ni las tremendas voces de los Quila. Pero decidimos interpretarla desde nosotros, y va agarrando nuestra propia textura, que es una forma también de interpretar.
Juanitos con poncho negro
"Está el caso de Ismael, que lo primero que escuchó cuando nació fue la Cantata, hasta el caso de nosotros, que también ocupamos nuestro instinto popular" dice Camilo Salinas a propósito de los distintos acercamientos al disco. "Con Ismael siempre hablábamos, cuando más jóvenes, de hacer algo nuevo con esta obra, de hacer algo más electrónico, más funk", agrega Caíto Venegas.
-¿Cuándo recuerdan los demás haber escuchado el disco?
Felipe Ilabaca: Los viejos nuestros coleccionaban discos y entre ellos estaba la Cantata. Nos quedó marcado desde chicos. El hecho de tener un vinilo y escuchar una música tan elevada siempre para los pelos. Era una manera de interpretar la música chilena que no veías en ninguna parte. Nadie más cantaba con esa fuerza y con esa rabia de los Inti o los Quila. Preguntábamos de qué se trataba, y me acuerdo exactamente de cuando nos contaron lo (del golpe militar) del '73.
Pablo Ilabaca: Era algo peligroso. Después el papá contaba que ese disco lo cosieron entre las cubrecamas, escondieron hartos discos de los Quila, de Inti. Lo que yo más recordaba era (la canción) "Vamos mujer". Después vas creciendo, vas al colegio, escuchas otra música, el rock te invade. Pero estudié música en la escuela de la SCD, donde Luis Advis era profesor, y en una clase él explicó cómo había hecho "Vamos mujer". Fue un flashback increíble.
Lalo: Soy el último en haberla escuchado, hace un par de años. De hecho soy el único que tiene una aproximación digital, y más intelectual que sentimental. La grabé en el iPod, y antes de escucharla pensaba que no había una obra chilena "conceptual". Es una de las pocas historias contadas desde el punto de vista de los perdedores.
-¿Qué plantes tienen para después del estreno?
Salinas: Es un megaproyecto, aprovecharse de los cien años (de la matanza) y hacer esta obra popular a través de los Chancho en Piedra, que tienen un público más juvenil. Como se quemó el master, como la dictadura no la difundió, era un buen pretexto para mostrarlaa. La idea es hacer una gira, moverse por Chile, que es ojalá lo que se desencadene hasta el próximo año. Golpeamos todas estas puertas para pedir plata y todos la encontraban "muy comunista". Estamos hablando de una historia humana, chilena, de hace cien años, pero anda a saber tú… de todos modos lo vamos a lograr, porque la trabajamos con esa fe.
-¿Es un estímulo extra que aparezca como peligrosa para esa gente que la encuentra "comunista"?
Salinas: Bueno, es el miedo que hay que tener a esa gente.
Pablo Ilabaca: A mí el miedo que me da es que fue compuesta en el año 70, y la letra dice que es Chile un país tan largo y que quizás mil cosas sucedan de nuevo como estas, y en el 73 sucedió. Eso es lo fuerte de interpretar la obra, que ha habido injusticias populares a lo largo de toda la historia del hombre.
Oddó: Ésa es la gran fuerza, además de lo musical: el mensaje es un llamado a la unidad en una concepción humanista. Finalmente esta obra se montó igual con estos medios y con el amor y el sentimiento que cada uno tiene. Así fue originalmente: Advis y los Quilapayún montaron algo con lo que no sabían qué iba a pasar. Pero justo la sociedad chilena estaba viviendo un momento de éxtasis social, y después la obra encontró un eco distinto durante el exilio. La Cantata es conocida, pero no ha cruzado una generación que está completamente desenterada de su propia historia.
-Los Chancho en Piedra conocen mejor que nadie a su público. ¿Les va a gustar la Cantata a sus fans?
Lalo: Todas las generaciones nuevas quieren imponer su arte de cero, no hay continuidad artística en los movimientos culturales chilenos. Falta ese link y lo estamos haciendo hace harto tiempo, de que la gente disfrute a Tommy Rey, disfrute a los Inti, ahora a los Quila, de que la continuación natural de la música no se quiebre.
Pablo Ilabaca: A los que les gustan los Chancho les va a encantar esto. Sobre todo para nosotros es importante, porque estoy seguro de que el Caíto, Ismael, Fernando y Camilo están acostumbrados a interpretar una música más "comprometida", saben a qué público llega ese mensaje. Los Chancho tienen una misión al habernos puesto esta camiseta, que es contarle a esa gran masa que dice Ismael, decirles "Chiquillos, aquí han pasado cosas súper importantes, la matanza, la concepción de esta obra maravillosa". Estamos haciendo un doble homenaje, a los muertos y a Luis Advis con los Quilapayún. Al público de nuestra música le va a encantar ver cómo Chancho se reinventan otra vez gracias a nuestros amigos y a la obra de Luis Advis.
-¿Van a llegar chanchos juanitos al concierto?
Lalo: Con poncho (risas).
Salinas: Avisemos que les pongan poncho negro a los chanchos.
Este registro en vivo tomado de la transmisión en directo realizado por la radio Rock and Pop de la época, con los comentarios de Jorge Lira y Alfredo Lewin, fue la primera presentación masiva de esta versión, la que un par de años después se plasmó en un CD y en el nacimiento de una nueva agrupación: Colectivo Cantata Rock que ha perdurado mas allá de la vida artística del grupo Chancho en Piedra
Pueden ver otro comentario del concierto en este link:
Pasaron semanas y meses sin publicar nada nuevo. Durante ese tiempo estuve avanzando en algunos posts para YouTube y centrándome en otras cosas. El tiempo escasea, pero esta semana llegó algo que me motivó a retomar las publicaciones, considerando además que tengo material pendiente que me han enviado y que compartiré en las próximas semanas.
Les presento este CD publicado en Estados Unidos por el sello Monitor, un sello independiente fundado en 1957 cuyo catálogo se centró principalmente en música folklórica del mundo, incluyendo música “detrás del muro”, como se denominaba en aquella época a los países del bloque socialista durante la Guerra Fría.
A fines de la década de 1970 este sello comenzó a publicar discos de músicos chilenos en el exilio. Así fue como en 1980 editaron el disco "Despedida del Pueblo" de Illapu bajo licencia de DICAP (cuando el registro original pertenecía a Camilo Fernández, dueño del sello Arena, que fue quien originalmente grabó este disco); y en 1986 publicaron "Raza Brava", bajo licencia de Intermusique —continuación de DICAP—, pese a que el disco había sido grabado originalmente bajo el sello Colorado en Chile, sin vinculación directa con DICAP.
¿Cómo llegaron estos discos, grabados en Chile por sellos comerciales, a ser licenciados internacionalmente bajo el sello DICAP? No lo sé. Si alguien conoce cómo se produjo esta continuidad —o ruptura legal— en las licencias sonoras, sería interesante que lo comparta en los comentarios.
A comienzos de los años 90, cuando el formato CD comenzó a masificarse, estos dos discos de Illapu fueron editados por Monitor en un solo CD, que es el que comparto hoy. El orden del álbum inicia con "Raza Brava" y luego "Despedida del Pueblo", ambos en su orden original, aunque Raza Brava incorpora un par de singles que no formaban parte del disco original. Tal vez el orden pudo haber sido al revés —empezando por "Despedida del Pueblo"— para mantener cierta continuidad sonora, considerando que es precisamente en esa etapa donde Illapu consolidaba su sonido final, que ya en "Raza Brava" se encuentra completamente maduro.
Personalmente disfruto buscar y descubrir cómo suenan estas ediciones extranjeras, para percibir cómo se escuchaban estas grabaciones que salieron de Chile quién sabe bajo qué circunstancias, para ser publicadas en los primeros años del CD. Siempre es interesante comparar y ver cuánto difieren de las versiones digitales que circulan actualmente en plataformas musicales.
Comenzando por "Raza Brava", el disco suena fenomenal: creo que es la mejor versión digital disponible. "Despedida del Pueblo" también suena muy bien; quizá no en su calidad óptima, pero con suficiente calidez y, al menos para mí, mejor que cualquier versión digital actual.
Les dejo entonces este CD de larga duración con los primeros discos de Illapu que alcanzaron éxito masivo en Chile hacia fines de los años setenta: primero Raza Brava (1977) y finalmente Despedida del Pueblo (1976), ambos desde esta edición publicada en Estados Unidos en 1990.
El conjunto Quilapayún a lo largo de su vida, ha sido un grupo que siempre ha buscado de alguna forma ampliar el vocabulario musical que incluía en su repertorio, así tempranamente en su carrera estrenaron la “Cantata Popular Santa María de Iquique de Luis Advis el año 1970, el año siguiente grabaron la cantata “Vivir como él” de Frank Fernández y Luis Advis, el año 1972 montaron y presentaron la cantata “La Fragua” de Sergio Ortega que fue grabada el año 1973. Este mismo año el grupo se encontraba trabajando en varios proyectos semejantes, como un remontaje con los grupos de la escuela Quilapayún del “Oratorio de los Trabajadores” de Julio Rojas y Jaime Soto (escrito para, y grabado por, el grupo Huamarí) o en la “Cantata del carbón” de Cirilo Vila e Isidora Aguirre, cuando ocurrió el Golpe de Estado.
A fines de los 70 el Quilapayún retomó la senda de incluir esta obras musicales de mayor complejidad con la obra “Américas” de Gustavo Becerra, basado en un texto de Pablo Neruda, en la obra inédita “Allende” del mismo Gustavo Becerra con texto de Eduardo Carrasco, o en una obra de Sergio Ortega dedicada a Cristóbal Colón. Otras obras que se registraron fueron "Un Canto para Bolívar" de Juan Orrego Salas con un texto de Neruda incluida en el disco “La Revolución y las estrellas” de 1982, y en la Obra "Oficio de Tinieblas por Galileo Galilei" de Patricio Wang con texto de Desiderio Arenas, incluída en el disco “Tralalí Tralalá”.
A comienzos de la década de los 80 se había integrado al Quilapayún Patricio Wang, compositor e intérprete chileno que había sido expulsado, como muchos otros estudiantes de la Facultad de Ciencias y Artes Musicales (hoy Facultad de Artes) de la Universidad de Chile inmediatamente después del golpe militar, a través de arbitrarios y grotescos simulacros de procesos legales, instaurados por la dictadura, con la complicidad de delatores y colaboradores internos de la Facultad, como el profesor y compositor Juan Lemann.
Marginado de sus estudios, junto a Jaime y Soto y otros 3 músicos fundó en octubre del 73 el grupo Barroco Andino, que contribuyó a la reintegración de los instrumentos latinoamericanos, que la dictadura había intentado poner al margen, además aportó una nueva visión musical y un semillero de músicos que ha continuado hasta nuestros días. En enero del 76 Wang emigró a Holanda para tener la posibilidad de continuar con sus estudios musicales. Al llegar al viejo continente continuó su formación en la música contemporánea como compositor y paralelamente, con otros estudiantes del Conservatorio de La Haya formó el grupo Amankay, que con una sonoridad similar a la desarrollada por la Nueva Canción Chilena buscaba ampliar la instrumentación y proponer nuevas creaciones. Además se unió al grupo de música contemporánea Hoketus, que también nació en el Conservatorio de La Haya como un proyecto del compositor Louis Andriessen y empezó a ser invitado por los ensembles y orquestas europeas para participar en todo tipo de estrenos y proyectos de música contemporánea..
Así el arribo de Patricio Wang al Quilapayún le otorgó paulatinamente una variante a la sonoridad que el grupo desarrolló a partir de la mitad de la década de los 80. Es posible percibir secuencias armónicas, melodías y rítmicas más arriesgadas. Todo esto se unía a un cambio de discurso del conjunto, que buscaba ampliar las posibilidades artísticas que habían estado fundamentalmente centradas en el trabajo solidario que exigía una presencia permanente en las manifestaciones de solidaridad con Chile en todo el mundo.Este período se percibe con claridad en el disco La Revolución y las Estrellas de 1982.
Ya entrada la segunda mitad de la década de los 80 aparece esta Obra Inédita llamada Dialecto de Pájaros. Para saber más de esta obra los dejamos con la palabra de su compositor Patricio Wang:
Patricio Wang dirigiendo un ensayo de la Obra Dialecto de Pájaros. Holanda. 1987
Sobre el origen de la Obra Dialecto De Pájaros
Gerard Bouwhuis
Cuando en el año 1987 empezábamos, con los organizadores del Stage Door Festival en Amsterdam, a definir el proyecto, ya hacía varios años que estaba en conversaciones permanentes con mi amigo Bert Janssens que era productor de un importante teatro de Amsterdam que se llama "De Balie" que además de ser una sala en pleno corazón de la ciudad, donde se presenta teatro, música, danza, es un importante centro de debates intelectuales y políticos. Un sinnúmero de ideas se concretaron en ese lugar alrededor de nuestras discusiones y de la amistad que se forjaba desde hacía varios años, desde que lo conociera en los años 70 como presidente del Centro por la Cultura Chilena (CCC). Muchas actividades se generaron allí: conciertos, en los que participé con mis grupos o con obras mías, debates sobre el exilio, etc. incluso se forjaría ahí también la idea de una ópera (Pinocchio) con cantantes y actores, que compuse más tarde y que realizaríamos en 1994 cuando Bert y Peter de Baan (que se ocupaba de la parte de teatro de De Balie) se hicieran cargo del RoTheater, la gran compañía de teatro de Rotterdam, como productor y dramaturgo el primero, y como director artístico el segundo.
Jan Luc van Eendenburg
Volviendo a 1987, ese año le tocó a la ciudad de Amsterdam ser la Capital Cultural Europea y, en ese cuadro, se organizaron muchos eventos. Uno de ellos era el Stagedoor Festival, que presentaba todo tipo de expresiones artísticas. Para este festival con Bert habíamos pensado presentar un gran taller de música, en el que yo elegiría músicos provenientes de varios horizontes (musicales) y los pondría a trabajar juntos en una nueva obra mía, compuesta especialmente para la ocasión. En principio la idea era juntar músicos de Amsterdam, pero me parecía que era una buena oportunidad para combinar, en un gran proyecto, mis actividades parisinas con Quilapayún y mis actividades holandesas alrededor de la música contemporánea. Con Quilapayún estábamos en un punto difícil, sin grandes planes, quedándonos sin casa de discos, con la partida inminente de Willy Oddó (él partiría a instalarse en Argentina un par de meses más tarde. Después de la gira con el Dialecto creo que dimos solamente un concierto más con Willy, en Italia si no me equivoco), y tener un proyecto así podía ser un impulso estimulante.
Ponda O'Bryan
Propuse entonces crear una gran orquesta que se llamara Quilapayún & Co. formada por el grupo, que vendría desde París, su lugar de residencia, sumado a 3 percusionistas de Amsterdam: Jan Luc van Eendenburg, percusionista holandés que tocaba en Rumbatá, el grupo dirigido por el percusionista colombiano Jaime Rodríguez, amigo mío desde hacía varios años y que colaboraría en todos los discos de Quilapayún desde "Survarío", y que sería otro de los tres percusionistas de Dialecto de Pájaros. El tercer percusionista me había sido presentado por Bert Janssens como el gran especialista de música africana, y venía de Suriname: Ponda O'Bryan, una maravillosa persona y un músico excepcional, que, entre otras cosas, nos aportaría "Obachulé", una música tradicional recopilada por él, que incluiríamos como "bis" del concierto del Dialecto de Pájaros, y que grabaríamos más tarde con Quilapayún para el CD "Latitudes" en 1991". A estos tres percusionistas propuse agregar a un gran pianista holandés con el que compartía, además de una amistad de años, una larga historia musical, tocando juntos primero en el grupo Hoketus (legendario ensamble de música contemporánea holandés formado alrededor del compositor Louis Andriessen, mi principal maestro en Holanda), y luego en el ensamble Loos, además de los conciertos en que participábamos juntos tocando en los estrenos de cada nueva obra de Andriessen con diversas orquesta y ensambles nacionales y europeos. Este pianista era Gerard Bouwhuis quien sigue siendo tal vez el más importante pianista holandés en el campo de la música contemporánea, y con el que seguimos tocando juntos, ya no como integrantes de un grupo determinado sino como invitados del Asko/Schoenberg Ensemble, u otras orquestas o ensambles holandeses.
Jaime Rodríguez
Mi idea para el proyecto tuvo una excelente acogida en Holanda (donde estaban las instituciones que debían financiar el proyecto) y en mis colegas de Quilapayún, quienes se entusiasmaron rápidamente con la idea de enfrentar un desafío nuevo con una nueva creación y la colaboración con otros músicos de gran nivel, en el marco de un festival de prestigio. Compuse la música durante algunos meses, ensayamos en París con Quilapayún y luego en noviembre nos juntamos durante una semana, todos los que formábamos el Quilapayún & Co. bajo mi dirección, a ensayar mi obra más algunos temas del repertorio Quilapayún, que habíamos elegido para hacer en versiones reforzadas por los músicos holandeses y para los cuales escribí adaptaciones, una de las cuales quedó en el repertorio: la versión nueva de Yaraví y Huayno. Luego de esa intensa semana de ensayos el Dialecto de Pájaros se presentó 10 veces en toda Holanda. Dos de esos conciertos tuvieron lugar en Amsterdam en 2 teatros diferentes, De Balie, desde el cual se forjó la idea y donde se dió el estreno, y en el Tropen Theater, gran sala de la ciudad donde muchos años más tarde, en 2005, daríamos un concierto en celebración de los 45 años de existencia de Quilapayún.
Quilapayún & Co: Grupo Quilapayún más los percusionistas Ponda O'Bryan, Jaime Rodríguez y Jan Luc van Eendenburg (falta el pianista Gerard Bouwhuis).
El Concepto de la Obra Dialecto de Pájaros
La figura del Chamán era un tema que me interesaba desde hacía tiempo. Bastante había leído sobre esta idea del mediador entre el mundo concreto y el mundo de los dioses o de los antepasados en las culturas originales y que se presentaba en culturas muy alejadas geográficamente con características similares. La idea del rol de la voz y de los instrumentos de percusión era un elemento musical que me atraía mucho y cuando hablamos en Amsterdam en organizar un proyecto que reuniera músicos de horizontes muy diferentes, lo primero que se me vino como idea fue la de hacer una pieza basada en esta idea del Chamán y, en lo concreto, escribir una pieza sobre todo basada en voces y percusión que son los dos elementos que el chamán utiliza en su contacto con el mundo de los espíritus.
A principios de 1987, o el año anterior, Eduardo Carrasco, entonces director de Quilapayún, me había pasado un poema muy interesante de Vicente Huidobro, que era el primer poeta chileno que me llamó la atención cuando era adolescente y por el que siempre he tenido una admiración particular. El poema era el "Canto VII" del Altazor. Como yo estaba trabajando la idea del chamán para la obra que debía componer para el Festival de Amsterdam me pareció interesante meterlo en esta idea, a pesar de que en rigor no estaba en la línea de textos que yo estaba buscando y que eran sobre todo poemas de culturas antiguas que ya había empezado a recolectar. El hecho de que el poema de Huidobro estuviera formado por neologismos o combinaciones de palabras sin gran sentido, con una cierta musicalidad implícita, me pareció atractivo, y lo asocié inmediatamente con los poemas sin sentido que había visto hacía varios años, en una Antología de poesía primitiva de Ernesto Cardenal que había comprado en España. En ese momento pensé que centrarme en ese aspecto "sin sentido aparente", de muchas formas de poesía de culturas antiguas, podía ser un aspecto unificador de la obra. Empecé entonces a buscar más ejemplos de poesía "sin sentido". Mi colega Rodolfo Parada de Quilapayún me mostró una hermosa antología que había editado la Unesco donde encontré varios ejemplos utilizables. Así fuí reuniendo una extensa literatura. Mis amigos chilenos y norteamericanos de Austin me regalaron hermosos ejemplos de poesía de los Navajos, Paiutes, Siux, Apaches, etc. Fue un periplo de varios meses de intensa búsqueda que culminó cuando me aconsejaron hablar con el director del Centro de Estudios de América Latina de la Universidad de Amsterdam, el antropólogo chileno Edmundo Magaña. Lo visité en su oficina al borde de uno de los canales del centro de Amsterdam y me habló de un libro que venía de aparecer en los Estados Unidos, de un colega suyo, que se lo había enviado para que escribiera un artículo sobre el libro para una revista especializada, editada por su Universidad. El libro del antropólogo norteamericano David Guss se llamaba : "The Language of the Birds: Tales, Texts, & Poems of Interspecies Communication" y me propuso prestármelo por un día para fotocopiarlo. Me pasé una tarde entera copiando y hojeando intensamente este libro fascinante, donde encontré varios de los textos que usé en Dialecto de Pájaros. Entre otras cosas David Guss contaba que los chamanes llamaban entre ellos "Lenguaje de Pájaros" a las invenciones verbales que utilizaban para comunicarse con los espíritus. De aquí tomé entonces el título para mi obra, traducido en forma no literal, porque Dialecto me sonaba más musical y sugerente que "Lenguaje" o "Idioma". El momento importante, en el que pensé que encontrar este libro era decisivo, fue cuando entre sus páginas encontré el texto completo del Canto VII de Vicente Huidobro (!!!), asociando su escritura con prácticas chamanísticas.
Esa fue entonces la idea central y unificadora del Dialecto de pájaros, juntar a una serie de músicos que hablan idiomas (musicales) diferentes y a través de una nueva música hacer uso de todos los medios posibles para transmitir esa energía que debía producir ese encuentro de personalidades. Era también una empresa difícil, porque poner a una docena de músicos a trabajar durante apenas una semana para montar 1 hora y media de música (el Dialecto de Pájaros más una primera parte de canciones adaptadas para Quilapayún & Co.), trasladando a la mayor parte de ellos desde otro país era complicado. El resultado tuvo una gran fuerza porque se generó una energía muy fuerte y todo el mundo trabajó con mucha inspiración y un enorme entusiasmo. Al mismo tiempo siempre me quedaron las ganas de redondear el proyecto y afinar muchas cosas que se trabajaron muy bien, durante la semana de taller, pero que necesitaban más tiempo para ser maduradas y darles una forma definitiva. Pero era demasiada gente para volverla a juntar una vez terminados los conciertos. Para mi gusto faltó esa etapa de consolidación de la obra. Solo se grabó parcialmente, el Canto VII en una versión más corta, sin los solos instrumentales, en los meses previos al montaje en Amsterdam, para el disco "Survarío", que se grabó ese año, y más tarde el Ded o Ded o (Invocación a la lluvia), otro fragmento del Dialecto de Pájaros (en el CD "Latitudes") que se presentó también muchas veces junto a "Statement", esta última también parte de la obra, pero que no quedó en ningún disco.
En el Dialecto de Pájaros quise utilizar muchos elementos musicales que me interesaban: Uso mínimo de instrumentos,(los elementos centrales debían ser la percusión y la voz), la extensión temporal de la Minimal Music, con patrones rítmicos que se repiten sobre los cuales de desplazan melodías asimétricas cantadas por voces utilizadas como instrumentos (Statement, Canto VII) . Corales masivos y un mínimo de partes solistas. Solos instrumentales (bajo y piano) surgidos directamente de mi práctica de instrumentista de música contemporánea donde justamente con Gerard Bouwhuis nos vimos, como en el Dialecto, tocando a dúo difíciles pasajes instrumentales. También la idea de utilizar un solo de percusión (el comienzo) como base para presentarlo en 2 otras partes del dialecto usando exactamente el ritmo pero sobre notas melódicas, me venía, como inspiración, directamente de una pieza de Frank Zappa "The Black Page" con notas y ritmos muy diferentes por supuesto. El Black Page lo habíamos tocado, en una adaptación de Gerard, con nuestro grupo Hoketus a principios de los años 80.
Mas Detalles sobre los textos:
El texto del principio (En el principio de los principios…") es un texto de los Esquimales.
Statement está escrito en Glossolalia, idioma para comunicar con Dios, de la Iglesia Pentecostal Norteamericana
La invocación a la lluvia es un poema sin sentido aparente (invenciones linguísticas) de los aborígenes australianos.
En general los textos están extraídos de:
- Antología de poesía primitiva de Ernesto Cardenal,
- Chant et poésie des peuples primitifs, antología editada por la Unesco,
- "Altazor" incluído en las obras completas de Vicente Huidobro.
- David Guss: The Language of the Birds: Tales, Texts, & Poems of Interspecies Communication
- A.L.Kroeber, Handbook of the Indians of California, Bureau of American Ethnology
Bulletin 78, Washington D.C. 1925
Es verdad que mi música, en general, en el contexto del trabajo con un grupo como Quilapayún, presenta algunas dificultades de lectura a raíz de los cambios de compás, que son, la mayoría de las veces, la consecuencia del uso de textos en prosa. En este caso la dificultad no fue tan grande como lo fue por ejemplo el montaje de mi primera obra para Quilapayún: "Oficio de Tinieblas por Galileo Galilei" algunos años antes. El año 87 el grupo ya había trabajado durante varios años conmigo y ya conocía un poco mejor mi música y mi manera de trabajar. Habíamos montado, aparte de el "Oficio…" otras partituras mías como mi arreglo de “El Gavilán” de Violeta Parra, el instrumental “Transiente” o la canción “Es el colmo que no dejen entrar a la Chabela” que son piezas de una dificultad técnica considerable para músicos sin gran formación teórica. Otra ventaja fue que todos tenían derecho de usar partituras (guías) en el escenario, cosa que facilitaba la ejecución porque, aunque los músicos de Quilapayún no fueran buenos lectores de música, el hecho de tener un "ayuda-memoria" delante era un apoyo enorme, considerando que hay pasajes muy largos en la obra, imposibles de memorizar, a diferencia de las dificultades del "Oficio de Tinieblas…", en el que había mucho ritmo difícil, pero la pieza consistía en la agrupación de secciones no muy extensas.
En lo relativo a la eventual realización de un nuevo montaje de la Obra
A pesar de no ser una obra grabada ni difundida masivamente, al parecer ha sido escuchada por muchos músicos jóvenes en Chile, a través de grabaciones de concierto que han circulado informalmente durante todos estos años. Esto puede explicar la gran cantidad de comentarios que me llegan regularmente con la pregunta si un día va a ser montada de nuevo. Yo no descarto esa posibilidad pero necesitaría revisarlo porque nunca tuve tiempo para darle a la obra una forma definitiva. Revisar la obra y ordenar bien un nuevo montaje cuesta tiempo, energía y dinero. El Seminario Internacional de Música Latinoamericana de Osorno fue uno de los lugares donde me hablaron de eso el año pasado, pero por el momento no hay planes concretos. Todo lo que se hizo con la obra Dialecto de Pájaros fue especialmente hecho para el Stagedoor Festival, sabiendo que no existían los medios para desarrollar algo mas allá del Festival, que duraba una semana. Es siempre lo interesante de proyectos que se montan con una ayuda financiera y con gran despliegue de trabajo, permitiendo que un número importante de músicos pueda reunirse y desarrollar nuevas ideas. Allí se produce una energía especial. Lo malo es que volver a reunir los elementos que permitan un trabajo conjunto es muy difícil, desde ya hay que contar con medios materiales y ese es el primer escollo.
Patricio Wang, Mayo 2014
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Los dejamos entonces con la copia, facilitada por el compositor, de un registro en video realizado por el Stagedoor Festival en una de las presentaciones de esta obra. Este registro hasta el momento permanecía inédito en su integralidad.
Texto de La Obra
DIALECTO DE PAJAROS. Música: Patricio Wang
1.Solo (texto: Modoc. Estados Unidos)
2.Canto de Bienvenida (texto: Yamanes. Tierra del Fuego)
3.a) Oración (texto: American Pentecostal)
b)Statement (texto: American Pentecostal)
4.Invocación a la lluvia (texto: Aborígenes Australia+fragmento Canto VII)
5.Niebla y Relámpagos (texto: Paiutes. Estados Unidos)
6.Palabras mágicas (texto: Esquimales)
7.Canto VII (texto: Vicente Huidobro)
1.Solo.
I, The song
I walk here
2.Canto de bienvenida
Ha ma la ha ma la ha ma la ha ma la
O la la la la la la la la la la
El viento mueve los sauces,
El viento mueve los sauces,
El viento mueve los sauces,
El viento mueve la hierba,
El viento mueve la hierba,
El viento mueve la hierba.
Las piedras están sonando,
Las piedras están sonando,
Las piedras están sonando.
Están sonando en las montañas,
Están sonando en las montañas,
Están sonando en las montañas.
La nieve está allí,
La nieve está allí,
La nieve está allí,
La via Láctes está allí,
La via Láctes está allí.
6.Palabras mágicas
In the very earliest time,
When both people and animals lived on earth
A person could become an animal if he wanted to
And an animal could become a human being.
sometimes they were people
and some times animals
and there was no difference.
All spoke the same language.
That was the time when words were like magic.
The human mind had mysterious powers.
A word spoken by chance
might have strange consequences.
It would suddenly come alive
and what people wanted to happen could happen
all you had to do was say it.
Nobody could explain this:
that’s the way it was
7.Canto VII
CANTO VII
Ai aia aia
Ia ia ia aia ui
Tralalí
Lalí lalá
Aruaru
urulario
Lalalí
Rimbibolam lam lam
Uiaya zollonario
lalilá
Monlutrella monluztrella
lalolú
Montresol y mandotrina
Ai ai
Montesur en lasurido
Montesol
Lusponsedo solinario
Aururaro ulisamento lalilá
Ylarca murllonía
Hormajauma marijauda
Mitradente
Mitrapausa
Mitralonga
Matrisola
matriola
Olamina olasica lalilá
Isonauta
Olandera uruaro
Ia ia campanuso compasedo
Tralalá
Ai ai mareciente y eternauta
Redontella tallerendo lucenario
Ia ia
Laribamba
Laribambamplanerella
Laribambamositerella
Leiramombaririlanla
lirilam
Ai i a
Temporía
Ai ai aia
Ululayu
lulayu
layu yu
Ululayu
ulayu
ayu yu
Lunatando
Sensorida e infimento
Ululayo ululamento
Plegasuena
Cantasorio ululaciente
Oraneva yu yu yo
Tempovío
Infilero e infinauta zurrosía
Jaurinario ururayú
Montañendo oraranía
Arorasía ululacente
Semperiva
ivarisa tarirá
Campanudio lalalí
Auriciento auronida
Lalalí
Io ia
i i i o
Ai a i ai a i i i i o ia
