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domingo, 25 de octubre de 2026

Mike Laure con Sus Creaciones. SLDC-36577. EMI Odeón. 1966. Chile

 





Para esta sesión, y Gracias al aporte de mi hermano Ricardo, seguimos con música popular grabada originalmente en México pero en su edición chilena. En este caso con este disco de Mike Laure publicado originalmente por el sello Musart el año 1965, y publicado en Chile en Stereo en 1966.

Mike Laure fue un músico mexicano que partió su carrera muy ligado al rock de fines de la década de 1950, el nombre original de su banda era “Mike Laure y Sus Cometas”, con una clara referencia a “Bill Haley”. La estructura de la banda de rock de los 50’s contenía guitarra eléctrica, contrabajo, piano, saxofón y batería; y si escuchan el disco en su extensión pueden percibir que ahí está la base. A lo anterior Mike Laure le sumó durante la primera mitad de la década de 1960 la sonoridad, el ritmo de la música tropical, principalmente de la cumbia colombiana; eso explica que se agregue el güiro, percusiones adicionales de la música tropical, además de un acordeón tocado en la forma de la música tropical mas que ligado a cómo se tocaba en la música mexicana; por lo general el acordeón va al unísono con algún instrumento de viento. 

Esta estructura sonora y rítmica marcó de alguna forma el origen de la “cumbia mexicana”; siendo precisamente uno de sus mayores exponentes Mike Laure, cuyo repertorio entró a Chile a través de estos discos en la década de 1960, y que sonaba con frecuencia en los hogares chilenos hasta bien entrada la década de 1980. Mucho de este repertorio y sonoridad fue tomado por exponentes de la “nueva cumbia chilena” que partió en la década de 1990 en nuestro país.

En el disco se auna por un lado la cumbia, por otro algunos boleros, y también ciertos aires de música de “Hawái”  en el tema “En La Playa Del Waikiki”, una composición del año 1915.

Para cerrar poner atención al cierre del disco… el surco de cierre tiene un “loop”… algo parecido a lo que hizo Los Beatles con Sgt Pepper en 1967; pero ojo que acá este disco es de 1965….


Listado de Canciones:

Lado A:
1. Tiburón A La Vista (Fiorentino – R. Carmona)
2. Conocí A Tu Papa (R. Vélez)
3. La Pulguita (Manuel Jiménez)
4. Micaela (Raúl Guillaume)
5. Amor En Chapala (Mike Laure)
6. Chocolate Caliente (Gene Roland)

Lado B:
1. Cosecha De Mujeres (José María Peñaranda)
2. Me Voy Pa' La Habana (José María Peñaranda)
3. Mazatlán (Gabriel Ruiz)
4. En La Playa Del Waikiki (G. J. Steven – H. Kailimai)
5. Dame Un Beso (Smith – Laure)
6. La Chomba (Silvera – Bain – Schaefer)

Escuchar en Youtube : https://youtu.be/RyJ1-2WE41A

jueves, 9 de julio de 2026

Conjunto Cuncumén: El marinerito - La casita de madera. 87-095. 1959. Odeón. Chile




En esa búsqueda de discos 78 que les mencioné la semana pasada, que hicimos el 2018 junto a mi hermano Ricardo,  también apareció este disco del Conjunto Cuncumén con un par de temas que no aparecen en ningún LP de este conjunto. Creo que debe corresponder a grabaciones realizadas en la misma época en que se grabó el primer disco

Alguien sabe mas datos del registro?,


Lado A:
1. El marinerito - Cueca (Del Folklore)

Lado B:
1. La casita de madera - Vals (Del Folklore)




sábado, 13 de junio de 2026

Inti Illimani: Hacia La Libertad. VPA 8265. I Dischi Dello Zodiaco - Dicap. 1975. Italia










Edición Francesa 1976

 






De repente me doy cuenta de que, en este largo recorrido del blog, he dejado fuera varios discos importantes. Uno de ellos es este, el cuarto álbum publicado por Inti-Illimani durante su período de exilio.

Para adentrarnos en este trabajo voy a recurrir a parte de los textos contenidos en dos libros dedicados al grupo, los que ayudan a contextualizar el momento histórico y artístico en que fue concebido.

En En las cuerdas del tiempo. Una historia de Inti-Illimani, de Jorge Coulón y Federico Bonadonna, se señala lo siguiente respecto de este disco:

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Hacia la libertad fue lanzado a dos años del golpe y fue el cuarto disco del grupo en Italia que situó a Inti Illimani en el punto más alto de su carrera.

La portada es de cartón áspero y blanco como la leche. En primer plano sobresale un típico mural colorido, hermoso. Dentro del álbum de fondo negro con letras blancas hay una foto maravillosa en blanco y negro de Inti Illimani en un concierto, en la que el grupo está de espaldas a un público multitudinario que abarrota la Piazza della Signorina de Florencia durante la Fiesta Nacional de la Unidad de 1975.

En esa etapa, gran parte de las ganancias de Inti Illimani se destinaban al financiamiento de la resistencia chilena. Los portuarios eran el canal por el que pasaban las ayudas económicas y mensajes desde y para Chile.

Precisamente, a través de los portuarios de Génova se pudo saber que los servicios secretos "desviados" y los neofascistas colaboraron con la policía secreta chilena.

En Hacia la libertad se encuentra la copia de un fragmento de un documento enviado clandestinamente por los portuarios chilenos, escondido en el cargamento de los barcos que atracaban en los puertos de Livorno y de Amsterdam. En la nota se lee:

SOLIDARIDAD INTERNACIONAL
Agradecemos profundamente las solidarias manifestaciones de apoyo que se están realizando a favor del pueblo chileno, para derrotar definitivamente la dictadura fascista en nuestro país.
PEDIMOS QUE
1. No se efectúe ningún tipo de carga hacia Chile o viceversa
2. No se compre cobre
3. Se boicotee cualquier barco chileno, impidiendo el cargamento de armas hacia Chile, negando cualquier tipo de ayuda económica para los matones chilenos.
VIVA LA SOLIDARIDAD INTERNACIONAL
VIVA LA SOLIDARIDAD LATINOAMERICANA
¡PROLETARIOS DE TODO EL MUNDO, UNANSE!
GRACIAS, TRABAJADORES DEL MUNDO VENCEREMOS

—En Hacia la libertad bay algunas canciones memorables, como "Canto a los caídos", "El arado", "Canción a Víctor" ¿Por qué en esta última escribes el verso: "caíste allí, junto a otros mil, cuando nació el dolor"? ¿Qué significa para ti "Cuando nació el dolor"?

Hacia la libertad es un disco que aparece en un momento en que estábamos inmersos en la duplicidad entre la explosión de nuestro éxito italiano y mundial y la situación dramática de Chile. "Canción a Víctor" y "Canto a los caídos" están estrechamente relacionados con lo que sucedía en nuestro país. El verso "Cuando nació el dolor" hace referencia a nuestra generación, nacida en la segunda mitad de los años cuarenta, una generación que nunca había vivido traumas profundos y que estaba acostumbrada al éxito. En los años sesenta, nosotros comenzamos con la lucha por la reforma universitaria. Cuando estalló el mayo francés, ya habíamos elegido un rector comunista en nuestra universidad con voto universal: votaron estudiantes, académicos y empleados, aunque el voto tenía un peso diferente dependiendo de las categorías, de todas maneras, era universal. Esta extraordinaria participación democrática dio un impulso dinámico a la universidad.
Hasta el golpe, nuestra generación estaba teniendo éxito: le tocó vivir el 68 con la reforma universitaria y la llegada de Allende al gobierno en el 70.
Estábamos convencidos —incluso con una cierta arrogancia— de que nadie nos podría detener. Éramos una generación feliz que se sentía de alguna manera por encima de cualquier derrota posible. Éramos la generación de la liberación sexual, que tenía la píldora anticonceptiva, con el fantasma del sida todavía lejos. Parecía una libertad sin límites. Si bien muy comprometida políticamente, nuestra generación era la de los hippies, de los hijos de las flores, de los soñadores. En definitiva, no conocíamos el dolor.
Había una identificación entre el vector del tiempo y el vector del progreso: pensábamos que el paso del tiempo solo traería consigo mejoras. Sin embargo, de un día para otro nos vimos obligados a lidiar con la violencia extrema, el horror, la muerte. Eran cosas que no conocíamos.

—En Hacia la libertad grabaron "Vientos del pueblo" ¿Por qué es tan importante esta canción?

El texto está inspirado en el poeta español Miguel Hernández: "Vientos del pueblo me llevan, vientos del pueblo me arrastran, me esparcen el corazón y me avientan la garganta". Víctor concluye la canción agregando: "Así cantará el poeta, cuando la muerte me lleve por los caminos del pueblo desde ahora y para siempre". Le dijimos que esas palabras eran muy lúgubres. Desafortunadamente, se convertirían en una triste profecía. El las cambió y ya en el exilio recuperamos su texto original.

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Por otro lado Horacio Salinas en su libro “La Canción en el Sombrero”, dice lo sgte de este disco:
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Es un disco fuerte y donde por primera vez se recogen cuatro creaciones de los integrantes que luego se transformaron en antecedentes importantes para futuros trabajos. Es un disco que, tal cual lo refleja el arte de la carátula, un mural al estilo de las Brigadas Muralistas Ramona Parra, fue grabado intercalando el dolor de las tragedias que íbamos conociendo, y de otra parte la fuerza épica recogida de la impactante solidaridad, sobre todo de Italia. Fue un disco muy reconocido por los italianos, con canciones que se transformaron rápidamente en banderas del repertorio: "Arriba quemando el sol" de Violeta Parra y "El arado" de Víctor Jara. También hicimos una incursión en la lengua italiana, traduciendo una canción de Sergio Ortega con texto de Neruda llamada "La patria prisionera", que como muchas en ese entonces coreábamos a voz en cuello y tomados por la emoción.

Todo el repertorio de este disco nació en el exilio, arreglos y creaciones, salvo la canción "Vientos del pueblo" de Víctor Jara, que habíamos montado en Chile junto a él poco antes de salir. En la versión italiana recuperamos parte de las melodías inventadas en ese arreglo y terminamos de estructurar mejor la participación de las guitarras y el canto. Hacen también parte del disco la canción "Hacia la libertad", un aire de cueca con texto de José Seves, y "Canción a Victor", con texto de Jorge Coulón. Ambas con música mía. Las dos, canciones apesadumbradas que hoy cuesta interpretar por la carga dolorosa del recuerdo de los tiempos en que nacieron. Algo similar sucede con "Canto a los caídos" de Luis Advis y texto de Jorge Coulón. Como recordaba previamente, esta marcha del film La tierra prometida pecó de una omisión que rápidamente detectó el compositor. "Chiloé" es un tema instrumental que compuse, el cuarto luego de "Alturas", y que mostramos muy emocionados a Francisco Coloane, el escritor chilote, en ocasión de una comida en la casa romana de Horacio Durán. Fue muy divertida la audición porque toda su curiosidad y simpatía mostrada en los primeros compases del tema cambió bruscamente apenas escuchó sonar la quena andina en un segundo fragmento de la pieza. Pasó de un estado de concentración positiva, por decirlo de algún modo, a otro de exaltación negativa que lo hizo decir con clara intolerancia: "Ese sonido no es chilote, jen Chiloé no existe la quena! Punto". La cena continuó con historias de la represión en Chile, donde Coloane aparecía engañando y sorteando la vigilancia de la policía. 

Otra curiosidad es "Ciudad Ho Chi Minh", pieza instrumental de José que juega sobre la pentafonía de las músicas de Asia. Habíamos visitado Vietnam y muy vivo estaban los recuerdos de ese increíble viaje. Fue un homenaje a la guerra que los vietnamitas estaban a punto de ganar y que cambiaba el nombre de la capital del sur, Saigón, por Ho Chi Minh.

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Después de estos comentarios que vienen desde dentro del propio grupo, ¿qué más se puede decir?

Es un hermoso disco, en el que Inti-Illimani continúa evolucionando en su desarrollo musical. El inicio del álbum es particularmente notable: la voz a capella de José Seves abre con "Arriba quemando el sol" en un arreglo grupal que terminaría siendo fundamental para varias versiones posteriores de esta canción. De hecho, la versión de Los Jaivas está fuertemente influenciada por la propuesta desarrollada aquí por el Inti.

La interpretación de "El Arado" incluida en este disco también ocupa un lugar fundamental dentro de la trayectoria posterior del grupo. Es una versión que nunca han dejado de interpretar y que terminó consolidándose como una de las lecturas más reconocibles de esta composición.

"Canción para Víctor Jara" viene a encarnar una presencia que resulta esencial a lo largo de todo el álbum. De hecho, cuatro de los diez temas contienen referencias directas o indirectas a Víctor Jara. No es casualidad: Inti-Illimani era probablemente el grupo que mantenía más fresca su memoria, considerando que habían trabajado estrechamente con él desde 1970 hasta su asesinato en 1973.

Es un disco donde conviven la nostalgia, la memoria, el compromiso y una notable búsqueda musical. Un trabajo que muestra a un Inti-Illimani cada vez más maduro, ampliando sus horizontes sonoros sin perder la identidad que había construido durante los años anteriores.

El traspaso lo hice de la primera edición italiana, y les comparto las imágenes de la edición francesa con la hermosa portada de Humberto Loredo.

Un tremendo disco para escuchar.

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Listado de Temas:
Lado A:
1. Arriba quemando el sol (Violeta Parra)
2. La Patria Prisionera (Pablo Neruda - Sergio Ortega)
3. El Arado (Víctor Jara)
4. Canción a Víctor (Jorge Coulón - Horaacio Salinas)
5. Ciudad Ho Chi Min (José Seves)

Lado B:
1. Chiloé (Horacio Salinas)
2. Vientos del Pueblo (Víctor Jara)
3. Hacia La Libertad (José Seves - Horacio Salinas)
4. Cai Cai Vilú (Víctor Jara)
5. Canto a los Caídos (José Seves - Jorge Coulón - Luis Advis)

Todos los arreglos de Inti Illimani

viernes, 22 de mayo de 2026

Palmenia Pizarro: Sin Fronteras. 630547. Philips. 1966. Chile

 





En 1966 Palmenia Pizarro era una de las figuras más populares de la música popular chilena, así lo demostraba que a fines de 1965 había recibido  el premio a una de las figuras mas populares según el programa “Discomanía”, premio que compartido con “Cecilia la Incomparable”. Lo anterior se sumaba a una producción fonográfica constante, como era en aquella época dentro de la industria musical, además de presentaciones a lo largo de todo Chile, junto a las caravanas que recorrían el país en micro parando en cada pueblo en que hubiera público para los artistas.

Este disco por lo demás es una verdadera sorpresa, a la fecha no está subido a ningún lado, y de alguna forma Palmenia entrega un trabajo conceptual de recorrido a través del repertorio, y diversos estilos de la música latinoamericana, como antes lo habían hecho en su estilo Los de Ramón y los Huasos Quincheros.

Acá el resultado es más cercano a música popular de la industria propiamente tal, con una variedad de timbres sonoros en los instrumentos sorprendente y de una interpretación con la calidad que nos tiene acostumbrado Palmenia a través de toda su carrera.

A lo anterior se suma un par de temas, que creo, fueron especialmente compuestos para ella por dos tremendos compositores de la música popular chilena. Uno es el tema que da el inicio al disco, un vals peruano de Willy Bascuñan,  y lo sigue otro tema original, esta vez de Rolando Alarcón, una tonada cuyo único registro que existe es el que se encuentra en este disco.

Ya para cerrar Palmenia cantando cueca, que mejor.

Un excelente disco que les comparto gracias a la generosidad de mi hermano Ricardo Tapia. Dada las coincidencias, hace meses vi que vendían este disco en faceboook, revisé los temas me di cuenta que aparecía un tema de Rolando Alarcón, se lo comenté a Vilches quien escribió un libro sobre el creador chileno, y me dijo que desconocía el tema… 

Pasando el tiempo, y sin haber comentado nada con mi hermano, él me envío este disco hace unos días.

La magia de Palmenia, 

Bendita.

Texto de la contraportada:

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A través de mis canciones que van incluídas en este Long Play he hecho realidad un sueño largamente acariciado, y que es el rendir un homenaje a los países hermanos. La música traspasa fronteras y va de un lugar a otro sin detenerse ni pedir permiso. Penetra en el alma del ser humano sin fijarse si este es blanco o negro, o cual es su color político. La música es un vehículo que transmite emociones; y con ella se vibra y se pasa de un estado anímico a otro.

He comenzado mi álbum incluyendo un vals peruano, ya que es la línea musical que mayores satisfacciones me ha dado. Tema sentimental que encierra mucha poesía. La canción que sigue presenta la faz emotiva de Chile representada en la tonada chilena. No es tan solo alegre y picaresca, sino también emotiva.

Para Colombia seleccioné un bambuco, para interpretar lo más típico y tradicional de este país. Tiene un sabor especial que condensa mucha pimienta y ají. Argentina tiene un folklore muy variado, pero para la presente oportunidad opté por elegir un tango. Está tratado de una forma liviana y sin exagerar lo marcado de su ritmo.

A Brasil no lo podía identificar con ningún otro ritmo que no fuera la samba, esencia y virtud del país carioca. Y el tema elegido fue "La noche de mi amor".

El joropo es lo mas significativo y tradicional que tiene Venezuela en su historia musical. Y predominando dentro de esta tendencia se encuentra -sin lugar a dudas- "Alma llanera", que es como el segundo himno nacional.

Sin duda que Centroamérica es sinónimo de trópico, por eso creí conveniente representar a este pequeño mundo de palmeras y sol salado con un tema tropical, lleno de picardía, salero y tradición. Estoy segura que les gustará.

Los mexicanos son muy sentimentales en el fondo, a pesar de toda la algarabía que nos muestran en sus películas. Y como el ritmo del huasteco tiene algo de nostalgia en sus notas, también lo elegí para incluirlo en este homenaje a los países hermanos.

De Bolivia les entrego un carnavalito. La canción cuenta las alegrías de su fiesta de antaño, y la parte instrumental está realizada con los instrumentos típicos del altiplano.

Ecuador tiene una línea musical bien especial. Pero resultaría difícil tratar de resumirla en pocas palabras. Por eso prefiero agregarles que de allí seleccione "El alma en los labios", y una vez que ustedes hagan girar el surco en su pick-up y escuchen detenidamente el tema, puedan emitir su crítica u opinión al respecto.

Cierra este Long Play una cueca que con orgullo he seleccionado de mi Chile querido. Va con los acordes tradicionales y ese sabor a tierra nuestra que anhelamos tanto cuando estamos fuera y lejos de ella.

Sinceramente,

Palmenia Pizarro


En una reciente ceremonia realizada en el Hotel Carrera, ante la presencia de Artistas, Discjockeys y Periodistas, Philips Chilena S.A. entregó a la gran intérprete Palmenia Pizarro, un pergamino que la destaca como figura de relieve internacional. Este es un nuevo galardón que se agrega a la larga lista de premios que ha obtenido Palmenia en su destacada actividad artística. Un premio que guarda relación con la enorme popularidad de esta intérprete, cuya voz plena de sentimiento ya ha traspasado numerosas fronteras.

Palmenia Pizarro, con esa simpatía que despierta a su alrededor y con esas condiciones vocales que proyectan los más nobles sentimientos de su corazón, ha llegado a todo Chile. Desde las casas mas elegantes hasta las más humildes. En cualquier lugar. Palmenia siempre emocionando. Pero eso no es todo. La voz de esta artista, nacida en San Felipe, ha llegado a otros paises. Se han solicitado sus grabaciones y se han difundido con igual éxito que en esta tierra. Y no podía ser de otro modo. Palmenia es una artista "SIN FRONTERA". En cualquier lugar del mundo sus discos están destinados a provocar igual impacto, ya que la música y los sentimientos son universales. Y en Palmenia, música y sentimientos son una misma cosa.

El presente álbum es un testimonio que abrevia cualquier otra palabra.

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Listado de Temas

00:00 Lado A:

00:02 1. Virrey de Medianoche (W. Bascuñán) Vals, Perú

03:29 2. Retorno (Rolando Alarcón) Tonada canción, Chile

06:47 3. El Cuchipe (Orozco – Cesari) Bambuco, Colombia

09:38 4. Dónde estás Corazón (Martínez Serrano – Berto) Tango, Argentina

12:13  5. La noche de mi amor (Dolores Durán) Samba, Brasil

14:48 6. Alma Llanera (P. Gutierrez) Joropo, Venezuela


17:24 Lado B:

17:27 1. El Camino de la Vida (D.R.) Bolero, Centroamérica

20:02 2. Ruega por nosotros (Fuentes – Cárdenas) Son Huasteco, México

23:07 3. El Huamaqueño (R. Saldivar) Carnavalito, Bolivia

25:46 4. El alma de los Labios (A. Silva – F. Paredes) Pasillo, Ecuador

28:46 5. Yo no sé Porqué (Del Foggiano) Guarania, Paraguay

31:38 6. La cueca es Amor (Margarita Torres) Cueca, Chile



lunes, 30 de marzo de 2026

Quilapayún + Víctor Jara: Canciones Folklóricas de América. OP-80340. EMI Odeón. 1971. Japón

 














Edición 1976




A fines del año 1967, Quilapayún y Víctor Jara comienzan a grabar los primeros temas de lo que vendría a ser un disco completamente dedicado a la música infantil latinoamericana, pero la falta de tiempo de ambos llevó a que se comenzaran a incorporar temas latinoamericanos sin necesidad de estar ligados a la música infantil, para finalmente ir más allá de esos límites e incorporar temas españoles y uno israelí.

El disco fue lanzado a principios de 1968, justo cuando Víctor Jara comenzaba un largo viaje al extranjero que duró todo el primer semestre de ese año, ligado principalmente a su carrera como director teatral. Por lo tanto, este LP no tuvo un lanzamiento propiamente tal ni presentaciones en vivo, siendo su alcance limitado.

Este disco marca el retorno de Patricio Castillo al grupo, después de la exigencia que hizo Víctor Jara al conjunto, y luego del viaje de Castillo por el altiplano, lo que lo llevó a recoger repertorio que se iría incorporando paulatinamente en los discos del conjunto hasta el disco Quilapayún 4. También en este regreso, Castillo comienza a ser el responsable del charango, alcanzando un nivel solista virtuoso, dejando como charanguista de soporte a Julio Carrasco, quien tocaba este instrumento en los orígenes del grupo.

A comienzos de 1970 se editó en Japón el disco Quilapayún 3, teniendo un relativo éxito, lo que llevó a que el sello publicara este disco, en el cual alteró el orden original de los músicos en la portada.

Gracias a la inteligencia artificial, les dejo a continuación la traducción al español del texto original en japonés de esa edición:
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● Quilapayún y Víctor Jara, cantando al mundo

Hace poco tiempo, un disco de excelente contenido —“El cóndor pasa / Quilapayún” (OP-80219)— marcó el debut en Japón del grupo Quilapayún. Debido a la gran acogida que tuvo, ahora se presenta su segundo álbum.

El magnífico grupo juvenil chileno Quilapayún, como ya se mencionó al presentar su disco debut, es un conjunto de música folclórica formado exclusivamente por estudiantes universitarios (en el año 1970). Sus integrantes son: el tenor Carlos Quezada, Rodolfo Parada; los barítonos Patricio Castillo y Willy Oddó; el bajo-barítono Hernán Gómez; y el bajo Eduardo Carrasco. Todos ellos tocan guitarra u otros instrumentos folclóricos similares (como el charango), y algunos también interpretan la quena andina, una flauta de profundo carácter emocional. Junto con sus frescas armonías vocales, poseen una capacidad interpretativa de altísimo nivel.

Por supuesto, estudian profundamente el folclore de su país, Chile (canciones populares y música tradicional), adquiriendo un conocimiento sólido. Pero al mismo tiempo, también han mostrado un interés constante por la música popular de otros países del mundo, especialmente de América Latina y España, con quienes comparten idioma. Incluso en estas tendencias internacionales, las composiciones e interpretaciones de Quilapayún siempre transmiten un sentimiento de solidaridad con todas las personas. Se percibe que mantienen siempre una clara conciencia de su misión como grupo con ideales.

El disco que aquí presentamos resalta especialmente ese carácter internacional de Quilapayún. Incluye no solo canciones de América del Sur y España, sino también de Israel y Norteamérica. Además, no se limita a lo que tradicionalmente se entiende como “folclore”, sino que incorpora también lo que podría llamarse “nuevo folclore”: canciones modernas con autores y compositores claramente identificados. El resultado es un LP variado, accesible y lleno de riqueza.

Este disco tiene, además, otro aspecto importante. En él no solo participan los miembros oficiales actuales de Quilapayún, sino también el destacado cantante de música folclórica chilena Víctor Jara. Cantante, guitarrista y poeta, Víctor Jara posee una voz suave y una interpretación llena de humanidad. Aunque aún puede considerarse joven, en los últimos años se ha convertido en una figura de gran popularidad. Cabe señalar que anteriormente formó parte del excelente grupo folclórico chileno Cuncumén, y también colaboró en la fundación de Quilapayún (1965). Actualmente desarrolla su actividad como solista independiente.

Lado A

1. Hushabye (ハッシャバイ)

En primer lugar, se trata de una canción en inglés poco habitual dentro del repertorio de Quilapayún, un tema perteneciente al folclore de los Estados Unidos. Existe otra canción conocida con el mismo título, pero desde hace mucho tiempo; sin embargo, la palabra “Hushabye” significa algo así como “duérmete” o “arrullo”, por lo que es un título apropiado para una canción de cuna.

La versión que aquí se interpreta, “Hushabye”, figura acreditada en el sello discográfico a Yarrow y Stookey (Peter, Paul & Mary). No obstante, originalmente es una canción tradicional que cantaban las madres afroamericanas. Desde hace bastante tiempo ha sido interpretada por diversos cantantes de folk, comenzando por Pete Seeger.

(3’50”)


2. Bailecito (バイレシート)

El término bailecito proviene de “baile” (danza) con un sufijo diminutivo, lo que expresa algo así como una forma cariñosa o afectuosa de decirlo. En regiones que abarcan desde Bolivia hasta el noroeste de Argentina, esta palabra también se utiliza como nombre de un tipo específico de danza.

Se trata de un baile sencillo y encantador, en el que una pareja (hombre y mujer) danza agitando pañuelos. Su ritmo combina compases de 6/8 y 3/4, característicos del folclore sudamericano, y presenta además vestigios de escalas pentatónicas de estilo incaico. La melodía, aunque ligera, contiene también un matiz melancólico.

El sonido de la quena y del charango (un pequeño instrumento de cuerda originario de los Andes, hecho antiguamente con el caparazón de un armadillo) crea una resonancia particular que, una vez escuchada, resulta inolvidable y evoca intensamente el paisaje andino. También es interesante el grito inicial que introduce la canción.

(2’24”)


3. Paloma del palomar (鳩小舎の鳩)

Esta es una canción popular que llegó al continente europeo y se relaciona con la idea de “Madre España”, como llaman a veces los pueblos de América Latina a la tierra de sus antepasados. Es un canto tradicional que se ha transmitido desde hace mucho tiempo en la región de Asturias, al norte de España.

Al igual que ocurre con muchas canciones populares antiguas japonesas, la letra no sigue necesariamente una lógica estricta, y expresiones como “レ・レメ・レメンデ” parecen no tener un significado concreto, funcionando más bien como recursos fonéticos.

(1’09”)


4. Duerme, negrita (ドゥルメ・ネグリータ)

Esta obra pertenece a uno de los compositores más destacados nacidos en Cuba, en el Caribe: Eliseo Grenet (fallecido en 1951). Es una canción de cuna en la que, con ternura, se invita a una niña que no quiere dormirse a que descanse.

En esta grabación se puede escuchar como interpretación solista de Víctor Jara.

(3’36”)


5. Lágrimas de mi madre (わが母の涙)

Esta melodía profundamente emotiva es una yaraví de Bolivia. El yaraví suele caracterizarse por un tempo lento y una expresión melancólica, y se dice que su origen se remonta al harawi, un canto lírico del Imperio Inca.

En países que formaron parte de ese imperio, como Perú y Bolivia, el yaraví sigue interpretándose hoy en día. En muchos casos, como en esta pieza, se ejecuta con instrumentos como la quena y el charango.

(2’41”)


6. El arriero (牛車の御者)

Esta es una canción de estilo campestre compuesta por el cantante folclórico uruguayo Daniel Viglietti. Aunque todavía joven (nacido en 1939), recientemente ha publicado discos LP incluso en París, destacándose como compositor, cantante y guitarrista comprometido con su país.

La forma musical corresponde a la huella, aunque difiere de la huella tradicional argentina, por lo que puede considerarse una composición libre dentro de ese estilo.

(2’01”)


Lado B

1. Mare, mare (マレ,マレ)

“Mare, mare” es una de las formas de danza tradicional transmitidas en Venezuela. Los investigadores suelen clasificarla como representativa de las danzas de origen indígena, pero en la versión aquí interpretada predominan más bien elementos de tradición europea.

El ritmo también responde a patrones comunes en las sociedades mestizas de América Latina, combinando compases de 6/8 y 3/4, sin que se perciba claramente un carácter puramente indígena.

(Continuación de “Mare, mare”)
Según algunos estudios, el término podría referirse originalmente a un tipo de flauta utilizada por los pueblos indígenas, pero en esta letra parece emplearse más bien como si fuera el nombre de un jefe o figura imaginaria.

(2’26”)


2. Noche de rosas (薔薇の夜)

En este LP, Quilapayún continúa su “viaje internacional”, y en esta ocasión nos lleva hasta Israel, en el Medio Oriente. Este país cuenta con muchas canciones hermosas, cargadas de misterio y una melancolía particular.

“Noche de rosas” (Erev shel shoshanim), compuesta por M. Dor y J. Hadar, es una de las más populares y encantadoras. Se canta en su idioma original, el hebreo, y su significado general es:

“Noche de rosas, salgamos al jardín. El aroma de la mirra llena el aire, y la noche desciende suavemente. Sopla una leve brisa entre las rosas. Ven hacia mí en silencio, es un canto de amor. La paloma alza su voz, y en tus cabellos florecen las rosas. Mi noche de rosas, quisiera recogerte.”

(2’36”)


3. Tres bailecitos (3つのバイレシート)

Escuchemos nuevamente un bailecito de Bolivia. En esta pieza se enlazan tres melodías diferentes en forma de medley. Se utilizan dos charangos (o quizás pequeñas guitarras), creando un efecto sonoro original, intenso y hermoso.

Este tipo de riqueza expresiva es una muestra de la profundidad artística de Quilapayún.

(2’26”)


4. Girasol marchito (枯れひまわり)

Una obra original de Víctor Jara, tanto en letra como en música. Es una canción que parece evocar recuerdos fragmentarios de la infancia, con un tono casi onírico.

Resulta especialmente interesante el equilibrio entre modernidad y sensibilidad que se percibe en la composición, incluyendo su introducción y pasajes instrumentales.

(2’55”)


5. El campo de mandioca (マンディオカの畑)

La mandioca (también llamada yuca) es un tubérculo cultivado en partes de América del Sur. De ella se obtiene una harina conocida como tapioca, que en el norte de Brasil constituye un alimento básico.

Esta canción, que expresa simpatía hacia un joven que trabaja en un campo de mandioca, está interpretada en español, aunque se cree que su origen podría ser brasileño (el autor del texto aclara que no lo ha confirmado completamente).

(2’18”)


6. El turururú (エル・トゥルルル)

Volvemos a España con una canción popular muy conocida, incluso utilizada como canción de cuna. Se dice que proviene de la región de Salamanca (noroeste de España), y en ocasiones también se le da el título de “El marido se murió”.

Aunque la letra tiene un trasfondo algo oscuro o incluso macabro, la canción transmite al mismo tiempo un cierto tono humorístico.

(2’19”)


7. Conejito (コネヒー)

Presentada como una “pieza humorística”, es una canción muy alegre, típica de un bis o cierre. El título parece referirse a un “conejito”.

En la letra, las últimas sílabas de cada verso se “tragan” y no se pronuncian claramente, lo que aumenta el efecto cómico de la canción. Como acompañamiento, se escuchan sonidos que recuerdan a animales alrededor de una conejera, lo que refuerza su carácter juguetón.

(1’34”)


[Shigeru Hamada] (autor del texto)

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El año 1976 el Quilapayún realiza su primera gira Japón, en un escenario completamente distinto a cuando se editaron originalmente en Japón a inicios de esa década. Con motivo de esa visita se reedita este disco. De esa edición les dejo con las palabras iniciales de la contraportada:

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Quilapayún y Víctor Jara cantan al mundo

● Introducción
A través de este disco, se puede conocer con claridad cómo el grupo folclórico Quilapayún y el cantante solista Víctor Jara, quienes representaban la “nueva canción folclórica” de Chile, desarrollaban en su momento una actividad vigorosa, llena de sueños y riqueza artística.

Como es sabido, el golpe de Estado del 11 de septiembre de 1973, llevado a cabo por las fuerzas de extrema derecha del ejército chileno, infligió a estos artistas —que aspiraban a realizar una sociedad ideal a través de la canción— un golpe brutal y vil.

Víctor Jara, pocos días después del inicio del golpe, fue encontrado como un cadáver acribillado, con ambas manos destrozadas hasta el punto de no poder volver a tocar la guitarra. Su “delito” fue intentar animar con sus canciones a las personas detenidas en el Estadio de Boxeo de Santiago…

Por su parte, los integrantes de Quilapayún, que en ese momento se encontraban de gira por Europa como enviados culturales del gobierno de Allende, lograron evitar ese destino, pero ya no pudieron regresar a su país. Desde entonces, han recorrido el mundo sin descanso, transmitiendo el dolor y la indignación del pueblo chileno frente a la violencia fascista.

En la primavera de 1976 se programó su primera presentación en Japón, y este LP —originalmente producido en 1968— fue reeditado con motivo de esa visita. A continuación, se reproduce sin modificaciones un texto explicativo escrito algunos años antes: (y se incluyen los textos que les compartimos mas arriba de la edición original japonesa)

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Este disco se encuentra descatalogado en la actualidad, y cuando Quilapayún publicó (a la mala) su discografía, pirateando material para subirlo a plataformas, reconstruyeron este disco a partir de distintas fuentes: cassettes en regular estado, CDs, lo que dio como resultado un sonido disparejo y poco profesional para uno de los discos más importantes de su discografía.

Este traspaso de la edición japonesa lo hice hace bastantes años, y al escucharlo con el tiempo, no está mal. Por lo menos se oye más parejo que lo que está en Spotify.

El traspaso lo dejé respaldado en un CD, y curiosamente, al reproducirlo en el computador, este lo reconoce y muestra todos sus textos en japonés en Windows Media Player. ¿Cómo hace eso? No tengo idea.


Listado de temas:
Lado A
1.Husch-a-bye (Peter Yarrow - Paul Stockey)- Víctor Jara + Quilapayún
2.Bailecito (Popular)- Quilapayún
3.Remendé o [Paloma del palomar] (Popular española)-Quilapayún
4.Drume negrita (Eliseo Grenet)- Víctor Jara + Quilapayún
5.El llanto de mi madre (Popular boliviana - Edgar "Yayo" Jofré)- Quilapayún
6.El carrero (Juan Capagorry - Daniel Viglietti)- Quilapayún

Lado B
7.Mare Mare (Popular venezolana)-Quilapayún
8.Noche de rosas o [Erev shel shoshanim] (Moshe Dor - Yosef Hadar)-Quilapayún
9.Tres bailecitos (Ernesto Cavour)- Quilapayún
10.Gira, gira, girasol (Víctor Jara)- Víctor Jara + Quilapayún
11.Peoncito del mandiocal (Aníbal Sampayo)- Quilapayún
12.Ya se murió el burro o [El tururururú] (Popular española)- Víctor Jara + Quilapayún
Y una humorada musical:
13.El conejí (Carlos Préndez Saldías - Víctor Jara)- Víctor Jara + Quilapayún

Lado A:


Lado B:

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lunes, 16 de febrero de 2026

Salvatore Adamo: Los Éxitos de Adamo Cantando en Español. LDC- 36613. Odeón. 1967. Chile

 





Estamos en verano, tiempo de vacaciones, y siempre he querido postear algunos discos de música del mundo en sus ediciones chilenas. Aquí va un ejemplo de un disco que siempre quise reconstruir. Un clásico para quienes tenemos padres que fueron jóvenes en la década de 1960, que escucharon esta música y que, con el tiempo, la siguieron escuchando cuando a nosotros nos tocó crecer en sus casas.

Salvatore Adamo viene a ser, a estas alturas, un cantautor inmortal: siempre ha estado creando, cantando, activo, publicando discos y visitando regularmente Chile.

Pertenece a una camada de cantantes de baladas que hoy es raro encontrar: un autor de sus propias canciones que, en plena década de 1960, no encajaba del todo con los movimientos en boga, sino que se mantenía dentro de la tradición de la canción europea, con influencias de Charles Aznavour y Georges Brassens.

Estos registros son clásicos, pero extrañamente es muy difícil encontrarlos en buena calidad en sus versiones originales. Posteriormente, Adamo los regrabó y esas versiones son más fáciles de hallar. Los registros originales parecen haber quedado en manos de Warner Music Group, que ha hecho un buen trabajo subiendo a plataformas las grabaciones de esa época, aunque por alguna razón dejó fuera sus registros en español.

Según la revista Revista Ecran, este disco salió en Chile cerca de mayo de 1967 y recopilaba una serie de singles que ya se habían publicado con Adamo cantando en español. En esa misma fecha, la revista dedicó una extensa nota al cantante, reflejando cómo se seguía en el medio chileno a los músicos de distintas latitudes, nota que les dejaré en extenso mas abajo después de la música.

Las letras de las canciones fueron traducidas al español por Jorge Córcega. Por esos años, Raphael realizó también una versión en español de “Tenez-vous Bien”, utilizando una adaptación de Rafael de León que dio origen a “Mi Gran Noche”, distinta a la versión de Adamo incluida en este disco, tanto en el tono narrativo como en los arreglos, estos últimos a cargo del maestro Manuel Alejandro.

Este disco lo reconstruí a partir de un CD publicado por EMI Chile en 2006, y las imágenes fueron obtenidas de Internet.

Listado de Canciones:

00:00 Lado A:

00:00 1. Quiero (J'aime)

03:07 2. En Bandolera (En Bandoulière)

06:52 3. Nada Que Hacer (On N'a Plus Le Droit)

09:37 4. El Tiempo Se Detiene (Que Le Temps s'Arrête)

12:38 5. Mis Manos En Tu Cintura (Mes Mains Sur Tes Hanches)

15:37 6. Porque Yo Quiero (Car Je Veux)


18:17 Lado B 

18:19 1. Un Mechón De Cabellos (Une Mèche De Cheveux)

21:25 2. Era Una Linda Flor (Elle Était Belle Pourtant)

25:05 3. La Noche (La Nuit)

28:24 4. Tu Nombre (Ton Nom)

30:58 5. Mi Gran Noche (Tenez-vous Bien)

34:01 6. Ella (Elle...)

Todos los temas compuestos por Salvatore Adamo y adaptados al español por Jorge Córcega.

Orquesta dirigida por Oscar Saintal.



Nota de Ecran, publicada en 1967:
La Romántica Historia de Adamo. Escrita por Ray Gardner

Cuando su rostro apareció portada de "Paris Match", Salvatore Adamo caminaba por el Barrio Latino de París. 
Adquirió un ejemplar de la revista y sonrió. La información señalaba que a partir de 1967 la canción tendría un nuevo príncipe. Un pequeño príncipe consagrado en el Olympia, la sede donde se decide el triunfo de los ídolos. 
Pero la crónica insistía: "En el reino de la canción, él tiene el mérito de un pequeño príncipe. Príncipe de la dulzura, de la modestia, de la gentileza ... Pero, sobre todo, un príncipe del talento". 
En todo caso, Salvatore sabía que, desde hace dos años, él constituye un motivo noticioso de cada día. Evidentemente, sus canciones habían encontrado terreno fértil en el corazón de los franceses y, poco después, en el de todos los jóvenes del mundo. 
Recordó, por ejemplo, que cuando debutó en el Olympia, con el teatro repleto de público, cantó 15 canciones. Pero ese mismo público que le aplaudió frenéticamente solicitó o exigió 15 canciones más. El los complació en parte. Estaba agotado, sudoroso, con la camisa adherida a su cuerpo y la corbata parecía ahorcarlo. Porque Adamo no es como Antoine o Johnny Hallyday (sus grandes rivales de la canción juvenil francesa actual): nunca sube a un escenario sin corbata. 
-Lo más emocionante para mi esa noche era el hecho de que allí, en primera fila, estaba Maurice Chevalier, dice. 
Adamo (que después de todo es un italiano que canta en francés) admira a los grandes cantantes franceses, desde Maurice Chevalier y Charles Trenet, hasta Gilbert Becaud y Charles Aznavour. 
-También sentí un poco de tristeza por la ausencia de Aznavour, comenta. Me envió un mensaje excusando su inasistencia. 
Precisamente, cuando el muchacho ganó el concurso radial que le permitió abrirse paso hacia la popularidad, había sido Charles Aznavour quien le había entregado el Primer Premio además de un cheque. Desde entonces, hace ya más de seis años, son amigos. Incluso no faltaron los cronistas que informaron que Adamo era una especie de discípulo de Aznavour y que eso podía apreciarse tanto en la manera de cantar como en la poesía de sus canciones. 
Sin embargo, ahora se piensa de otro modo: Adamo, simplemente, "coincide" con los otros grandes intérpretes-autores franceses.

EL AÑO DE ADAMO 
TODO indica que 1967 es el año de Adamo. El gran año. El intérprete de "Ella" y "Tu nombre" ha sido capaz de vender 6 millones de discos en un año. Le admiran tanto los jóvenes como los adultos. Se sabe que hasta el Presidente de Francia, General De Gaulle, siente predilección por este muchacho del cual habla la prensa cotidiana. 
Aunque su triunfo tiene la apariencia de los impactos extraordinarios, en realidad la carrera de Salvatore Adamo es prolongada. Hizo sus primeras apariciones en público en 1961, es decir, cuando Los Beatles comenzaban a reinar entre los jóvenes del mundo, Elvis Presley estaba disfrutando de sus ganancias y Hallyday entusiasmaba a los fans franceses. 
-Mi carrera ha sido lenta, sin gran-des saltos, sin agitación -confiesa. He avanzado poco a poco ... 
Hasta podríamos decir que su carrera se inició cuando comenzó a revelar su vocación artística. Todavía era un niño. Vivía en Bélgica ... Pero es mejor retornar a esos años ya idos de su infancia. Ya idos, pero, como él dice: "siempre presentes en mi corazón".

EL NIÑO Y LA GUITARRA 
LA HISTORIA de Salvatore comienza en su aldea natal, Marina de Regusa, en la isla de Sicilia. Era uno de los tantos hijos de una familia muy modesta. Su padre hizo entonces lo que hacían muchos italianos: emigró con toda la familia a Bélgica, en busca de mejores horizontes. Salvatore tenía entonces 3 años de edad. Papá Adamo se radicó en la región minera de Jemmapes.
 -Pasé mi infancia entre rudos mineros. Gente sencilla y buena. Gente que trabajaba todo el día, pero que en las tardes se reunían en una hostería para charlar, recordar la patria lejana y, cuando ya habían bebido varias cervezas, cantar algunas antiguas melodías del sur de Italia ... Esas canciones me producían una intensa emoción.
 Era también un buen alumno, y sus padres hacían planes futuros para él. Papá Adamo no quería que su hijo fuera también minero. La madre le educó de acuerdo a un criterio muy tradicional. Los días domingos y festivos, Salvatore andaba siempre con corbata. Precisamente, la imagen del joven amable y reservado, que ostenta ahora el artista, emana de esa formación familiar. Posteriormente, sus padres le hicieron seguir un curso de publicidad.
 Fue un gran día para él cuando sus padres le regalaron la vieja guitarra de su abuelo. Salvatore aprendió a tocarla solo. Pronto pudo cantar las viejas canciones italianas ..., con letras en francés (el idioma que se habla en esa región de Bélgica), que él mismo inventaba. De la interpretación a la improvisación había un paso, y muy luego Salvatore estaba componiendo canciones propias. Canciones simples y emotivas, inspiradas en sus amigas belgas, y otras de origen francés e italiano .. 
También desde entonces datan muchas canciones que después, más elaboradas, fueron triunfos en el mundo del disco. Entre éstas, "Dulce Paola", dedicada a la simpática princesa Paola de Saboya, casada con el príncipe Alberto de Lieja, hermano del rey Balduino de Bélgica. Cuando ocurrió la aventura francesa en 1961, Adamo ya tenía un crecido repertorio de canciones originales.
 Cualquiera sabe que Salvatore debe mucho de su fama a "Sin ti, mi vida", y "La noche", pero mayor importancia sentimental se le atribuye a "Dulce Paola". ¿Una princesa inspirando a un hijo de mineros?... El hecho era demasiado interesante para no especular sobre él. Pero ha sido él mismo Adamo quien ha puesto las cosas en su lugar:
 -Si, por supuesto, la canción me fue inspirada por la bella princesa Paola. Pero del mismo modo que me he inspirado en los viejos, en los niños, en las muchachas ... Allí están, por ejemplo, mi canción "El pequeño camarada", y otras por el estilo.
 En todo caso, él también, como señala "Paris Match", es un príncipe. Un príncipe de la canción, pero con tanta fama o dinero como cualquier otro príncipe.

UNA NOVIA PARA EL IDOLO 
ADAMO es actualmente un muchacho acosado. Después de cada aparición o gira debe acceder a las demandas de los fans: autógrafos, sonrisas, apretones de manos. Las admiradoras le rodean y le escriben más de 1.500 cartas semanales. Es obvio que tampoco ha podido escapar a las informaciones que le atribuyen una novia o varias novias. Una publicación señaló que "Adamo se inspiraba en una novia belga, una joven ex compañera de liceo ... "
 -Sí, hay en Bélgica una muchacha a la cual quiero mucho -explicó Salvatore -. Pero se trata de Delizzia, una de mis hermanas, con la cual me escribo todas las semanas ... 
Últimamente se le ha visto pasear por Paris acompañado por Isabelle de Funes, sobrina del conocido actor Louis de Funes. Salvatore conoció a Isabelle, una joven de cabellos largos y espíritu alegre, en un programa de TV. De inmediato se hicieron amigos, casi inseparables. 
-Isabelle es una muchacha muy inteligente y sensible -comentó Salvatore -. Ella ha trabajado de modelo y en televisión, y tiene experiencia escénica ... , que me ha transmitido gentilmente.
 Al debutar Salvatore en el cine en el film "Les Arnaud", Isabelle se presentó en los estudios para "animar a su amigo". Salvatore se sentía un poco confundido ante la nueva experiencia artística. Ahora todos están de acuerdo que la presencia de Isabelle le tranquilizó y le dio más seguridad en sí mismo.
 No obstante, el film permitió a Salvatore conquistar otra amistad, la de Christine Delaroche, la protagonista de "Mundo joven", que se convirtió en su compañera de trabajo en "Les Arnaud".
 Se sabe, o por lo menos se dice, que Christine tiene novio, pero la verdad es que varias publicaciones han mostrado gráficamente a los jóvenes "haciendo compras" por las calles de París. Es probable que se trate de una simple amistad, pero en el film, ambos tendrán la oportunidad de hacerse el amor con mucho entusiasmo.
 El viejo realizador Leo Joannon eligió a Adamo para el papel principal, el de Andre Arnaud, "no porque Adamo fuera un cantante de éxito, sino porque su físico es el que corresponde al personaje". Esto significa que la responsabilidad dramática de Adamo es mayor.

ADAMO EN EL CINE
 EN EL FILM, cuyas primeras escenas se rodaron en Aix-en-Provence, Salvatore interpreta a un modesto estudiante de Derecho que pasa sus días entre las audiencias de un tribunal de menores (especialidad que le interesa), el box (que es su deporte favorito), y su novia, Leticia (Christine Delaroche), una joven de Córcega, estudiante como él. Recibe la ayuda económica de su tío, pero cuando éste muere, queda sin recursos para proseguir sus estudios. Entonces recurre a un anticuario para subsistir, obteniendo un préstamo de éste. Las cosas se complican cuando el muchacho es sometido a un innoble chantaje por parte del prestamista. Poco después, el anticuario es muerto, y el conflicto se agudiza: el muchacho se halla complicado en el crimen. Entonces interviene el juez Henri Arnaud (interpretado por Bourvil), simple homónimo de André, al cual adopta y acompaña finalmente al banquillo de los acusados ... 
"Una historia un poco simple -informó una publicación-, pero muy verdadera". Pero, simple o no, Salvatore ha tenido que seguir lecciones de arte dramático, y, lo que es un poco mas duro, clases de boxeo. 
-Lo que no sé es si, después de este film, voy a convertirme en actor o en boxeador -comento Adamo.
 En el film, aunque parezca increíble, Salvatore Adamo no canta.

ADAMO, EL JEFE 
SALVATORE vive en una mansión blanca, cerca de Paris y su familia en Bruselas, la capital de Bélgica. Allí están su madre y gran parte de sus 11 hermanos. Su padre, que había dejado el trabajo de minero para convertirse en empresario de su hijo, y poco después en ¡banquero!, falleció trágicamente el año pasado. Papá Adamo pereció en las playas de su querida Sicilia.
 El cantante voló a Sicilia, y con la serenidad que caracteriza a sus familiares, condujo los restos de su padre a Jemmapes, en la región minera, donde papá Adamo había vivido y sufrido, y de donde Salvatore partió un día a conquistar París ... 
Ahora, Salvatore es el jefe de la familia. Sus hermanos menores se aprestan a seguir estudios superiores, costeados por el triunfador de la familia.

Adamo y parte de sus 11 hermanos