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Este disco ya lo había compartido en otras ocasiones. Sin embargo, nunca lo había publicado en su formato original de cassette ni lo había abordado desde una perspectiva estética. Hoy lo observo, casi cuarenta años después, como el disco conceptual de Los Prisioneros.
La vida da vueltas. Ahora que me acerco a los cincuenta decidí cursar un diplomado en la Escuela de Estética de una Universidad capitalina. Las lecturas de este año me han permitido mirar este disco desde otro ángulo.
Entre las corrientes de expresiones culturales que aparecieron en el siglo XX está la “Trash Culture” o "cultura basura". El término es poliédrico: incluye arte elaborado con desechos, obras que incorporan el error como parte del resultado y manifestaciones populares —libros, películas, programas de televisión, música— tachadas de “bajo perfil cultural” por su sensacionalismo o afán comercial. Lo kitsch, lo sobrecargado, también cabe allí. En esencia, se define de forma despectiva, en contraposición con la llamada “alta cultura”.
Pero este concepto se puede observar bajo otro prisma. "En la actualidad existe un modo de alienación de los trabajadores que ya no se centra en la explotación durante el tiempo de trabajo (tiempo que tiende a disminuir) sino que coloniza el ocio aparentemente liberado con una gran industria de la entretención, la llamada "pseudocultura" o "Cultura-basura"; según indica José Luis Pardo en una introducción al libro "La Sociedad del espectáculo" de Guy Debord.
Los catorce temas de este cassette rebosan referencias a esa cultura basura:
-el amor cotidiano («Cuando te vayas»),
-lo kitsch omnipresente en la producción sonora,
-la ambición por el dinero («Usted y su ambición»),
-la guerra («Jugar a la guerra»),
- la familia y la amistad («Que no destrocen tu vida», «Algo tan moderno», «El vals»),
- la vida aspiracional de los barrios acomodados en plena dictadura («Lo estamos pasando muy bien»). Sobre este tema podremos citar a Humberto Eco "A poco que reflexionemos, deberá parecernos monstruosa la situación de una sociedad cuyas clases populares obtienen sus oportunidades de evasión, de identificación y de proyecciones, a partir de la transmisión televisada (...) en la que se representan costumbres de la alta burguesía..."
- el orgullo —y a la vez desprecio— hacia nuestra identidad continental («Maldito sudaca»), con leves referencias al final con el tema "si vas para Chile" en los teclados.
- la adoración del cantante convertido en ídolo («Pa pa pa», «Mi ídolo»),
- la alienación laboral y el despertar final como un "Zaratustra" de la década de los 80's(«Otro Día», «Poder elegir»).
Bajo ese mismo espíritu, el disco incorpora fragmentos ajenos —Louis Armstrong, The Beatles, Los Picapiedras— como si fueran retazos de un collage sonoro.
Este trabajo además representa por un lado un mundo que vive los últimos años de la Guerra fría (ahí se encuentra la cita a la bomba atómica en "Pa pa pa"), y como en nuestra sociedad se empieza a encarnar el Postmodernismo, en donde "ya no hay narrativa dominante sobre la identidad, la tradición o la cultura".
Por eso regreso al cassette de 1987, el que comparto hoy. Después de años oyendo la reedición de 1995, redescubrir la cinta me devuelve al momento exacto en que escuché por primera vez «Que no destrocen tu vida» en la radio. No hubo anuncio: reconocí la voz de Los Prisioneros, pero el concepto chocaba con lo que asociábamos a la banda tras sus dos primeros álbumes. Luego al tiempo sonó en las radios «Maldito sudaca», que también en su video promocional se convirtió en una bofetada visual y sonora a la cultura basura, y posteriormente «Lo estamos pasando muy bien», habitual en Radio Umbral con aquel fade‑out y fade‑in que en 1995 quedaron reducidos a un corte brusco. En la cinta, en cambio, alcanzaban a oírse varios segundos de Claudio Narea parafraseando «La cultura de la basura» antes del caos final y el grito de Jorge González.
Creo que este es el primer —y quizá único— disco conceptual del rock‑pop chileno de los ochenta creado por músicos de origen popular que, como González en la Universidad de Chile, rozaron la academia y se vincularon con círculos artísticos contraculturales al final de la dictadura.
Hoy lo escucho con nuevos oídos y confirmo que, aunque los formatos cambien y se multipliquen, la voz crítica de estos catorce temas sigue intacta: valorar el diario vivir, las expresiones culturales propias del pueblo y la masividad, con un llamado a despertar de la alienación en la vida cotidiana y a reconocer que solo hay una vida, una única oportunidad.
Nuevos ojos para los sonidos de siempre.
Lado A:
1. Somos solo ruido (Claudio Narea- Miguel Tapia)
2. De la cultura de la basura
3. Que no destrocen tu vida
4. Usted y su ambición
5. Cuando te vayas
6. Jugar a la guerra
7. Algo tan moderno (Claudio Narea- Miguel Tapia)
Lado B:
1. Maldito sudaca
2. Lo estamos pasando muy bien (Claudio Narea- Miguel Tapia)
3. Él es mi ídolo
4. El vals (Claudio Narea- Miguel Tapia)
5. Otro día
6. Papapa
7. Poder elegir
Autor de todos los temas: Jorge González, excepto donde se indica
Estamos en el año 2013, último del primer gobierno de Sebastián Piñera. En el Teatro Caupolicán se realiza un concierto que reúne a dos de los más importantes exponentes de la Nueva Canción Chilena: Inti Illimani, dirigido por los hermanos Coulón, e Illapu.
La idea de realizar un evento de este tipo no era nueva. Ya en 2010, con motivo de los 45 años de Quilapayún, el grupo radicado en Francia y dirigido por Rodolfo Parada y Wang organizó, junto al Partido Comunista, un concierto que reunió en escena a Quilapayún, Inti Illimani e Illapu, hacia fines de 2011.
Desde el punto de vista estilístico, el concierto está muy bien logrado. Hay una coherencia notable en la propuesta artística, en los sonidos y en el repertorio, lo que hace que las tres horas de audición transcurran de forma natural. Nada suena forzado ni artificial.
Otro aspecto a destacar es la calidad artística, musical e interpretativa de cada uno de los grupos. Suenan afinados, potentes, virtuosos y seguros, al punto de que resulta difícil encontrar errores en lo que escuchamos.
En cuanto al contenido, el audio refleja claramente las preocupaciones sociales que marcaban a la sociedad chilena durante la década de 2010: críticas a los gobiernos de derecha y al modelo neoliberal, una valoración de la autenticidad cultural y de los pueblos originarios, y una fuerte demanda por cambiar la constitución heredada de la dictadura.
A casi 13 años de aquel concierto, y después de que esas temáticas estallaran con fuerza en el estallido social de fines de 2019, se percibe hoy un menor interés por realizar cambios profundos en la sociedad chilena.
Respecto a Illapu, se puede notar que estaban atravesando un periodo de recambio en su formación. Raúl Acevedo estaba dejando el grupo, mientras que Juan Carlos Márquez se integraba, aunque su permanencia no se prolongaría por mucho tiempo.
Los dejo con esta excelente presentación.
Listado de temas:
1. La Fiesta De La Tirana (Del Folklore. Arreglo: Inti Illimani) Inti Illimani + Illapu
2. Primer Sueño De Amor (Roberto Márquez) Illapu + Inti Illimani
3. Malagueña (Popular mexicana) Inti Illimani
4. La Exiliada Del Sur (Texto: Violeta Parra. Música: Patricio Manns. Arreglo: Luis Advis) Inti Illimani
5. La Flor De La Chamiza (Manuel Meriño) Inti Illimani + Illapu
6. Pampa Lirima (Roberto Márquez) Illapu + Inti Illimani
7. Lejos Del Amor (Luis Alberto Valdivia, Roberto Márquez) Illapu
8. Tu Propia Primavera (Carlos Elgueta, Roberto Márquez) Illapu
9. Escribo Por Ejemplo (Nelly Lemus, Roberto Márquez) Illapu
- Es una compilación de registros de diversos artistas que se presentaron en el Festival de la Canción Política en la década de 1970; festival que se realizaba en la por aquel entonces República Democrática Alemana (RDA).
¿Por qué aparece este CD en este blog?
Porque en el CD aparecen un par de registros de músicos chilenos. Uno de Quilapayún y otro de Inti Illimani. Aunque el registro que se comparte del Quilapayún no corresponde a alguna grabación realizada en ese festival, sino que fue extraído de una presentación realizada por el grupo en la otra Alemania, la por aquella época conocida como República Federal Alemana, de un concierto en homenaje a Víctor Jara en 1974 y que anteriormente ya he publicado en este blog (ver aquí: https://discotecanacionalchile.blogspot.com/2018/03/konzert-fur-chile-89005-plane-1974-1998.html)
Para saber de que se trataba este festival, los dejo con la traducción de una parte del folleto interno de este CD:
El Festival de la Canción Política se celebró anualmente en Berlín desde 1970 hasta 1990. Fue uno de los eventos musicales más grandes de la RDA y una 'institución internacional' (Mikis Theodorakis, 1983) de los cantautores, la música folk y la música mundial. Cada año, entre 50 y 80 artistas/grupos de aproximadamente 30 países se presentaban en entre 50 y 60 eventos ante decenas de miles de espectadores. El festival era un encuentro político, un taller y una fiesta popular, y se caracterizaba por una atmósfera muy comunicativa y solidaria. El espectro artístico abarcaba desde presentaciones en las que la música solo era un medio para transmitir mensajes políticos, hasta arte político de altísimo nivel profesional, desde los estilos tradicionales de la canción política hasta lo experimental y obras más grandes.
Para la RDA (público, artistas y organizadores), el festival fue una ventana al mundo. El interés y el entusiasmo no eran 'impuestos desde arriba', sino genuinos y, hasta finales de los 80, muy grandes, lo cual también se debía a que no existía nada comparable en la vida musical de la RDA durante mucho tiempo.
El festival surgió de los conciertos de aniversario del Oktoberklub. Inicialmente, la dirección del distrito de la FDJ de Berlín fue la principal organizadora, y a partir de 1975 lo hizo el Comité Central de la FDJ. En 1980, se formó una oficina a tiempo completo del 'Festival de la Canción Política'. Sin embargo, la organización del festival fue en gran parte voluntaria. Así nació una estética que se diferenciaba del estilo habitual de las celebraciones de la FDJ. Pero el festival también era un evento de representación oficialmente apoyado con muchas ritualizaciones, intervenciones y prohibiciones. La apertura al mundo y la estrechez provincial, el compromiso y la instrumentalización, el fomento y la represión coexistían de cerca.
Con la caída de la RDA, el festival perdió su función anterior y la infraestructura cultural en la que se basaba. Se fundó una asociación de apoyo, que entre 1991 y 1994 organizó el Festival 'Entre el Mundo' como un 'nuevo Festival de la Canción Política'. En 1995, la asociación se disolvió debido a problemas conceptuales y financieros.
En este CD son contadas las expresiones musicales que están en español, las ya anteriormente nombradas intervenciones chilenas, a la que se suma un registro de Daniel Viglietti; siendo la mayoría de los artistas desconocidos para nuestros oídos; sin embargo la propuesta musical es amplia, desde música de autor, otra mas ligada al folclore, hasta música de vanguardia, o rock; todo unido a letras comprometidas políticamente, en un mundo dominado por la guerra fría y en un país dominado por el Partido Comunista.
Los dejo con el texto de Reinhold Andert que presenta este CD:
En este CD se encuentran canciones maravillosas, una más hermosa que la otra. Es una lástima que no esté incluida la canción de Degenhardt 'Joß Fritz', la canción sobre el astuto líder campesino. Él fue valiente y luchó por una buena causa. Sin embargo, no tuvo éxito, porque a pesar de su advertencia, lo correcto se hizo en el momento equivocado. '¡Lanza la pica, al ataque!' cantaban los campesinos, '¡Pongan el gallo rojo en el techo del monasterio!' Joß Fritz (Degenhardt), por su parte, advierte: '¡No dejen que los gallos rojos canten antes de tiempo!' Muy cierto, solo que un poco tarde, quinientos años tarde. Tal vez la revolución burguesa temprana hubiera podido tener éxito si en ese entonces ya hubiera existido esta canción, o tal vez no, porque Friedrich Engels escribió sobre la guerra campesina (Obras, vol. 127, p. 12, párrafo 7): 'El momento aún no estaba maduro.' También es cierto, el tiempo es como una pera, hay que esperar a que madure, y justo antes de que caiga, hay que recogerla. En octubre de 1917, el tiempo ya estaba maduro, no cabe duda, aún más maduro en los años setenta. Se escucha en las canciones: '¡Arriba, socialistas, a la lucha, fuera todos los cercos, venceremos, o preferiría usted una taza de té?
Pero, aun así, no funcionó de nuevo. ¿Acaso nuestras canciones eran incorrectas, nos faltaban algunas? ¿Y si se debía a algo completamente diferente? En 1972, un año antes de los Juegos Mundiales, el inolvidable Paul Dessau compuso una melodía para la FDJ. Jens Gerlach escribió una letra adecuada, es decir, terriblemente banal. Dessau dedicó esta canción al patrocinador de los juegos, el Secretario General y Presidente Erich Honecker, y le envió las partituras. Honecker, tamborilero de la banda de Schalmeien de Wiebelskirchen, no entendía de partituras: deseaba escuchar la canción. Como responsable del grupo de canciones del Comité Organizador, recibí el honorable encargo de grabar la canción en una cinta para él. Debido a un error técnico mío, hoy quisiera interpretarlo más como si fuera intencional, Honecker recibió una cinta vacía. No había nada, absolutamente nada, Honecker quedó decepcionado. Lo que me ocurrió a continuación personalmente, lo omito, después de todo, aún vivo. Pero la FDJ reaccionó con fuerza: '¡Una ofensa al Secretario General y al Partido, una vergüenza enorme para toda la organización juvenil, hay que remediar este desliz!' y literalmente: '¡Esta canción será cantada!' Fue el 'himno' de los Juegos Mundiales. Cien veces al día sonaba en la radio: 'La juventud mundial está de visita en Berlín...'. En el Consejo Central de la FDJ, se andaba durante semanas con el sudor en la frente, un papel en la mano, murmurando una y otra vez las estrofas, preguntándose entre ellos durante el almuerzo: '¿Cómo se dice aquí?' Aprender esta canción fue un trabajo duro. Los lugares comunes de la letra se fijaban con dificultad, y como faltaba una lógica interna, se confundían constantemente las estrofas. Sobre la melodía, ya los musicólogos decían en ese entonces que Dessau quería burlarse de la FDJ. Todos los coros y clubes de canto de la RDA tuvieron que aprenderla, nadie podía participar en los Juegos si faltaba en su repertorio. Las caras ofendidas al cantar esta obra en el escenario y en la sala aún las recuerdo claramente.
Por supuesto, también había otras canciones, conmovedoras, divertidas, inteligentes y combativas. Según lo investigaron los sociólogos, fueron cantadas por primera vez, de manera voluntaria y entusiasta, por la juventud en una reunión política. Eran cánticos religiosos, nos reforzaban en nuestra creencia en un mundo mejor. Y como se escuchaban en muchos idiomas, nos sentíamos fuertes y seguros de la victoria.
Pero pocos días después de agosto de 1973, cuando aún cientos de miles gritaban entusiastas en la Plaza Marx-Engels "El pueblo unido", ardió la Moneda. Un polaco se convirtió en Papa y las estrellas deberían ser equipadas con cohetes. La rueda de la historia... etc.
Seguro llegará el día en que uno de nuestros tataranietos, una persona amable, nos pedirá disculpas con la excusa de que el tiempo aún no estaba maduro. Y otro sabiondo escribirá una canción sobre nosotros: '¡No dejen que las banderas rojas ondeen antes de tiempo!' Estará en un CD con canciones maravillosas, una más hermosa que la otra."
00:00:00 01. Quilapayún (Chile): Plegaria a un labrador (Victor Jara) (1971) (Registro Extraído del Concierto Homenaje a Víctor Jara realizado el 31.05.1974 en Essen, República Federal Alemana)
Seis meses después de la victoria electoral de la Unidad Popular, los cinco chilenos llegaron por primera vez a Berlín en febrero de 1971 y fueron recibidos con un entusiasmo enorme. La canción de Victor Jara "Plegaria a un labrador" fue uno de los cantos conmovedores que hicieron que la Nueva Canción Chilena - y la Canción Latinoamericana - se convirtieran en un término conocido en la RDA y más allá: 'Levántate y mírate las manos, ... estréchala a tu hermano, ... hoy es el tiempo que puede ser mañana.'
"No hay amor sin justicia, no hay justicia sin lucha, no hay lucha sin un frente solidario." Con la canción "¿En qué filas estás?" los finlandeses lograron, en 1971 y en los años siguientes, dejar su huella en el festival. También musicalmente, se destacaron una y otra vez del resto de los participantes. Canciones como esta, "Spartakus" y "Kalliolle" pronto pasaron a formar parte del repertorio estándar de muchos grupos en la RDA.
Dieter Süverkrüp, compositor y diseñador gráfico, cofundador de la nueva canción política en la RFA, se presentó en varias ocasiones en el festival de Berlín entre 1972 y 1985. Su método de crítica satírica de la actualidad, su trabajo cabaretero, los juegos de palabras, adquirieron aquí un impacto adicional, ya que se destacaban agradablemente del lenguaje rígido de los medios políticos en la RDA. En su canción 'Cambio de poder' (Machtwechsel), Süverkrüp hacía referencia a la toma de posesión del gobierno de coalición SPD-FDP en octubre de 1969.
00:11:14 04. Oktoberklub (República Democrática Alemana): Lied vom Vaterland (Rainer Böhm / Reinhold Andert) (1972)
El Oktoberklub, grupo amateur de agitprop (termino que viene del ruso “агитация и пропаганда” y que se traduce como “agitación y propaganda”) de la FDJ y pionero del movimiento de la canción, fue el iniciador del Festival de la Canción Política. Al principio, las mismas personas eran tanto artistas como organizadores en una sola persona, pero más tarde se dividió el trabajo y se profesionalizó en parte. El OK se presentó en cada festival, presentó sus nuevas canciones y, a veces, todo un programa, como por ejemplo, en 1972, la cantata 'Manne Klein', cuyo final era el 'Canto de la Patria'.
00:15:13 05. Marek Grechuta & ANAWA (Polonia): Wichtig sind Tage, die unbekannt sind (Jan Kanty Pawlu skiewicz / Marek Grechuta - dt. Kurt Demmler) (1972)
Marek Grechuta & ANAWA participaron en el festival en 1972. Su primera actuación causó una fuerte irritación entre los participantes y el público; el festival tuvo su primer escándalo. Sin embargo, en su actuación al día siguiente ya fueron aclamados. El cantautor Kurt Demmler escribió inmediatamente versiones en alemán de los textos originales polacos para el grupo. La grabación presentada es una producción de estudio de 1972.
Kaláka designa en húngaro una costumbre rural: se reúnen para ayudar en la cosecha. El grupo compuso y tocó juntos desde 1969 y participó varias veces en el festival, siendo su primera vez en 1972. De este año proviene también la grabación presentada. En su música, el grupo cultivaba deliberadamente el tono popular húngaro, sin caer en un folklorismo empalagoso. Principalmente, musicalizaron los textos de sus poetas nacionales Attila József y Miklós Radnóti, en este caso de Károly Bary. En la canción, un gitano de 18 años insta a sus hermanos a actuar con autoconfianza y responsabilidad.
00:22:10 07. Dr. Bhupen Hazarika (India): Lang lebe Bangladesh (Bhupen Hazarika) (1972)
Aunque no hubo ninguna campaña oficial en la RDA sobre la lucha por la libertad del pueblo en el antiguo Pakistán Oriental, esta 'melodía pegajosa' se difundió rápidamente en el país en 1972. 'Te saludamos, Bangladesh, saludamos al estado sin cadenas, esta victoria pone fin a tanto sufrimiento de tu historia...' se dice en la versión alemana. Al año siguiente, cuando el Dr. Bhupen Hazarika volvió a Berlín, la mayoría de las esperanzas ya se habían desvanecido.
Cuando los 'Intis' vinieron por primera vez a Berlín para los Festivales Mundiales de 1973, la coalición de izquierda elegida, Unidad Popular en Chile, no tenía ni un mes más antes de ser derrocada. Su himno 'Venceremos' había acompañado las campañas electorales del socialista Salvador Allende y, con las palabras 'mil cadenas habrá que romper, la miseria sabremos vencer', despertó las esperanzas de muchos pequeños en el país. Sin embargo, el anuncio: 'el futuro será socialista', fue ahogado en sangre y lágrimas en septiembre de 1973.
00:26:50 09. Fasia Jansen (República Federal Alemana): Sacco und Vanzetti (Ennio Morricone, Joan Baez - dt. Franz Josef Degenhardt) (1973)
Fasia Jansen, nacida en 1929 como hija de un cónsul liberiano y perseguida racialmente durante el régimen nazi, fue políticamente y artísticamente activa desde joven. A principios de la década de 1960, llegó a la composición de canciones a través del movimiento de marchas de Pascua. Se comprometió en contra de la política armamentista, el neonazismo y las leyes de estado de emergencia. En 1973, participó en el X Festival Mundial en Berlín y se presentó junto a otros artistas de la RFA en el programa colectivo 'Diversión en Rojo'. De este evento proviene la grabación presentada. Franz Josef Degenhardt, autor de la versión alemana de 'Sacco y Vanzetti', recita el texto introductorio.
00:30:32 10. Daniel Viglietti (Uruguay): A desalambrar (Daniel Viglietti) (1974)
¡Fuera todas las vallas, fuera todas las vallas!" es el estribillo de esta canción en una versión alemana. Daniel Viglietti plantea a sus oyentes la pregunta de si alguna vez han pensado que el país les pertenece a ellos y no a aquellos que ya tienen tanto de él, o si han considerado que sus manos les pertenecen y que son dueños de lo que crean. La respuesta no es tan evidente como podría parecer en nuestras latitudes, porque en América Latina, solo hacer una pregunta como esa ya requiere coraje, incluso hoy en día. Daniel Viglietti vino a Berlín por primera vez en 1974. En esa ocasión, también visitó a Wolf Biermann, quien estaba vetado para presentarse en su país (https://es.wikipedia.org/wiki/Wolf_Biermann).
00:32:37 11. Miriam Makeba (Sudáfrica): Africa (trad.) (1974)
Miriam Makeba, también conocida como 'Mama África', dejó su hogar en Sudáfrica en 1959, cuando comenzó a hacerse internacionalmente conocida, y se exilió para luchar contra el apartheid desde allí. Ella vino al festival en Berlín en 1974 y 1985. Nadie imaginaba en ese entonces que, en 1991, después del fin del apartheid, regresaría a su patria y casi llegaría a ser ministra de Cultura.
00:39:19 12. Sands Family (Irlanda): The Winds Are Singing Freedom (Tommy Makem) (1974)
Las presentaciones de la Sands Family de Irlanda en 1974 dieron inicio al surgimiento de la escena folk en la RDA. En su canción 'Los vientos cantan sobre la libertad', se trata de la dominación extranjera británica, contra la cual los irlandeses han estado luchando durante ochocientos años. Pero al final dice: 'Hay un tiempo para amar a tu hermano, hay un tiempo para acabar con el odio. Si siembras la semilla de la justicia, cosecharás los frutos de la paz.'
00:43:46 13. José Afonso (Portugal): Grândola, vila morena (José Afonso) (1975)
José Afonso vino a Berlín en 1975, un año después de que el 'Movimiento de las Fuerzas Armadas' pusiera fin a la larga noche del fascismo en Portugal. Por supuesto, cantó, acompañado solo por el ritmo de su marcha, su famosa canción 'Grândola, Vila Morena', la pequeña ciudad en el sur, 'en cada esquina un amigo, en cada rostro coincidencia', que, transmitida por radio, sirvió como señal para los militares para el comienzo de su acción.
Schicht fue el primer grupo en la RDA que utilizó de manera equitativa música y letra, logrando una conexión entre la canción política y el teatro. 'La Canción Optimista' proviene de la revista didáctica 'Made in GDR'. El objetivo del grupo siempre fue representar el socialismo de la RDA con sus contradicciones, sin caer en oposición política o artística. Schicht se desarrolló a partir de la tradición folclórica y de los clubes de cantantes de la RDA, convirtiéndose en una troupe profesional de teatro político
00:49:26 15. Reinhold Andert (República Democrática Alemana): Sängerkrieg (Reinhold Andert)
Reinhold Andert, cantautor con la marca distintiva que él mismo acuñó como 'DDR-concreto', miembro del Oktoberklub hasta 1973 y cofundador del Festival de la Canción Política, se presentó casi todos los años en el festival hasta 1980. Después de su exclusión de la SED, se hizo más silencioso alrededor de él. Pero incluso entonces, no quería cuestionar radicalmente la RDA. 'Siempre tuvimos la esperanza de que algún día lo lograríamos, poner el sistema sobre bases razonables'. De 1978 proviene su canción sobre la 'Guerra de los Cantantes'.
Jahrgang 49 surgió en 1973 como un conjunto profesional del Oktoberklub y existió hasta 1982. El grupo intentó una síntesis entre la tradición de la canción de Eisler y la estética del rock. A menudo estuvo de gira como 'embajador cultural' de la RDA en el extranjero y se presentó regularmente en el Festival de la Canción Política, como en 1978 con el programa 'Lo que el pueblo ama' y en 1979 con la 'Cantata de Vietnam'.
00:54:33 17. Lok Kreuzberg (Berlín Occidental): Leise Sohlen (Andi Brauer)
Lokomotive Kreuzberg fue un grupo de rock político de Berlín Occidental, que existió desde 1972 hasta 1977 (de él surgieron Spliff y la Nina Hagen Band) y siguió un concepto similar al de los 'Flöhe' de Colonia: sensibilización, crítica social a través de los medios del rock y del cabaret. El grupo tocaba con frecuencia en eventos sindicales, así como ante aprendices y estudiantes. En el Festival de la Canción Política, se presentó en 1975 y 1976 con las obras de teatro rock 'Gente, ratones y dinero' y 'Countdown'.
Dante di Nanni era obrero en un molino en Turín, se defendió de más de cien fascistas. La canción fue dedicada a Roberto Francesco, Gianno Zibecchi, Claudio Varalli y Alberto Brasili, quienes fueron asesinados por fascistas y la policía entre 1969 y 1978. Las presentaciones de Macchina Maccheronica durante el 9° Festival causaron sensación. Con ellos, formas musicales vanguardistas entraron en el programa del festival. Las posiciones estéticas y políticas culturales del grupo enriquecieron los debates de 'Música y Política'.
01:02:18 19. Floh de Cologne (República Federal Alemana): Ich kenne ein Land (Floh de Cologne)
Floh de Cologne, inicialmente un cabaret estudiantil, luego un grupo de rock político, existió desde 1966 hasta 1983. Los 'Flöhe' de Colonia ejercían una dura crítica al capitalismo utilizando los medios del rock, el cabaret, el espectáculo y el cine. Se comprometieron de manera muy activa entre 1973 y 1981 en el Festival de la Canción Política, participaron en talleres y discusiones de diversa índole y presentaron sus programas multimedia como 'Sinfonía del Buitre' (1974), 'Momias' (1975) o 'Prima Libertad' (1979), de cuyo programa proviene el tema 'Conozco un país'
01:05:36 20. bots-(Países Bajos): Der lange Weg (Hans Sanders)
El grupo holandés bots (en alemán: Golpe, Impacto) participó varias veces en el festival a partir de 1976. Con sus canciones de rock directas y contundentes, se hicieron muy populares a principios de los años 80 también en la República Federal de Alemania. Diether Dehm, Wolf Biermann y otros escribieron letras en alemán para ellos. Algunas de las canciones del grupo se convirtieron en himnos del movimiento por la paz.
01:09:46 21. Karls Enkel (República Democrática Alemana): Meine Zeit (Hans-Eckhardt Wenzel)
Karls Enkel fue un grupo de teatro musical extraordinariamente productivo de Berlín, que existió desde 1976 hasta 1985. El grupo quería desarrollar un concepto artístico independiente y no dejarse instrumentalizar políticamente como muchos otros clubes de cantantes, pero también se presentó en eventos de la FDJ, como el Festival de la Canción Política. Desde 1979 hasta 1985 (excepto en 1983), presentó un nuevo programa cada año en el festival. El segundo programa del grupo se llamó 'Prioridad'. De allí proviene la canción 'Mi tiempo'. Esta canción se refiere al cuadro 'Pareja joven' de Jens Heller, que causó revuelo en la exposición de arte de Dresde. La grabación presentada es una de las pocas producciones de estudio del grupo.
Con el retorno de la democracia en Chile, llegó a nuestras salas de cine una película dirigida por un compatriota: Miguel Littin. El filme, centrado en la figura de Sandino, fue realizado con capitales y actores españoles, y tuvo cierta repercusión en el medio local. En ese entonces, para mí, Sandino y la Nueva Canción Chilena estaban naturalmente conectados, por lo que me llamó la atención que la música fuera encargada a Joakin Bello, un músico asociado en esa época a los teclados, los sintetizadores y a una búsqueda sonora orientada a la meditación y la expansión de la conciencia.
Recuerdo haber visto la película algunos años después. Estaba claramente alejada de los parámetros del cine norteamericano a los que estábamos acostumbrados, y la música, pese a mi escepticismo inicial, no estaba nada mal.
Hoy, más de 30 años después, me reencuentro con esta banda sonora en formato CD. Al escucharla, se percibe una fusión interesante: instrumentos andinos se combinan con otros propios de la música de concierto, todo matizado con el uso de sintetizadores y teclados. El resultado es una mezcla sonora equilibrada, construida sobre composiciones transparentes, neutras, de una belleza natural, sin estridencias.
Joakin Bello es un músico chileno reconocido desde hace décadas como uno de los principales exponentes nacionales del género “new age”. Nació el 12 de noviembre de 1952 en Concepción, y más tarde se trasladó a Santiago, donde inició su formación en el Conservatorio Nacional de la Universidad de Chile en 1960.
En 1972 fue becado por el Ministerio de Cultura de la entonces URSS para realizar estudios de postgrado en Moscú. Durante cinco años fue discípulo de destacados maestros de polifonía, filosofía, piano y, especialmente, se enfocó en el violín y la composición.
Finalizados sus estudios, regresó a Sudamérica para desempeñarse como Primer Violín de la Orquesta de Cámara "Solistas de Buenos Aires" y como profesor de violín en Argentina. Luego se trasladó a Europa y se estableció en Madrid, donde se interesó por el folclore y la canción popular. En ese periodo también comenzó su práctica de yoga y meditación, viajó a la India y compuso más de cien canciones de contenido místico.
En 1987 incursionó en la música electroacústica, combinando instrumentos tradicionales con sonidos de la naturaleza. Así nació Detrás del Arcoiris, el primer disco compacto producido en Chile. Con su álbum Preludios, también marcó un hito al realizar la primera grabación digital del país, difundida por Radio Horizonte.
En 1989 se radicó en Estados Unidos, donde fundó su propio sello discográfico: TOTAL MUSIC, un nombre que refleja su visión musical integral. Según el propio Bello:
“La Música Total propone un nuevo universo sonoro de síntesis e integración al combinar el eterno curativo canto de la naturaleza con los instrumentos del pasado y del presente, y el poder y la pureza de la electrónica y la computación, otorgando así una nueva dimensión a la tradición y abriendo una ventana al futuro.”
Su camino también se cruzó con el del grupo Ortiga. Según se relata en una nota sobre la agrupación, durante la década de los ochenta en Chile el grupo participó activamente en un circuito junto a artistas como el trovador Eduardo Gatti, la cantante Paula Monsalve y el propio Joakin Bello.
“Hubo especial sintonía con Bello, quien también había estudiado música en la Universidad de Chile. La amistad se extendió hasta coincidir en un modo de vida más espiritual y vegetariano. 'Sintonizamos mucho con eso y Joakin se acercó a nosotros de igual manera, sellando una amistad muy valiosa', recuerda Velis.”
Esta relación influyó incluso en el repertorio del grupo, incorporando creaciones de Bello como Himno de la paz, América del Sur y Biobío. Dentro del conjunto, esta nueva sensibilidad impactó especialmente a Velis, Valladares y Torres, miembros fundadores. Con una nueva visión del arte y la vida, Ortiga comenzó a vivir una transformación que marcaría su rumbo hasta el día de hoy.
Durante la década de los 90, esta evolución los llevó a acercarse más a la estética New Age, integrando elementos de la World Music en su propuesta sonora.
El año 2014 ya hice un post sobre este cassette doble, aunque en realidad lo que hice en aquella oportunidad fue tomar la edición en CD Alerce, corregirle la velocidad y re ecualizarla. Ahora el audio de este post está tomado directamente del cassette. Esa es la única diferencia. Merecía repostearlo. Y para mas datos sobre este cassette les dejo lo que ya publiqué hace algunos años:
Los dejo con este cassette doble, editados el año 1989 por el sello Alerce, posteriormente reeditadas en CD en una asquerosa masterización realizada por el mismo sello, en donde la cinta se traspasó a digital a una velocidad mas lenta dejando todas el registro con medio tono mas bajo que la edición original. Por lo cual no hay registro sonoro parecido al que contiene la edición original en cassette.
Este cassette doble, y esta gira realizada por el conjunto Quilapayún a inicios de 1989, es un registro imprescindible para cualquier seguidor de este grupo por varias razones. Entre ellas podemos considerar a que corresponde la gira con la cual en forma efectiva termina su exilio, realizando conciertos por primera vez después de 15 años. En términos generales en esa época el conjunto Quilapayún venía en un claro declive en sus actividades en Europa, el año 1987 habían sido despedidos del sello Pathé Marconi- Emi Francia, el año 1988 recién venían de grabar y estrenar la Sínfonía de Los Tres Tiempos de Amércia de Luis Advis junto a Paloma San Basilio, obra que tuvo una escasa repercusión. Eduardo Carrasco el director del grupo había decidido quedarse en Chile una vez que el conjunto había podido regresar a Chile días antes del plebiscito de 1988 organizando el último trabajo bajo su dirección, antes de abandonar el conjunto, que se transformaría en esta gira y en el cassette doble.
El repertorio del conjunto en estas presentaciones trata de reflejar de alguna forma la vida del conjunto, que por esos años estaba a punto de cumplir 24 años, 15 vividos en el exilio y otros en sus orígenes en Chile. Tal vez por eso el repertorio se centran principalmente en una revisión de su carrera desarrollada en el exilio, repertorio que en esa época era casi completamente desconocido por el gran público, ya que solo contadas compilaciones habían podido ser editadas en esa época, y casi ningún cassette del exilio había podido salir editado según su edición original, excepto Tralalí Tralalá y Survarío que en esa época estaban disponibles en cassette, pero que no lograban dar una completa unidad evolutiva de lo que había desarrollado el conjunto durante esos años.
Este cassette doble es fiel al tipo de espectáculo que logró desarrollar por aquellos años el conjunto bajo la dirección de Eduardo Carrasco, como el Libro de las Sabiduría, la lectura de titulares de periódicos pegándole palos tanto a la derecha como a la izquierda, la conjugación de verbos irregulares, etc, dándole cierto grado de lucidez y profundidad poética a la presentación del conjunto, algo que por supuesto no podía traspasarse a los discos en Estudio que se editaron por esos años.
Para muchos seguidores esta es la época de oro de Quilapayún, con una formación de primera nivel, tal vez extrañando la presencia de Willy Oddó a lo largo de todo el concierto, con un discurso y unas canciones que vislumbraban lo mejor de la evolución del conjunto mas importante de la Nueva Canción Chilena, titulo que se gana por el riesgo en sus desarrollos, y por la profundidad en la que se basa su discurso, que se traspasaba en las canciones de cada uno de los discos, y en la puesta en escena que se escucha en estas cintas.
Dejamos en este post disponibles además varias publicaciones de prensa realizadas en Enero de 1989, tomadas principalmente del Diario La Tercera y El Mercurio, en la forma como cubrieron esas presentaciones, y la llegada y conferencias de prensa dadas por el conjunto (Material tomado del facebook alternativo de Quilapayún que administramos ).
Recuerdo que alguna vez le pregunté a Ricardo Venegas si pensaba que el público los había entendido en esa gira, él pensaba que sí. En cambio Eduardo Carrasco tenía una opinión totalmente distinta, dejamos un extracto de una entrevista que le realicé en 1996:
VT: ¿Cuál fue la sensación que le dejó esa gira después de estar 16 años fuera del país y por fin volver?. EC: Bonita esa gira, parte de ella está contenida en un disco que se llama “Quilapayún en Chile”. Fue una gira muy bonita, aunque yo no la hice, porque estuve acá en Santiago preparando todos los detalles. Fue muy bueno volver, y muy raro también. Imagínate volver justo antes del plebiscito, una semana antes, como el 27 o el 28 de septiembre. Fue increíble. VT: Respecto a comentarios en lo referido a esa gira, que el público no entendió la nueva sonoridad del conjunto. EC: Yo creo que no lo entendió. Pero es natural, porque el Quilapayún tiene toda una evolución, e hizo miles de cosas, pero dentro de un medio que no era el medio chileno, y los chilenos no siguieron esa música, porque son dos realidades distintas. Entonces, lo que sucedió es que la gente sintetizaba las cosas de aquí, las cosas que nutrían el medio cultural chileno. En cambio, nosotros nos desarrollamos en el medio francés. Te diría que el Quilapayún creció en Francia desde Chile, pero no creció hacia Chile, porque el crecer hacia Chile hubiera necesitado una asimilación del país, que no se produjo por debilidades más profundas del país. Chile no es un país de una cultura tan desarrollada como para asimilar las cosas que se producen afuera. Existe una gran producción cultural del exilio que no está asimilada: hay poesía, literatura, canciones, que no han sido asimiladas por el país. No sucedió lo que pasó con el exilio de la guerra civil española, que generó toda una cultura, toda una obra, que vivió fuera del país, pero que después se rearmó al interior de España con el retorno de la democracia. En Chile no sucedió lo mismo. Incluso grandes valores de la cultura nacional, como el cineasta Raúl Ruiz, no han sido asimilados en Chile, las películas que él ha hecho durante todos estos años no le interesan a los chilenos. Entonces, es una obra hecha desde Chile, pero que se desarrolla en un medio distinto. Lo mismo que sucede con el Quilapayún, y es poca la gente que se entusiasma como tú, que reconoce cosas propias en eso. Pero van a pasar muchos años antes de que todas esas cosas se reabsorban.
Vol1:
Lado A:
1. La Carta (Texto y Música: Violeta Parra)
2. Contraste (Música: Eduardo Carrasco)
3. Canto Negro (Texto: Nicolas Guillén. Música: Eduardo Carrasco)
4. Todo tiene que ver (Texto y Música: Eduardo Carrasco)
5. Rondó (Música: Johann Sebastian Bach)
6. Eleonor Rigby (Música Lennon y McCartney. Arreglo de Patricio Wang)
Lado B:
1. Mi Patria (Texto: Fernando Alegría. Música: Eduardo Carrasco)
2. Free Nelson Mandela (Texto y Música: Desiderio Arenas)
3. La vida total (Texto: Patricio Manns. Música: Eduardo Carrasco)
4. La Muralla (Texto: Nicolás Guillén. Música: Quilapayún)
5. Tutti Frutti (Texto y Música: Eduardo Carrasco)
Vol.2
Lado A:
1. La mano (Texto: Eduardo Carrasco. Música: Patricio Wang)
2. Te recuerdo Amanda (Víctor Jara)
3. Guantanamera (Tradicional cubano)
4. Invocación a la lluvia (Texto: Vicente Huidobro. Música: Patricio Wang)
5. Memento (Texto: Federico García Lorca. Música: Gustavo Becerra)
6. Vals de Colombes (Música: Eduardo Carrasco)
Lado B:
1. Es el colmo que no dejen entrar a la Chabela (Texto: Eduardo Carrasco. Música: Patricio Wang)
2. Malembe (Quilapayún)
3. Discurso del pintor Roberto Matta (Texto: Roberto Matta. Música: Eduardo Carrasco)
4. Canción final de la Cantata Santa María (Texto y Música: Luis Advis)***
5. El pueblo unido (Texto: Quilapayún. Música: Sergio Ortega) (sic)***
*** Con la participación de Willy Oddó, Rubén Escudero y Eduardo Carrasco
Gracias al aporte de Ricardo Tapia, los dejo con este LP de Palmenia Pizarro grabado en 1965. En esta época la cantante aun mantenía el fraseo y la voz de los primeros años de su carrera. Un repertorio entregado a la perfección por la cantante y excelentemente acompañada por una diverrsidad de músicos.
Un disco para escuchar.
Listado de temas:
00:00 Lado A:
00:05 1. EL PLEBEYO * (F. Pingló)
05:08 2. SI SOMOS AMERICANOS ** (R. Alarcón)
07:07 3. DESPECHO * * * (C. Ulloa)
10:01 4. AUN TE QUIERO * (E. Pelaez)
13:35 5. EL CORRALERO * * (S. Soval)
16:49 6. QUE BONITOS OJOS *** (D. R.)
19:27 Lado B:
19:32 1. SI TE VAS QUE ME QUEDA * (L. García)
22:11 2. CAPRICHOSO * * * (P. Mitchel)
25:13 3. DOLOR DE AUSENCIA * (N. Sedini)
28:42 4. Y NO TE HE VUELTO A VER (P. Pizarro)
31:14 5. TU CULPA ** * (G. Plasencia)
35:13 6. MI POBREZA **** (L. Egoavil)
(*) Leonel Meza y sus Guitarras - ( * ) Lolo Rosso - ( ** ) El Trio Monterrey - ( **** ) Ferrau Mora
Este disco lo encontré a la venta en facebook, y después de pensarlo un poco lo compré, porque pertenece a una colección de discos editados por la Universidad de Chile en 1970 y que vendría sumarse a los discos editados bajo el alero de esa casa Universitaria con folklore chileno en la década de 1940 y 1960. Este disco dice 2, por lo tanto por lo menos un ejemplar anterior, y pueden que hayan más.
Este disco es un compendio de varias entonaciones del canto a lo poeta con una mezcla de canto a lo humano y lo divino que va apareciendo a lo largo del LP. Varios de los registros se perciben que fueron grabados en Vivo y no en estudio, y en los en vivo se escucha levemente un ruido de "tierra" que viene en el registro original y noes culpa del traspaso.
SANTOS RUBIO MORALES, nació en 1938 en la Puntilla de Pirque. Aprendió a cantar en décimas a
los 12 años, de su abuelo don Arturo Morales Marchant y de Juan de Dios Reyes. Rubio es diestro tocador de arpa, guitarra y guitarrón y agudo improvisador en payas y contrapuntos.
DANIEL MORALES MARCHANT, nació en la Puntilla de Pirque alrededor de 1915. Aprende a cantar en décimas a los 10 años y desde entonces no falla a los velorios de angelitos de la localidad. Ha trabajado como agricultor, albañil, carretelero, artesano, carnicero, etc. Es conocido por sus preciosos versos y antiguas melodías.
RODEMIL JEREZ JEREZ, nació en 1942 en la localidad de Los Quillayes. Se inicia como cantor en décimas a los 12 años haciéndolo a lo divino y a lo humano. Asiste desde muy niño a las Novenas de la Virgen del Carmen, San Antonio y Virgen del Tránsito, junto a poetas de la jerarquía de Rodolfino Bustos y Segundo Sánchez.
MANUEL GALLARDO REYES, cantor y poeta de Aculeo. Nació en Rangue en 1931. Canta desde los
14 años y reconoce como maestro a don Juan de la Cruz Bello. Gallardo es diestro compositor de versos
a lo divino y a lo humano. Además, posee un variado repertorio por diversos fundamentos.
RICARDO GARATE PAVEZ, nació en Pintué en 1926. Es hijo de don Alfredo Gárate y de doña Teresa Pavez en cuya casa se celebra la afamada Cruz de Mayo. Gárate se inició como cantor a los 18 años
aunque desde muy niño asiste a novenas y velorios de angelitos.
Caminando por la feria del barrio de repente se encuentran discos interesantes, como este. El caballero que antes vendía cassettes, ahora tenía un lote de casi pura música de concierto, o música clásica como le dicen algunos. Entre ese lote encontré este CD. Una Edición sencilla, sin parafernalias, edición independiente, de canto gregoriano y grabado en Chile, algo no muy común. Al tomar el CD, comprarlo en $300, y llevármelo en mis manos le eché una mirada a la contratapa. Y ahí salía un nombre: Enrique Monje Yáñez. Personalmente para mi Enrique Monje fue muy importante. En la década de 1980, en la dictadura, cuando recién cruzaba mi primeros diez años de vida, en mi búsqueda de encontrar música en la radio, dí con música latinoamericana un domingo en la tarde. Era Radio Beethoven con su programa "Concierto Latinoamericano" que se transmitía a las 18.30 hrs. ¿Que fue lo primero que escuché ahí?, no lo recuerdo bien; pero ahí fue la primera vez que escuche muchas músicas. De partida la cortina de entrada del programa era "Trompe" de Quilapayún; la salida era "Documentos" de Patricio Wang interpretado por Amankay. Un repertorio difícilmente encontrable por aquellos años.
Este programa con el tiempo empezó a hacer unos sorteos de instrumentos musicales de Yelkon Montero. En uno de esas ocasiones me gané un cuatro venezolano. Un día partimos desde el 18 de gran avenida a La Plaza Las Lilas en la Colón el Llano con mi madre para ir a retirar el premio. Llegamos y tuvimos que esperar largas horas hasta que llegó Enrique con el cuatro. Fue mi primer instrumento que solo aprendí a tocar algunos años después en el colegio. Después de esta primera impresión las visitas a la radio Beethoven se hicieron frecuentes, aprendí a viajar solo en metro, caminar largas cuadras y llegar allá de alguna forma. Enrique tenía la paciencia de recibirme y de ponerme una silla en la sala de radiocontrol mientras él manejaba todo el engranaje de lo que salía al aire en la radio. Por un lado una gran cinta reel to reel con todas las locuciones de Carlos Wilson por cada una de las obras que saldrían al aire. Por otro lado otro par de maquinas reel to reel mas pequeñas en donde debía poner las cintas de la publicidad que iba cambiando en forma alternada mientras una salía al aire iba trabajando sobre la otra. Un par de tornamesas con los vinilos que se iban poniendo al aire , y el cronometro que colgaba de su cuello para ir viendo cuanto faltaba para terminar la obra que estaba sonando. Recuerdo que me miraba con cara extrañada Adolfo Flores, que no entendía que hacía este adolescente en la sala de transmisiones. Yo siempre tímido casi no hablaba. Sentado desde esa orilla de la sala vi como se asomaban y andaban trabajando en sus cosas José Oplustil, Sergio Díaz, también recuerdo haber visto a Oscar Ohlsen que por aquella época estaba iniciando el programa "Guitarra". Todo lo veía en silencio. Fue una hermosa etapa de mi vida. Y ese amor por la radio, por la música nunca hubiera sido posible encarnarla sino hubiera sido por la tremenda generosidad de Enrique Monje Yáñez. Quien hizo la grabación de este disco que les comparto el día de hoy. Todas memorias que se me vinieron al leer la contratapa del disco. Gracias Enrique Monje por todo!!!.
El disco es sencillamente hermoso. Cuando llegué a la casa y lo dejé sonar fue avanzando y me fue sorprendiendo gratamente a cada minuto. No es solo Canto Gregoriano a secas. Es Canto gregoriano desde Chile, y eso si que es profundo. La tierra suena en estos cantos. Suena la quena, suena la zampoña, el cuatro venezolano, suenan antiguos cantos folklóricos que se funden en el Canto Gregoriano. Una Comunión sacra con lo profano con tintes divinos.
Sobre la agrupación Gregoriani Carminis hay pocos antecedentes en la red, pero con lo poco que aparece se puede ver que es una agrupación que sigue vigente.
